Дискографии исполнителей блюза на треккере (70 исполнителей)

Истинный техасец, ковбой. Гитарный герой 80-х. Блюзмен Стратокастерович и достойный последователь Джими Хендрикса. Пьяница и наркоман, который нашел в себе силы завязать с пагубными привычками... Всех этих эпитетов удостоился челоек, чье имя Стиви Рэй Воугэн.
...3 октября 1954 года в Техасе, в семье Джима и Марты Воугэн появился второй ребенок - мальчик, которому дали имя Стиви Рэй. Рос он весьма смышленным, слушал записи Альберта Коллинза, Альберта Кинга, Би Би Кинга, Мадди Уотерса (чуть позже его кумирами станут Эрик Клэптон, "Битлз" и Джими Хендрикс), и, когда достиг 11-летнего возраста, взялся осваивать гитару. Не обошлось без "вливаний" со стороны старшего брата Джимми. Именно он оказал наибольшее влияние на Стиви. Вскоре молодой техасец успел переиграть практически со всеми самодеятельными ансамблями в округе.
Первым инструментом Стиви была дешевенькая, "детская" модель "Roy Rogers", которая, по воспоминаниям ее бывшего владельца, была сделана из картона и не "строила" ни на одном ладу. Чуть позже появилась первая настоящая гитара "Gibson Messenger" c усилителем "Silvertone", который впоследствии Стиви поменял на агрегат "Fender Champ 600".
Многое доставалось "по наследству" от старшего брата: "Fender Broadcaster" 1952 года выпуска, на котором Стиви играл на протяжении всего 1966-го года, "Les Paul T.V." 1954-го, а также "Les Paul gold-top" (год выпуска 1952-ой), полученные от Джимми в 1968-м году.
С последним инструментом связана презабавная история. Рассказывают, что Стиви долго выпрашивал его для выступления на школьном вечере. Однако Джими, буквально сдувавший пылинки с гитары, долгое время не поддавался на уговоры, но, в конце концов, согласился с условием, что тот будет беречь инструмент, как зеницу ока. Стиви не сдержал слово и нечаянно поцарапал покрытие на какой-то важной железяке. Джимми чуть не убил виновника! Однако потом смягчился и со свойственной американцам житейской мудростью решил наказать младшего брата долларом: в качестве компенсации за причененный ущерб Стиви должен был выкупить гитару. Повторимся, что это не более, чем факт незадокументированный.
Разумеется, что бурная музыкальная деятельность не могла не сказаться на школьных достижениях молодого техасского дарования (школа и гитара, заметим справедливости ради, - занятия несовместимые). После музицирований, которые заканчивались глубоко за полночь, Стиви, убаюкиваемый сладостным воркованием учителей, частенько дремал на "галерке". Школе пришлось сказать "bye-bye" в 1972-м году, и Стиви, собрав вещички, перебирается в Остин - столицу Техаса - для того, чтобы посвятить себя музыке без остатка.
Первым, кто оценил виртуозную игру гитариста, стал Дойль Брэмхолл. Впоследствии он стал не только ближайшим другом, но и соавтором многих песен Стиви. Но тогда, на заре 70-х, друзья играют вместе в группе "Nightcrawllers". Затем популярный остинский состав "The Cobras" предложил Стиви занять вакантное место гитариста. Он принимает предложение и всю середину семидесятых колесит с "Кобрами" по барам и забегаловкам Техаса.
К 1976-му Стиви, что называется, заматерел, понабрался опыта и превратился в местную знаменитость. Его перестали устраивать роли второго плана, и наш герой собирает собственный амбициозный ритм-н-блюзовый проект под названием "Triple Threat Revue", позже переименованный в "Triple Threat". Кроме самого мистера Воугэна за главного в состав вошли Лу Энн, Крис Лейтон и Джеки Ньюхауз. После того, как в 1980-м Лу Энн переметнулся в конкурирующую "фирму" "The Roomful Blues", Стиви дает своему детищу новое имя - "Double Trouble" (что-то вроде "Пришла беда - отворяй ворота"). А на место уволившегося Джэки Ньюхауза приглашают басиста Томми Шэннона.
20 декабря 1979 года (в это время "Double Trouble" получили "прописку" в зале "Rome Inn", Остин) Стив официально оформляет свои отношения с Ленорой (Ленни) Бэйли. Мы не случайно упомянули этот факт. Именно этой женщине посвящена великолепная инструментальная пьеса, которая так и названа - "Lenny".
Год 1982-й стал переломным в карьере Стиви: Дэвид Боуи, услышавший выступление техасца и его группы на фестивале в Монтре, не раздумывая предлагает ему записаться на собственном альбоме "Let`s Dance". Но это еще не все. Английский рокер оплатил "Даблам Траблам" время в лос-анджелесской студии "Browne`s Downtown Studio". Как результат - контракт с пластиночным гигантом "Epic Records", ставший началом мирового признания.
И вот в 1982-м году свет увидел дебютный полнометражный альбом группы "Texas Flood", который сходу был продан тиражом более 500 тысяч копий и добрался до 38-й позиции журнала "Billboard". Согласно опроса читателей журнала "Guitar Player", эта пластинка названа "Лучшим гитарным альбомом года", сам Стив Рэй - "Лучшим блюзовым исполнителем" (этого звания он будет удостаиваться 4 года подряд, а в 1989-м станет постоянным членом "Галлереи Великих" "G.P."), а вещь "Rude Mood" получила "Грэмми" в номинации "Лучший рок-инструментальный номер".
Следующий LP - "Couldn`t Stand The Weather" - выходит ровно через год. 31-е место в "биллбордовском" хит-параде, статус "платины", то есть более миллиона проданных копий, "Лучший блюзовый альбом" и "Лучший гитарный альбом года" от "Guitar Player", очередной "Грэмми" за ковер-версию знаменитой "Voodo Chile (Slight Return)" Джими Хендрикса в номинаиции "Лучший рок-инструментал". В этом же году Стиви удостаивается награды от блюзового фонда W. C. Handy, как лучший артист и инструменталист года.
1985-й отмечен двумя работами техасского музыканта: очередным альбомом "Soul To Soul" - раз, а также сотрудничеством в Лонни Мэком - два. Стиви продюсирует его альбом "Strike The Lightning", исполнив здесь же гитарные партии в 5 вещах.
В 1986-м выпущена в свет концертная запись "Live Alive" (что-то вроде "Живее всех живых", да простит читатель легкую иронию).
Год спустя Стиви проходит курс реабилитации для наркоманов. Это решение было принято после срыва гастрольной поездки по Германии. С наркотиками было покончено раз и навсегда.
1987-й - год дебюта Стиви на большом экране. "Back To The Beach" - так назывался фильм. Гитарист играет роль самого себя, "as himself", как говорят американцы. Саундтрек к ленте, исполненный в дуэте с королем "серф-гитары" Диком Дейлом, оказался настолько удачным, что отхватил очередной "Грэмми". Журнал "Performance" называет "Double Trouble" лучшим ритм-н-блюзовым составом. Тогда же - в 1987-м - Стиви подает на развод со своей экс-музой Ленни.
В 1988-м MTV записывает unplugged со Стиви Рэем. Заканчивается бракоразводный процесс с Ленни.
Очередной LP "In Step", получивший статус "золота" и "платины", появляется на прилавках магазинов в 1989-м году. Стиви гастролирует с другим мастером гитары - Джефом Беком. "Живые" выступления в престижном зале "Austin City Limits" легли в основу выпущенного годом позже видео "Live From Texas, Austin".
В начале 1990-го - турне с Джо Кокером. Братья Воугэн записывают альбом "Family Style"... Однако трагический случай 27 августа 1990-го года - авария вертолета, на котором музыкант отбыл с фестиваля (где играл вместе с Бадди Гаем, Эриком Клэптоном и Робертом Крэем) - оборвал его жизнь.
Похороны состоялись 31 августа в Далласе на кладбище Лорел Лэнд. На церемонии погребения присутствовали лишь родные и близкие. Среди них - многие известные люди: Джефф Хилли, Доктор Джон, "ZZ Top", Ринго Старр, Стиви Вандер, Джексон Браун и Бадди Гай. Тогдашний губернатор Техаса Энн Ричардс провозгласил 3 октября (день рождения музыканта) "Днем памяти Стиви Рэя Воугэна".
... Он слушал лучших, учился у лучших и сам стал одним из лучших. REST IN PEACE.
Андрей Гончаров, agoncharoff@yahoo.com
bluesnews.ru

Оригинальные альбомы:
1983 - Texas Flood
1984 - Couldn't Stand The Weather
1985 - Soul To Soul
1988 - In Step
1991 - The Sky Is Crying

---

Ремастеры:
1983 - Texas Flood (remaster)
1984 - Couldn't Stand The Weather (remaster)
1985 - Soul To Soul (remaster)
1988 - In Step (remaster)

---

Концертные записи:
1986 - Live Alive
1992 - In The Beginning
1997 - Live at Carnegie Hall
2004 - (1982 & 1985) Live At Montreux 2CD
2006 - Crossfire at Stone Pony (Live)

---

Джэмы и сэйшены:
1986 - Buddy Guy & Stevie Ray Vaughan - Lone Star Cafe
1989 - Stevie Ray Vaughan & Buddy Guy - It's Still Called The Blues (Live)
1990 - Family Style (with Jimmie Vaughan)
1999 - Stevie Ray Vaughan & Albert King - In Session
2007 - Stevie Ray Vaughan & Friends - Solos, Sessions & Encores

---

Сборники:
Stevie Ray Vaughan & Double Trouble - The Real Deal: Greatest Hits Volume 1
Stevie Ray Vaughan & Double Trouble - The Real Deal: Greatest Hits Volume 2

Музыкант, положивший начало техаскому блюз-року, первый гитарный slinger. В мифологию блюза и рока вошел слух, что после каждого диска ДВ делал татуировку (что есть выдумка), а также слайдер, сделанный из обрезка водопроводной трубы, которым ДВ пользуется уже не первое десятилетие (что есть правда).
ДВ (John Dawson Winter III) родился 23 февраля 1944 в Техасе (город Beaumont) в семье военнослужащего. ДВ, также как и его брат Эдгар, появившийся на свет в 1947, родились абсолютными альбиносами — с волосами и глазами, лишенными пигментации, и всю жизнь страдали от слабого здоровья и всевозможных недугов.
Природа оделила ДВ и его брата здоровьем, однако наградила музыкальным даром. К пяти годам ДВ играл на кларнете, позднее на гавайской и обычной гитарах, Эдгар — на фортепиано, саксофоне, других духовых инструментах. Ещё детьми братья выступали при любом удобном случае, копируя Everlys Brothers, побеждая в конкурсах музыкантов-любителей, как следствие они в раннем возрасте появились на экранах телевизоров, получили первое артистическое паблисити. К 14 годам у ДВ был собственный ансамбль Johnny and the Jammers, где Эдгар играл на клавишах. Группа выиграла очередной конкурс и получила возможность записать свой первый диск-сингл в 1962.
Три последующих года ДВ вёл бурную жизнь музыканта. Он выступал при малейшей возможности с разными составами (Black Plague, The Crystaliers, It And Them, Texas Guitar Slim), в том числе в массе черных клубов, пересекаясь там со своими кумирами — Muddy Waters, B. B. King, and Bobby Bland. В эти годы он выпустил на маленьких техасских фирмах ряд синглов, до сих пор переиздающихся без согласия ДВ под разными названиями в виде компиляций.
Кардинальные перемены произошли в судьбе ДВ с началом «Британского вторжения»: бриты принесли моду на американский блюз и природный талант ДВ к блюзу получил приложение.
К 1967 он переехал в Хьюстон и основал трио с барабанщиком Джо Тёрнером и басистом Томи Шенноном. На независимой фирме трио записывает диск «The Progressive Blues Experiment».
В супер-звезду ДВ превращается после подписания контракта с Columbia и выпуска в 1968 «Johnny Winter» (это случилось после публикации заметки влиятельным журналом «Rolling Stone»). Следует моментальная раскрутка, бешеная реклама, бесконечные концерты, в том числе на всех крупных фестивалях, включая Woodstock, the Atlanta Pop Festival и проч. По настоянию менеджера выступление ДВ не попало в фильм о Вудстоке, что нанесло, по мнению музыканта, его карьере существенный ущерб
ДВ перебирается в Нью-Йорк, у него один из мощнейших менеджеров Стив Пол. Звук следующего альбома «Second Winter» утяжеляется, в состав приходит Эдгар.
С приходом 70-х меняются вкусы. ДВ удаляется от традиционного блюза в сторону коммерчески передового блюз-рока. Теперь он работает с поп-группой талантливого гитариста и композитора Рика Дерринжера, в прошлом преуспевшей в сёрф-роке, теперь переменившей саунд на тяжелый. Проект получает название Johnny Winter And и выпускает ряд альбомов, являющихся классикой американского блюз-рока. Дерринжер напишет для группы один из «гимнов» жанра «Rock'n'Roll Hootchie Koo».
В эту эпоху ДВ становится наркоманом, что разрушительным образом действует на его и без того шаткое здоровье, подрывает его карьеру. Почти два года потребовалось ему, чтобы прийти в себя и заявить о себе альбомом с красноречивым названием «Still Alive and Well» (1973).
Лишь во второй половине 70-х ДВ удалось вернуться к блюзу, когда он выпустил пластинку «Nothin' But The Blues» на принадлежащей CBS фирме Blue Sky, на которой он также спродюсировал с 1977 по 1980 ряд альбомов Мадди Вотерса, получивших «Грэмми».
В начале 80-х ДВ начинает сотрудничество с Alligator Records. Там он записал номинировавшиеся на Grammy «Guitar Slinger» и «Serious Business», не менее сильный «3rd Degree», продюсирует и играет на альбоме Сонни Терри. Однако успешная творческая деятельность не сопровождается коммерческим успехом.
В конце декады ДВ подписывает контракт с филиалом RCA лейблом Voyager, записывает два LP с работавшим с ZZ Top продюсером Терри Мейнингом. Выпущен только один из этих рок-альбомов — «The Winter of '88». Новое руководство RCA решает заморозить выход второго, который до сих пор остаётся в архивах компании.
Следующим партнером ДВ стала компания Point Blank Records. ДВ возвращается к чистому блюзу, его «Let Me In» (1991) и «Hey, Where's Your Brother?» (1992) выдвигаются на Грэмми.
В 1992 ДВ участвует в праздновании 30-летия творческой деятельности Боба Дилана, широко освещавшемся ТВ и прессой, и вновь попал в фокус всеобщего внимания после долгих лет забвения. Казалось, судьба даёт ему ещё один шанс…
Последующие почти пять лет ДВ провел в изоляции, под постоянным присмотром медиков, выступая лишь изредка. Слабое с рождения физическое здоровье усугубилось нервным расстройством, ДВ прописывают ежедневное лечение транквилизаторами.
В марте 1998 на прилавках появился «Live In NYC '97», записанный в одном из клубов Нью-Йорка. Хотя большинство критиков приняли диск с энтузиазмом, невозможно закрыть глаза на то, что сыгран он в несколько замедленном темпе, что некоторые объяснили действием на музыканта лекарств.
Долгое время о записываемом по меньшей мере пару лет новом диске доходили лишь слухи, но в начале лета 2004 года диск появился. На нем упор сделан в большей степени на современный электрический блюз, во многом он наследует традициям двух предыдущих студийников, с поправкой на время разумеется. На протяжении следующих семи лет выходили всевозможные сборники и концертные записи, новый же альбом появился только в 2011 году. Roots представляет собой блюзовые стандарты, исполненные Джонни и приглашенными музыкантами. Джонни Винтер продолжал давать концерты до самой своей смерти летом 2014 года, когда он был обнаружен мертвым в номере отеля, спустя два дня после последнего концерта. В сентябре того же года вышел его последний студийный диск Step Back, построенный по той же схеме, что и Roots - вновь стандарты и приглашенные музыканты, но звук здесь пожестче, чем на альбоме 2011 года. Так что этот диск ближе к блюз року по звуку, но по сути - все тот же электрический блюз. А одна вещь - Death Letter Blues Эдди "Сан" Хауса исполнена Винтером в одиночку. Вот если бы весь альбом так...

Номерные альбомы:
1969 - Johnny Winter
1969 - Progressive Blues Experiment
1969 - 38-32-29 Blues
1969 - Second Winter
1970 - And
1971 - Johnny Winter And Live
1973 - Still Alive And Well
1974 - Saints & Sinners
1974 - John Dawson Winter III
1976 - Johnny Winter & Edgar Winter
1977 - Nothin' But The Blues
1980 - Raisin' Cain
1984 - Guitar Slinger
1985 - Serious Business
1986 - 3rd Degree
1988 - The Winter Of '88
1991 - Let Me In
1992 - The Texas Tornado
1992 - Hey Where's Your Brother
1997 - Live in NYC' 97
2004 - I'm A Bluesman
2011 - Roots
2014 - Step Back

---

Совместные проекты:
1977 - Muddy Waters, Johnny Winter & James Cotton - Breakin' It Up, Breakin' It Down
1984 - Sonny Terry, Johnny Winter, Willie Dixon - Whoopin

Лютер Эллисон родился в штате Арканзас в 1939. Он был 14-ым из 15-ти детей в семье. В раннем возрасте соприкоснулся с музыкой, исполняя госпел в семейном ансамбле The Southern Travellers.
Семья Эллисонов переехала в Чикаго в 51-ом году. Подростком Лютер стал поклонником чикагского саунда: тогда негритянская музыка города находилась под тотальным влиянием Мадди Вотерса. Лютер водил дружбу с сыном Вотерса и время от времени наведывался в дом Мадди, получал возможность видеть, как тот репетирует, общается с коллегами. К 18-ти годам он освоил гитару и участвовал в джемах в клубах с группой старшего брата Олли.
В 1957 Эллисон ушел из школы и сформировал первую свою группу The Rolling Stones. К 20-ти годам Эллисон выступал и вращался в кругу музыкантов, создавших «west side sound». Среди них были Мэджик Сэм, Отис Раш, Бадди Гай и Фредди Кинг. Именно последний настоятельно советовал Лютеру начать петь, играя на гитаре. Когда Фредди Кинг, благодаря своему инструменталу «Hideaway» сделался общенациональной звездой и начал гастролировать за пределами Чикаго, Эллисон занял его место в музыкальном кабачке «Walton's Corner» и встал во главе группы Фредди. В течение 5 лет Эллисон совершенствовался здесь в ремесле солиста блюзовой группы.
Его пригласили в Калифорнию, где он пробыл в течение целого года, выступая и записывая пластинки с такими же выходцами из Чикаго, как он сам, с Джейком Хэррисом и Санниленд Слимом.
Первые собственные песни в качестве солиста он записал для компании «Delmark», подготовившей ныне классическую антологию «Sweet Home Chicago».
В 1969 появилась первая долгоиграющая пластинка Эллисона «Love Me Mama», она представляла собой продукт эпохи - гитарный энергичный блюз, перекликавшийся с роком.
Как важную веху в биографии музыканта необходимо отметить триумфальное выступление на крупном фестивале Ann Arbol Blues Festival в 1969 году.
В 1972 Эллисон заключает контракт с Motown Records на выпуск нескольких альбомов. Вместе с выпуском трех пластинок последовали многочисленные гастроли, хотя было очевидно, что интерес к блюзу в тот период угасает.
Ангажементы в середине 70-х регулярно приходили лишь из Европы. Впервые Эллисон наведался на старый континент в середине 70-х как соло-гитарист концертного ансамбля Джона Ли Хукера. После этого Лютер сделался завсегдатаем фестивалей джаза и блюза.
В 1979 открыл в Париже магазин и вскоре поселился там на постоянной основе, купив квартиру. Начался европейский период в судьбе Лютера Эллисона. На фоне социальных и бытовых проблем, в окружении которых он жил в Чикаго (отсутствие работы, сегрегация, преступность), отсутствие таковых особенно бросалось в глаза в Европе. Эллисон разъезжал с концертами по всему континенту, регулярно записывал и выпускал там пластинки, которых вышло более десятка, имел постоянное место работы в клубе в районе Монпарнаса – клуб «Petit Journal». Здесь он был высоко ценимым артистом, имел возможность отдать сына Бернарда в полноценную школу, увлеченно занимался теннисом. Далеко не весь музыкальный материал этого периода отличается идеальным качеством: сказывалось отсутствие жесткой профессиональной конкуренции, эмоциональной подпитки, которую дает истинная блюзовая среда.
Со временем становилось очевидным, что если жить комфортней в Париже, бизнес выгоднее делать все-таки в Америке. В условиях нового интереса на родине к блюзу Лютер Эллисон не без колебаний принял деловое предложение компании Alligator. Начинается ренессанс карьеры музыканта в США. В мае 1994 там выходит первый за почти 20 лет американский альбом Эллисона. Релиз произвел на прессу и публику громадное впечатление. Однако настоящим прорывом стал следующий диск – «Blue Streak». Выпуск пластинок сопровождался безостановочными концертами, хотя Эллисон не переехал в Америку и приезжал туда из Парижа, ставшего ему родным городом, лишь на работу.
Уже через пару лет после музыкального набега на американский блюзовый рынок Лютер Эллисон благодаря гигантскому таланту и массированной рекламной кампании удостоился титула «нового короля блюза». Его альбом 1997 года "Restless" выдвигался на «Грэмми», получил 3 премии Уильяма Хэнди, бесчисленное количество других. Эллисон шел нарасхват на телевидении и посетил, давая интервью и концерты, несколько общенациональных шоу. Выступления Эллисона в сопровождении группы старого друга, гитариста и аранжировщика James Solberg длились по 3 и более часа, эмоциональный накал солиста на них пресса часто называла экстатическим. Казалось, ничто не мешает новому претенденту утвердиться на троне «короля блюза»…
Смерть Лютера Эллисона 12 августа 1997 года от рака легких повергла всех в шок.
Вместе с уходом Эллисона, остававшегося в жизни скромным человеком, высоко ценящим семейные ценности, в сущности, завершила «второй блюзовый бум».
После смерти музыканта вышло несколько альбомов и DVD, включая великолепный концертник с его выступлением на фестивале в Чикаго. В этом городе продолжает успешно функционировать принадлежавший ему, а ныне его сыну музклуб "Luther's Blues".

Перекрёсток - это реальное место, но не какое-то конкретное, не какое-то шоссе, обозначенное на специальной карте. Ты можешь найти этот перекрёсток прямо здесь: это место, где ты принимаешь решение, место, где ты изменяешь свою судьбу. Оно существует.
... Две тени шли за ним от самого перекрёстка ...
Рассказывая о музыке ДжК невозможно не рассказать о его жизни. А рассказывая о его жизни - трудно не увлечься и не растянуть рассказа на целую книгу. Но я постараюсь сделать это по возможности коротко ... если сумею
Не об одном из блюзменов, со времён Роберта Джонсона, не ходило столько легенд и загадочных слухов, как о ДжК. И ничья извилистая и драматичная судьба, полная пророческих совпадений и таинственных знаков, не была так похожа на судьбу самого Роберта Джонсона: после ДжК также осталось чуть больше двух десятков песен, ощущение недосказанности, и имя, почитаемое и почти канонизированное в блюзовой среде, но ничего не говорящее большинству "непосвящённых" (именно это и называется - "культовое").
Джон Кэмпбелл родился 20.01.52 в маленьком городке Шривпорт (штат Луизиана), родном городе легендарного Лидбелли (Leadbelly).
Впервые Джон прикоснулся к струнам и научился играть какие-то примитивные детские мелодии в возрасте 3х (!) лет. Его бабка была профессиональной исполнительницей на гавайской гитаре (знаете, та Hawaiian-style lap steel guitar, которую кладут на колени, тот, кто видел замечательный советский фильм "До свидания, мальчики" сразу должен вспомнить этот инструмент и его удивительный звук).
Бабка и дала ему первые уроки музыки. С тех пор гитара всегда была где - то рядом с ДжК.
В возрасте 13-и лет он впервые вышел на местную сцену. В Шривпорте была популярная студия звукозаписи (Jewell Records, там записывались John Lee Hooker, Lightnin Hopkins, Lowell Fulson) и в клубах, тех самых, где выступал ещё каторжник Лидбелли, постоянно проходили концерты известных блюзменов, а маленький Джонни часто открывал эти концерты. Он выступал на одной сцене с такими легендами, как Clarence "Gatemouth" Brown, Son Seals, Albert Collins. Там же он познакомился и с Parker Bloodsaw - своим первым учителем блюза.
От старика Паркера Джон и услышал впервые мифологию блюза: рассказы о странствующих блюзменах прошлого, о Чарли Паттоне и Сан Хаузе, о великих блюзовых слепцах - Вилли Джонсоне, Лимоне Джефферсоне, Тексе Алекзэндере, от него услышал впервые и легенду о перекрёстке Роберта Джонсона. Тот же Паркер Бладсоу научил Джона первым приёмам игры слайдом:
"Если ты играешь блюз и пользуешься слайдом, помни - это музыка для танцев и в ней должен быть "beat" - этот урок ДжК запомнил на всю жизнь. Но всерьёз ДжК занялся гитарой при весьма трагических обстоятельствах... В возрасте 15 лет Джон, всю жизнь обожавший скорость, разбился на машине, спасаясь от полицейской погони. Он тогда чудом остался жив, потеряв при этом правый глаз, сломав несколько рёбер и изуродовав себе лицо, на которое, в процессе нескольких пластических операций (лицо буквально лепили заново), было наложено около 5000 швов.
Таким образом Джон Кэмпбелл приобрёл внешность, которую невозможно было забыть или с кем-то перепутать. Как только его не называли потом идиоты - критики, ради красного словца: пират, серийный убийца, Франкенштейн и т.п.
Представьте, каково было подростку с изуродованным лицом лежать почти год в больнице.
Отчаяние. Страх перед дальнейшей жизнью. Джонни был уверен, что все отвернутся от него, что он не сможет уже нормально общаться со сверстниками, станет вечным изгоем.
И тогда он стал снова учиться играть на гитаре, теперь уже всерьёз и по-настоящему. Сам, без учителей и подсказчиков. Слушая записи Мадди Вотерса, Хаулина Вулфа, Лайтнин' Хопкинса, Джона Ли Хукера и Роберта Джонсона, он пришёл к настоящему блюзу.
Гитара стала его верным и единственным другом, в данном случае это не просто красивая фигура речи.
Гитара стала его психотерапией, средством самопознания и самоутверждения. Блюз стал его религией и это тоже не просто слова. Он проникся идеологией блюза, его духом, стал последователем культа hoodooo. Все эти талисманы и зелья - mojo, gris - gris, hot footpowder и т.д., которые для других были лишь эффектными словечками в тексте очередной песни, для ДжК стали атрибутами его повседневной жизни, он всегда носил их с собой, прибегал к их помощи, совершал положенные ритуалы и не расстался с ними даже после смерти (но об этом ещё рано). Парень неистово копировал своих заочных учителей в течении долгих дней и вечеров пока длился курс лечения и восстановления. В полном одиночестве.
Он нашёл себя и уже знал, кем он будет. Ужас перед жизнью за больничным окном исчез. Джон выжил. Мистические blues power и blues spirit вошли в его душу, заполнили её до краёв.
Возможно там, в казённой палате провинциального госпиталя, и был его главный перекрёсток. Джон Кэмпбелл часто вспоминал, что первой песней, которую он 13-летним мальчишкой исполнил профессионально (со сцены и за деньги) был "Hobo Blues" Джона Ли Хукера и это тоже звучит, как пророчество. Следующие 25 лет Джон был самым настоящим хобо.
Выйдя из больницы, 16-летний Кэмпбелл бросает школу и покидает родной дом. Джон путешествует с гитарой по всему югу: Луизиана, Техас, Миссиссиппи - места, где родился блюз, где жили его герои. Эти края мало изменились со времён Блайнд Лемона Джефферсона, Сан Хауза, Роберта Джонсона, Лидбелли и Чарли Паттона - всё тоже мрачное малярийное захолустье, хлопковые поля и Табачная Дорога, нищета и... аутентичный Дельта Блюз.
Он жил в заброшенных домах, спал на автобусных остановках и крышах автомобилей. Однажды он вынужден был сдать свою кровь, чтобы купить новые струны...
Такой школы не прошёл никто из его поколения блюзменов. Джон играл везде, где ему разрешали это делать и где он мог найти слушателей. Играл на перекрёстках улиц, на бензозаправках, в кабаках, в богатых домах, собирая деньги в открытый гитарный кофр. Играл в таких местах, про которые сам потом с жутковатой усмешкой ("серийного убийцы") рассказывал:
"... в тех местах, если у вас не было ствола, то лучше было его приобрести, чтобы не выглядеть мишенью"...
В этих скитаниях, естественным образом, сложился его внешний имидж (сценический ни чем не отличался от обыденного), который остался с ним до конца жизни - крупный широкоплечий блондин, с жутковато-притягательным, покрытым шрамами лицом, одетый в простые джинсы и рубаху на кнопках, неизменные ковбойские сапоги.
Тогда же он приобрёл и привычку к картёжной игре, которая, наряду с блюзом, выпивкой и скоростной ездой на мотоцикле (или автомобиле - лишь бы БЫСТРО), стала его главной страстью на всю жизнь.
"Если на столе ещё не появились карты, значит просто никто не поставил на кон ничего стоящего"
- это была его любимая поговорка.
Такая вот "школа жизни", позднее нашедшая свое отражение в песнях Джона.
Иногда ему удавалось выступить в каком-нибудь "блюзовом клубе", больше похожем на бордель и общественный туалет, одновременно, куда словно чьё-то извращённое чувство юмора поместило сцену и убогую аппаратуру.
Там он встречал своих старых знакомых (ещё по Шривпорту) блюзменов и знакомился с новыми.
ДжК навсегда запомнил совет легендарного Gatemouth Brown, данный ему после одного из таких выступлений:
"Парень, ты играешь хорошо... действительно хорошо. Но ты делаешь это шумно и чем дальше, тем больше орёшь... Если не научишься делать это шёпотом, то никто не обратит на тебя внимания. Останешься просто горлопаном. Кому интересен ещё один горлопан?"
Могучие старики учили его своим приёмам и с удивлением замечали, что у "белого парня" выработалась своя, ни на кого не похожая, техника и неподражаемый саунд. Это была смесь из техасского arpeggio - banjo style (как он сам его называл), испанского влияния, миссиссиппского bottleneck, подражания на гитаре "кабацкой" нью-орлеанской фортепианной технике barrel house и трелям finger picking.
Кроме того, ДжК, с большим уважением и интересом относился к героям британского блюз-рока. Как электрический гитарист, он многое подчерпнул и оттуда.
"Клаптон и Бек очень многое сделали для нас, они своими записями и высказываниями дали возможность всему миру познакомиться с корневым блюзом, открыли миру Би Би Кинга, Бадди Гая, Джона Ли Хукера и через это научили Америку слушать свою же музыку, дав толчок к началу блюзового ренессанса в США"
- говорил в последствии Джон...
В те времена, по воспоминаниям блюзменов, игравших с ним, любимой моделью гитары у ДжК была Gibson Les Paul.
После 17 лет скитаний по Южным Штатам Джон Кэмпбелл перебирается в Нью-Йорк. Там он снова играет на улице (опять перекрёстки, только теперь - больших авеню) и в сабвее, зарабатывая себе на жизнь гитарой, пока не находит постоянную работу в клубе называвшемся, как бы вы думали? Правильно - "ПЕРЕКРЁСТОК".
Дж.К. опять играет на сцене со множеством великих блюзменов, в качестве "разогревающего артиста".
Именно во время одного из таких выступлений (на разогреве перед Johnny Littlejohn) на него обращает внимание Ронни Эрл (Ronnie Earl), уже тогда - авторитетнейший музыкант, гитарист популярной группы Roomful of Blues.
Они подружились сразу и дружба продолжалась до самой смерти Джона. Ронни, очарованный потрясающим growling вокалом и виртуозной игрой на гитаре Джона Кэмпбелла, предложил ему записать альбом и сам взялся его профинансировать и спродюсировать.
У Дж.К. тогда даже не было никаких демонстрационных записей.
"... в тех краях, откуда я родом, это непринято, зачем это нужно бродячему гитаристу?"
- объяснял "Пират".
Всё надо было начинать с нуля. У Эрла были большие связи в звукозаписи, но менеджменту лейблов нечего было даже предъявить в качестве демо.
В итоге, первый альбом Джона Кэмпбелла ("A Man And His Blues" 1989) был записан в Германии, где удалось договориться с лейблом CrossCut Records (почти Crossroad!).
"Всё было записано за пару трёх-часовых сессий. Практически всё, что было на студийной плёнке, осталось в альбоме" - так описал эту работу Дж.К...
Альбом получился хорошим, хотя и далёким от совершенства - слишком эклектичным. На нем Кэмпбелл торопился показать все свои наработки, в самых разных стилях, которые он изучил за время своих скитаний по Америке. Но уже на этом альбоме видно, какой яркий и своеобразный, абсолютно ни на кого не похожий, артист появился на блюзовой сцене. Его фирменным знаком стала игра на акустической гитаре со звукоснимателем, при этом гитара выводилась на максимальный уровень громкости. Резкие, "режущие" аккорды, яростная атака, завораживающие стоп-таймы, саунд построен на резонансном эффекте (razor sharp guitar playing - назовут его игру критики), всё это сочетается с убедительным мастерством слайд-гитариста.
"1934 National Steel" - модель гитары, которая навсегда теперь связана с именем Джона Кэмпбелла. Джон рассказывал, как однажды гадалка предсказала ему: "быть тебе обладателем очень важного наследства". Совершенно случайно попав в 1982г на аукцион в Хьюстоне, ДжК приобрёл там на последние деньги гитару самого Лайтнина Хопкинса (Lightnin' Hopkins), с которой потом не расставался никогда.
"Я ничего не знал об этой гитаре, но меня вела к ней судьба" - скажет он после.
Ещё один фирменный знак Кэмпбелла - суровый, даже грубый вокал, мужественный (низкий и хриплый) тембр. Один раз услышав этот голос, попадаешь в его плен навсегда. Такого голоса блюз не знал со времён Хаулина Вулфа и Джона Ли Хукера. Как вспоминал потом Тим Дилейни (басист его группы во времена скитаний по Югу):
"Этот голос притягивал к нему людей, как магнитом"...
В Америке первый альбом остался незамеченным "глянцевой" критикой и широкой публикой, но привлёк к себе внимание подлинных знатоков - его номинировали на премию W.C. Handy Award.
Незадолго до выхода альбома Джон получил приглашение участвовать в Benson & Hedges Blues Festivals, которое положило начало ещё одной крепкой дружбе. Основатель этого фестиваля, его "душа" - Квинт Дэвис (Quint Davis) стал верным другом и преданным поклонником ДжК. до конца его дней.
"Квинт познакомил меня со многими людьми и дал мне возможность показать, кто такой Джон Кэмпбелл на большой сцене... И знаете что - бывали дни, когда единственным местом, где я имел возможность выспаться была комната отеля, оплаченная Квинтом"
- вспоминал Джон.
Тогда же ещё один человек увлёкся талантом Кэмпбелла и сыграл важную роль в его жизни - Барбара Беккер (Би Би, как её называют).
Би Би была менеджером знаменитого блюзового пианиста Доктора Джона (Dr. John). Энергичная и умелая в своём менеджерском деле, Би Би взялась вести дела ДжК. Она устраивала ему концерты в клубах Нью-Йорка и, с альбомом "A Man And His Blues" подмышкой, пробивала стену в редакторском отделе студии Electra, уговаривая подписать контракт с "восходящей звездой" ("восходящей звезде" было уже почти 40 лет).
И она ведь добилась своего! У Кэмпбелла появился ещё один преданный друг и поклонник, один из руководителей Электры - Peter Lubin. Би Би затащила Питера на концерт Кэмпбелла в Нью-Йоркском Lone Star Cafe (ДжК работал там уже почти год, играя на одной сцене с Джимми Роджерсом, Пайнтопом Перкинсом, Хюбертом Самлином и др.).
В тот день Кэмпбелл разогревал публику перед Албертом Кингом (Albert King).
Питер Любин увидел, услышал и ... Любин влюбился (извините за невольный каламбур) сразу и навсегда. Он предложил контракт на запись "великого блюзового альбома" (на меньшее Любин уже не был согласен) и сам вызвался помогать в продюсировании.
Примерно тогда же началась ещё одна очень важная, в жизни Дж.К., дружба - партнёрство с Деннисом Уокером (Dennis Walker).
Деннис был когда-то бас-гитаристом в группе Ловелла Фулсона (Lowell Fulson), затем играл в Canned Heat, а позже стал отличным саунд-продюсером и "творцом успеха" Роберта Крея (Robert Cray).
Уокер сыграл ключевую роль в работе над новым альбомом: Деннис был не только блестящим мастером студийной работы, но стал и соавтором текстов альбома, который в Америке считается дебютом Джона Кэмпбелла. На дворе стоял 1991г. Всего годом раньше трагически погиб Стиви Рэй Вон (Stevie Ray Vaughan) - главный двигатель "блюзового ренессанса", его знамя и рупор. Трон "короля белого блюза" был вакантен и не было более подходящего претендента на это место, чем Джон Кэмпбелл.
Во всяком случае, в этом были убеждены те, кто взялся ему помогать в записи "дебютного" альбома. Я думаю, что мой рассказ о предшествовавшей этому жизни ДжК даёт понять, что все основания для подобных авансов у них были. Продюсировать альбом взялись Питер Любин и Деннис Уокер (соавтор всех оригинальных песен альбома). Для работы в студии были привлечены высококлассные музыканты: бас-гитарист Ричард Казинс (Richard Cousins) и клавишник Джимми Пью (Jimmy Pugh) - оба из группы Роберта Крея, также продюсируемого Деннисом Уокером. Трудно себе представить более разную музыку и более несхожих людей, чем академично-приглаженный Роберт Крэй, и неистовый ДжК. Была также привлечена к работе и ритм -секция - Дэвис Макларти (Davis McLarty) и Джимми Петтит (Jimmy Pettit) из группы отличного блюзмена Джо Элая (Joe Ely),они уже имели немалый опыт живых выступлений с Кэмпбеллом. В записи поучаствовала и медная группа Texacali Horns, и барабанщик Ли Спат (Lee Spath). Ещё один очень важный персонаж, участвовавший в записи альбома, его сам Кэмпбелл привёл в студию - второй гитарист, который играл с ним уже несколько лет - Зандер (Александер) Кеннеди (Zonder Kennedy).
Кеннеди стал соавтором нескольких треков и сыграл на альбоме все электрические гитарные партии (ДжК играл теперь только на акустической гитаре и слайд).
"Вся жизнь прошла у меня перед глазами в процессе создания альбома. Это - банальная фраза, но было именно так"
- вспоминал ДжК.
"Я не думаю, что нужно в 557-й раз перепевать Sweet Home Chicago. Это великая песня, но я хочу создать что-то своё в музыке"
- так он объяснил концепцию альбома, составленного (кроме одного кавера) из авторского материала.
Итогом работы стал альбом ONE BELIEVER. 10 песен наполненных болью и страстью, кошмарами и предчувствиями.
ДжК, словно блюзовый Вергилий, сопровождает нас в опасном путешествии по мрачным закоулкам своего подсознания, совершая обряд экзорцизма.
"Если вы собрались слушать этот альбом, то убедитесь для начала, что двери вашего дома надёжно закрыты, а в чулане никто не прячется"
- фраза взятая из одного печатного отзыва на "Верующего". Вроде бы - шутка, но доля правды в ней есть. Если вы склонны к депрессии, то дважды подумайте прежде, чем нажимать на кнопку play, особенно, если воспринимаете тексты на слух, без особых проблем с переводом...
Ну, а у кого психика устойчивая, а любовь к музыке и любопытство - сильнее страхов:
Welcome to the world according John Campbell!
1. DEVIL IN MY CLOSET Campbell / Walker
Мрачные гитарные аккорды вступления звучат, как элемент ритуала hoodoo.
Джон Кэмпбелл начинает своё шаманство и первой же строчкой этого альбома погружает нас в атмосферу опасности и колдовства. Там, в полумраке прячется дьявол и завывает волк:
"У МЕНЯ В ЧУЛАНЕ ДЬЯВОЛ И ЗА ДВЕРЬЮ МОЕЙ - ВОЛК" (I got the Devil in my closet, / And the wolf is at my door)...
Когда друг Дж.К. - Квинт Дэвис слушал эту песню, он восторженно шептал:
"Вот это голос!.. Невозможно определить - чёрный он или белый, молодой или старый, и вообще - с этой ли он планеты?... Откуда, чёрт побери, пришёл этот ГОЛОС?"
Ритм-секция (Роберт Казинс и Ли "Рептилия" Спат) чеканит неумолимый ритм, а гитара Кэмпбелла то обволакивает зловещую органную линию, как змея, то солирует поверх клавишного риффа.
Песня-то, собственно, о женской измене и мучительных размышлениях героя, которой выбирает: собрать шмотки и гордо отвалить или же есть ещё надежда на то, что он ошибся.
Ах, "я сам обманываться рад!" - читал ли он нашего классика? Вряд ли. Однако, какие уж тут "намёки и подозрения", когда:
"... я дотронулся до неё спящей вчера ночью,
обнял и поцеловал в щёку,
а она прижимаясь к моей груди прошептала ЕГО имя" ...
Банальная история. Вот только сомнения, тревожащие героя, скорее не из разряда: изменила - не изменила. Сомнение тут похлеще и совсем другого свойства: "а не сам ли это чёрт явился мне в обольстительном виде?"
Дьявол прячется не только в тексте, но и в музыкальной ткани песни...
Нечистый скрывается под самыми разными личинами в этом альбоме и маска "неверной возлюбленной" - лишь одна из них. Однако, этот облик "неверной женщины" дьявол, искушающий Джона Кэмпбелла, юзает наиболее активно и изощренно, на протяжении всего альбома.
Если "дьявол" в лирике песни заставляет вспомнить Роберта Джонсона, которому с юных лет во-многом следовал ДжК, то "волк у дверей" - дань уважения Хаулину Вулфу, с которым чаще всего сравнивали Кэмпбелла - вокалиста. Уж очень характерно Джон подвывает в этом слове "ву -у - у - улф!".
"Дьявол в моём чулане" сразу и безжалостно сжигает мосты за слушателем и "развлечься прослушиванием новой блюзовой звезды" уже не получится. Здесь, господа, не развлекают. Здесь играет в карты с чёртом отчаянный аутло, здесь hoodoo - гитара наводит и снимает порчу, здесь вызывают блюзовых духов и устраивают гонки со смертью.
Welcome to the world according John Campbell!
2. ANGEL OF SORROW Campbell / Kennedy / Walker
Выразительная гитарная фраза обрывается, уступая место мягкому органному сопровождению и голос ДжК оформляет очередной пропуск для ваших ушей в уникальный мир блюза Джона Кэмпбелла.
Только это уже не даже не блюз. "Ангел Печали" - это предсмертная молитва.
Аккомпанемент строг и функционален, всё сфокусировано на голосе. Лишь изредка подчёркивает ударные слова орган или гитара (чуть-чуть фирменного слайда, а ближе к концу - электрическое соло Зандера Кеннеди), усиливая эмоциональное восприятие потрясающего текста.
Текст я решил перевести полностью. Он того стоит, по- моему:
"АНГЕЛ ПЕЧАЛИ"
Когда Ангел Печали встанет у моей постели
И медленно завяжет мне глаза тёмной лентой
Позволь мне один последний вздох,
чтобы сказать моей милой: прощай.
Когда ослабнут раскаты грома
И бесшумно явятся те шесть коней среди ночи
Позволь мне один последний вздох,
чтобы сказать моей милой: прощай
Всеблагой Господь на небесах,
Знаю, ты меня слышишь,
Знаю, умолять уже поздно,
но впервые прошу
Я не прошу пощадить мою измученную душу
Рай или Ад, Господи, я готов идти...
только позволь мне один последний вздох,
чтобы сказать моей милой прощай
Я преклоняю колени,
Но не склоняю голову в раскаянии.
Добро и зло, сотворённые мной,
всё записано в книге Св.Петра на мой счёт
и этот счёт примерно равный
Я не стану просить о снисхождении
Что сделано, то сделано.
И когда придёт Судный День
я приму его смиренно... вот только
Позволь мне один последний вздох,
чтобы сказать моей милой: прощай
Когда доберусь я до тёмной реки
и стану по ту сторону времени
Одной ногой уже шагну на борт
и старик - перевозчик оттолкнётся веслом
ОДИН ПОСЛЕДНИЙ ВЗДОХ,
СКАЗАТЬ МОЕЙ МИЛОЙ:
ПРОЩАЙ!
(перевод текстов и интервью - Driver Pete)
Каждый куплет и вся песня закольцованы гитарной фразой, с которой песня и началась, подчёркивая этим фатализм лирики.
Кэмпбелл скорее проговаривает, чем поёт текст, но замечаешь это далеко не сразу (как и во многих других песнях альбома) - настолько выразителен и музыкален тембр его голоса.
Песня - пророчество. Джон Кэмпбелл провёл последние годы жизни в постоянной бессоннице. Он боялся спать. Боялся однажды заснуть и не проснуться ...
Этот страх он и сублимировал в одну из главных своих песен.
3. WILD STREAK Campbell / Walker
Гипнотический даунбит-бас уводит в городскую ночь. Туда, где гоняет на байке по улицам лихая адреналинщица... и опять мерещатся изящные копытца, вот только удобно ли ими жать на педаль газа?
Как же трудно адекватно перевести это понятие "wild streak"! Пользуясь нынешним слэнгом - "прикол", наверное, вот только слово я это терпеть не могу.
Я оставил почти буквальный перевод названия:
"БЕЗУМНАЯ ЧЕРТА"
У моей бэби есть безумная черта -
Она обожает полуночные гонки,
Ей нравится кружить по городу,
По злачным улицам и опасным окраинам
Луна подглядывает с восточной стороны,
Как бэби одевает своё платье.
Оно короткое сверху и короткое снизу,
Когда она нагибается
это сводит с ума.
Она ничего не боится,
Она такая крутая,
какой может быть страх?
Уличные огни отражаются в её серьгах,
В волосах она прячет бритву.
Я припаркую Харлей в переулке,
Подожду её в темноте.
Она появится из-за угла с гордым видом
И бродячие псы поприветствуют её восторженным лаем.
Джон Кэмпбеллом поет это так, что угроза катастрофы, тревога за отчаянную девку, нагнетаемая гитарой, висит в воздухе до самого финала и держит в напряженном ожидании беды (первый куплет повторяется для этого несколько раз).
Эта эффектная песня, с отличной, кстати, перкуссией, была выпущена на пилотном сингле альбома.
4. COULDN'T DO NOTHIN' Campbell / Walker
Самая раскрученная вещь во всём наследии ДжК. Часто включается в разного рода блюзовые компиляции.
Благодаря её стилистической близости к техасскому boogie на ум приходят ассоциации с Z.Z.Top и S.R.V., а рок-н-рольный драйв заставляет вспомнить Чака Берри и Карла Перкинса.
Не так часто ДжК отрывался в гитарных запилах, как в C'tDN'. На этом треке он, видимо, решил показать, что и на "техасском" поле, считавшемся вотчиной SRV, кое-что может. Впечатляющее "показательное выступление" получилось.
Удалая ритм-секция (Макларти - Петтит) выдаёт танцевальный бит, благодаря которому, C'tDN' своей мажорностью выделяется на альбоме и стоит особняком среди всех остальных песен Кэмпбелла.
Но это веселье обманчиво, ведь текст отнюдь не радостный. Это - грустная история (и опять о коварной женской измене). Однако, если поковыряться в сленге, то выходит так: несчастный паренёк проиграл свою бэби в кости заезжему шулеру-сутенёру и расстроен он не самой потерей, а той обидной лёгкостью, с которой ветреная бэби (с копытами и хвостом?) помахала ему ручкой, уходя с победившим соперником.
5. TINY COFFIN Campbell / Walker
Страшная и яростная песня "Маленький гробик" написана, как отклик на реальный сюжет из сводки новостей - смерть 6-летнего мальчика, ставшего жертвой уличных разборок между драгдилерами.
Пуля, выпущенная из окна автомобиля, стала роковой для ни в чём не повинного ребёнка.
Кэмпбелл рассказывал, что когда Деннис Уокер пришёл к нему с идеей этой песни и показал текст - "это было самое жуткое из всего, что я когда либо читал":
"МАЛЮСЕНЬКИЙ ГРОБИК"
Какой малюсенький гроб нужен шестилетнему ребёнку
Какая маленькая яма в земле
Вы можете наполнить её до краёв моими слезами и гневом
Пока Билли туда опускают.
Винтовочный выстрел из машины на ходу
Они даже не задумывались
Они сказали, что целились в другого,
А в итоге оставили Билли в прошедшем времени навсегда.
На коленях перед плачущей матерью
Я вопрошаю: что я могу сделать?
"Молись за меня и за всю округу,
Молись, чтобы ты не стал следующим"
- ответила мать
Пятеро злобных юнцов набились битком в шевроле,
Они знают только закон джунглей, в которых живут,
Они знают, где искать стрелка
И они отомстят за Билли.
Аккомпанемент вокалу ограничен монотонным гитарным ритмом, при минимальной поддержке остальных инструментов. Никаких соло, никаких мелодических украшений - только гневный рёв могучего голоса.
В конце песни ДжК целую минуту повторяет с нарастающим и переходящим в хрип ужасом только два слова: "tiny coffin... tiny coffin... tiny coffin"...
Некоторые горе - критики и здесь нашли повод для упрёка. Музыка песни им показалось "скучной" (хотя текст их, типа - "впечатляет").
Веселья им всё не хватало.
6. WORLD OF TROUBLE Campbell / Walker
Грустная медленная песня, и снова без особых аранжировочных украшений - орган, гитара и приглушённый голос трубы.
Урбанистический блюз, описывающий страхи городского бомжа и опасности, поджидающие его по ночам, на окраине мегаполиса, за темным каждым углом.
Таково содержание текста, полного сочувствия к жизни бездомных бродяг. Эту сторону жизни Дж.К. знал изнутри.
WOT была написана под впечатлением от благотворительного концерта, который ДжК дал для бездомных на кухне Церкви Св.Луки в Атланте.
"... я пришёл туда, начал играть на гитаре, пока людям разливали бесплатный суп. Я играл, а они ели. Я смотрел на людей и понимал, что они не знают: где и когда им удастся в следующий раз поесть, где они найдут ночлег. Вернувшись домой я написал песню..."
7. VOODOO EDGE Campbell / Kennedy / Walker
Нью - Орлеанский бит, перебиваемый блюзовыми стоп-таймами. В тексте зашифрован ритуал вуду, который совершает таинственная креолка при помощи магии mojo.
Впечатляет музыкальное воплощение колдовского процесса - финальная перекличка гитаристов (ДжК - акустика и слайд, Зандер Кеннеди - электрические пассажи) и органиста Джимми Пью.
Канонический hoodoo blues.
8. PERSON TO PERSON James / Sehorn
- Единственный кавер на этом альбоме. Песня из репертуара Элмора Джеймса (Elmore James), считающегося одним из эталонных исполнителей на слайд - гитаре. PTP - трибют мэтру и, одновременно, отличная возможность для ДжК блеснуть собственным мастерством слайда. Кэмпбелл выдал феерическое соло с блеском доказав, что "дело Элмора живёт и побеждает".
Единственная песня с легкомысленным текстом на этом альбоме, что и неудивительно: текст-то был написан Маршаллом Сихорном для Элмора Джеймса, который не увлекался этюдами из области психоанализа.
Сюжет PTP незамысловат: телефонный разговор-просьба (требование) немедленно приехать.
Каждый из нас знает, как это бывает иногда по вечерам ...
Может из-за легкомысленного текста, но вокал ДжК сильно уступает здесь его же гитарному мастерству (на мой взгляд, разумеется).
Свои песни он спел на альбоме куда более убедительно. Всё-таки, Кэмпбелл - трагик, а не лирик...
Непременно должен отметить мощную работу блюзового локомотива (ритм-секция: Макларти / Петтит).
9. TAKE ME DOWN Campbell / Kennedy / Walker
- Тягучий слайд ползёт, как зыбкая дымка (heatwave) над раскалённой почвой, напоминая саундтреки Рая Кудера (Ry Cooder) к фильмам об американском юге (см. "Париж, Техас").
Под этот аккомпанемент расслабленный голос ДжК начинает параноидальный монолог мотоциклиста, который предчувствует появление бесшумного поезда-миража, смертельное столкновение с которым фатально-неизбежно.
Поезд "медленно катит без единого звука, едет, чтобы убить меня".
Поезд - палач, призванный наказать ночного мотоциклиста за грехи.
Грехи у спятившего от жары байкера, опять же, шулерские: "меня погубила ненасытная жадность и я расплатился фальшивыми купюрами со скрипачом" (на картёжном сленге fiddler - нечистый на руку игрок).
"Скрипач" , похоже, опять с рогами, копытами и пахнет серой. Кто же ещё смог бы так изощрённо отомстить алчному мотоциклисту, как не сам Сатана?
Музыкально песня разбита на две части. В первой части медленно плавится на жаре слайд-гитара. Вторая часть - виртуозный темповой номер, 3-х минутный джем гитаристов (ДжК и З.Кеннеди), где просто потрясающе звучит гитарный ритм (не умоляя заслуг соло и блистательной ритм-секции).
Этот безумный ритм создаёт ощущение неумолимо нарастающей скорости бешено-вращающихся колёс, приводящей к потере управления ... мотоцикл, уже неподвластный человеческой воле, а повинующийся только влекущей дьявольской силе, несёт приговорённую жертву на место казни, к железнодорожному переезду (ещё один "перекрёсток"), навстречу гибельному бесшумному поезду:
Расплющенные насекомые липнут к ветровому стеклу,
покрывая его красным цветом
Я уже не вижу дороги
Но неважно в каком месте я пересеку рельсовое полотно
Поезд "скрипача" всё равно прибудет туда вовремя
Он едет, чтобы убить меня!
Убить меня -а-а-а!
Снова аналогии в тексте с Робертом Джонсоном (crossroad bound) и Хаулином Вулфом (smokestack lightnin’) и строчка "the hounds are howling", где эти две, легендарные для блюза, фигуры соединяются в один поэтический образ ...
Карты и скорость, чертовщина и паранойя. Все внутренние демоны Джона Кэмпбелла, сжигавшие его страхи и страсти вырвались наружу в этой песне, они танцуют в безумном вихре его гитарного экзорцизма.
Если выбирать лучший guitar playing этого альбома, я выбираю этот - TAKE ME DOWN.
10. ONE BELIEVER Campbell / Walker
Очень красивая медленная мелодия. Вполне подошла бы какому-нибудь эстрадному классику уровня Синатры или Бобби Дарина, а если взглянуть на неё под иным углом - Ник Кейв мог бы исполнить подобную балладу с блеском.
Такое с песнями Дж.К. бывает крайне редко, чаще всего - невозможно представить иное исполнение, кроме авторского.
Впрочем, это всё - фантазии, Кэмпбелл и сам её прекрасно спел.
Сюрреализм песни (и экзистенциализм одновременно... сорри за многомудрые термины) в том, что ДжК рассказывает про человека, который в полном одиночестве прогуливается по парку среди обнажённых зимних деревьев. Он кормит с руки голубей, ступает на лёд озера, а мысли его заполняют странные видения: он прокручивает их, как киноплёнку в своём воображении, и в конце "фильма" видит титры... в титрах он видит имя.
"И будь я проклят, если это имя не моё!"
Кэмпбелл узнаёт самого себя в незнакомце и песня становится уже автобиографическим рассказом, приглашающим в "мастерскую художника", если воспользоваться расхожим клише.
Об "одном-единственном верующем" мечтает Джон Кэмпбелл. Об одном-единственном, который поверит в его музыку:
Он возвращается в свою комнату,
что-то записывает.
Он, как обычно, уверен: это будет хит
Он выключает свет,
чтобы не было так заметно его одиночество
И мысленно просит.
Мне знакома эта молитва:
Один верующий
Это всё, о чём он просит
Один верующий.
Открыть хотя бы одну дверь."
Пронзительно-красивое финальное соло, на фоне нарастающей торжественности медного риффа.
Самая красивая песня Джона Кэмпбелла. Дарящий надежду светлый финал мрачного альбома.
"ОДИН ВЕРУЮЩИЙ" получил хорошую прессу (Том Даффи из Billboard назвал One Believer "первым великим блюзовым альбомом 90-х"), но опять был замечен лишь блюзовыми гурманами. Тот же Том Даффи написал, что альбом:
"сочетает в себе свежесть дебютной пластинки с эмоциональной убедительностью выжившего хранителя блюзовой традиции ... глубокий вокал и оригинальная жёсткая гитарная манера не оставляют сомнений в том, что это - новая яркая индивидуальность в блюзе".
Кто-то написал, что альбом можно было бы назвать: "Тёмная сторона блюза", на мой взгляд - довольно интересное определение, есть в альбоме своеобразная концептуальность и мрачная атмосфера, позволяющие вспомнить о Пинк Флойд.
Некоторые критики упрекали за "излишнюю театральность вокала", "неумеренную претенциозность", "отсутствие чувства юмора"(это было уж совсем несправедливо, с юмором у ДжК всё нормально, даже на этом мрачном альбоме).
Наверное, большинство критиков были ещё не готовы сходу оценить столь необычную и серьёзную работу по достоинству. Многие поспешили приписать весь успех блестящему продюсированию Денниса Уокера, не поверив в самостоятельную ценность "дебютанта".
Но даже скептики понимали:
"... и всё же это больше, чем музыкальная тема для Хэллоуина".
(отзыв Донна Эзмонда из "Баффало Ньюз")
Споров не вызывало только одно: Джон Кэмпбелл - уникальный гитарист и он:
"Играет на гитаре, как сущий демон"
(музыкальный обозреватель Walter Tunis).
Для меня лично, ценность Кэмпбелла - гитариста тоже неоспорима. ДжК - один из самых универсальных гитаристов в блюзе, его исполнительский арсенал богат приёмами из самых разных стилей. Он играет цепляющие риффы и виртуозные соло, очень силён в качестве ритм-гитариста, а как слайд-гитаристу ему вообще трудно найти равных.
Он аккомпанирует своему вокалу и солирующим инструментам, выполняет любую "черновую" гитарную работу умело и с неизменным блеском, чем явно выделяется на фоне ново-модных гитарных слингеров, которые часто выдают на гора сотни бессмысленных нот в бесконечных соло, утомляющих наивным нарциссизмом.
Кэмпбелл создал свой неповторимый авторский стиль в блюзе. Единственный, возможно, из блюзменов "третьего поколения", кому это удалось. Его сравнивают с Хаулином Вулфом, Лайтнином Хопкинсом и даже Томом Вэйтсом, но все эти сравнения хоть и имеют под собой почву, но никак не охватывают его стиль целиком. Джон Кэмпбелл сам по себе - стиль.
Возможно даже, что ДжК стоял на пороге открытия нового жанра, во всяком случае, по масштабу своего дарования - и как исполнитель, и как сочинитель - он мог бы на это замахнуться, но ...
... Две тени шли за ним от самого перекрёстка ...
В том же, 1991 году Дж.К женился второй раз. Успех альбома дал ему возможность гастролировать и карт-бланш на запись нового диска. У него появилась устойчивая группа поклонников ("верующих"), среди них были и байкеры из Hell's Angels, они приняли в свою организацию ДжК почётным членом.
Казалось, что всё только начинается, ему предстоит сделать ещё так много, но...
"У меня со смертью перемирие, я был к ней очень близок, но сейчас между нами мир"
(из интервью ДжК)
Всякому перемирию приходит конец. Как многие художники, Джон предсказал свою смерть. Самый навязчивый его кошмар воплотился в реальность - "Ангел Печали" пришёл за ним ночью и увёл за собой на берег "тёмной реки" к "старику перевозчику". Джон Кэмпбелл умер 13-го июня 1993г. Умер во сне. Сердечная недостаточность. Заснул и не проснулся... оставив вдову Долли и пятимесячную дочурку Пэрис. Умер сразу после изматывающего европейского турне (совместного с Бадди Гаем), где, как всегда, выкладывался целиком на каждом концерте.
"Когда я выхожу на сцену и начинаю играть блюз - я словно стою на краю смерти. Буквально. Для меня это очень тяжело физически. И есть цена, которую я плачу за это. Реальная, физическая. Я ищу нужную ноту, пытаюсь играть музыку, живу этим... и плачу за это болью, физической болью. Но я должен через это пройти, дойти до места, где случится очная ставка. Понимаете, это уже на уровне инстинкта... Всегда играю, как в последний раз. Ведь никто не знает - может этот раз и есть - последний..."
так он пытался описать то, что чувствовал во время своих выступлений (моя компиляция из нескольких интервью ДжК).
Сердце его работало на износ. Сказались и роковая авария, последствия которой мучили его всю жизнь частыми головными болями, и долгие годы злоупотребления наркотиками, которые давали ему возможность снять эту боль, но привязывали к себе, разрушая психику и изматывая организм, сказалась и давняя любовь к спиртному, и годы постоянного недосыпа и, конечно, же его вымотал гастрольный график "восходящей блюзовой звезды" - наследника SRV ...
Сердце Джона Кэмпбелла устало. Он умер, когда уже начались репетиции материала для нового альбома, совместного с Томми Шанноном (Tommy Shannon) - басистом из Double Trouble, группы Стиви Рея Вона. Тело Джона Кэмпбелла было кремировано вместе с его личными талисманами и амулетами. Похоронная церемония была совершена 17 июня 1993г., траурное слово произнёс Доктор Джон (Dr. John), принимавший его когда-то в организацию Hell's Angels.
После кремации урна с прахом ДжК была доставлена домой на мотоцикле, в сопровождении байкерского эскорта. Всё сделали так, как того хотел Дж.К., со слов его вдовы.
Тень Мировой Славы и Тень Смерти шли за ним по следу. Смерть опять оказалась проворней. Истекла отсрочка, данная окровавленному 15-летнему мальчишке у телеграфного столба, покорёженного угнанной машиной. Перемирие закончилось...
А Мировая Слава в мишурных блёстках, при всей её любви к свежим покойникам, поспешила пройти мимо. Этот мужчина, чьё лицо и сердце исполосованы шрамами, был явно не в её вкусе, у дамочки вообще давно испортился вкус - она теперь предпочитает танцующий силикон в трусиках, мальчиков с педерастическими голосами, понтовитых придурков в широченных штанах, трясущих растопыренными пальцами перед своими рожами и бубнящих дебильныЙоУ частушки.
Манерная дамочка испугалась зловещего оскала хеллхаундов (слушать "Hellhound on My Trail" Роберта Джонсона), стороживших свою добычу.
Адские гончие честно заработали душу одноглазого гитариста, это была плата за урок блюза. Ангел Печали не собирался делить эту душу с развесёлой тусовкой МТВ.
У Ангела Печали со вкусом всё в порядке.

1985 - Austin Sessions, Texas (Bootleg) - Early 1980's
1988 - A Man And His Blues
1991 - One Believer
1993 - Howlin Mercy
1993 - 2 meter sessies [Bootleg]
1992 - VA (John Campbell & others) - Strike A Deep Chord - Blues Guitars For Homeless

В бурлящие 60-е годы Эрик Клэптон для целой роковой музыки был символом, одной из ведущих фигур, а имя его упоминалось в прессе и музыкальных изданиях так часто, что превратилось в клише. В роке наших дней Клэптон остается живой и действующей легендой.
Тем не менее, за 20 лет его карьеры Клэптона очень часто упрекали во всевозможных грехах и ошибках. Его часто называли переоцененным, копиистом и человеком с мышлением мотылька, легко поспевающим за модой и запросами публики и дельцов шоу-бизнеса. Все это по отношению к нему несправедливо. Да, Клэптон не лишен шарма, но это одновременно и огромный талант, настойчивое трудолюбие и неиссякаемая вера в себя и свою публику.
Легко сказать, что Эрик был разбалован своими фанатическими приверженцами, что он не смог справиться с успехом. Ведь еще в ранние дни работы с Мейоллом он заявил о своем желании быть "беспрецедентно" успешным. Нет никакой причины предполагать, что его оставил равнодушным тот фимиам, что курился в честь Cream, несмотря на его заявления о разочаровании. Эрик жил полной жизнью и трудился так упорно, как ни одна другая суперзвезда. "Величайший в мире?" Ну разумеется, нет. Но кто другой заслуживает, чтобы его мерили такими зашкаленными мерками.
Величие Клэптона вытекает не только из той преданности, которое его одаряли поклонники, и не только из того, что он старался максимально удовлетворить потребности аудитории. Его талант играть электрические блюзы был несравненным во времена расцвета британского блюзового бума. Он первый перешел от застывших клише к свободным импровизациям и благодаря этому серьезно количественно и качественно расширил роковую аудиторию. В свете этого все его дальнейшие достижения и неудачи должны показаться маловажными.
Многие считают, что пик творчества у Клэптона приходится на 60-е годы. В связи с этим каждому придет в голову мысль о Beatles, а также других фигурах и группах, чьи имена со временем постепенно отодвигаются с центра внимания в область скучных архивных данных и энциклопедий. В отличие от Beatles и других знаменитых современников самовыражение Клэптона лежало в несколько иной сфере; он был первым, кто прославился, как великолепный инструменталист.
Его скрипичный тон, напевное фразирование, меланхолическое настроение и завершенное соединение в рамках мелодии с заслуживающими внимание идеями часто будит в слушателе покойную улыбку и раздумчивость. Слушатель восхищается теплым течением мелодии его произведений, которое без конца дополняет красивая и неожиданно переменчивая ритмическая основа. Эрик Клэптон первым соединил негритянскую блюзовую форму, европейскую музыкальную интеллигентность, виртуозность исполнения на электрогитаре и страсть к самовыражению.
Он не обладал той техникой владения электрогитарой, которая отличала Джими Хендрикса, не проявил себя неистовостью и агрессивностью на сцене, как Джимми Пейдж или Пит Тауншенд, не смог вырвать свои мысли из роковых традиций так смело, как это сделал Джон Маклафлин. Но Клэптона обожествили критики и слушатели, избирая его систематически с 1967 по 1975 год лучшим мировым гитаристом в анкете Melody Maker, а также даже в категории лучших музыкантов; только дважды опережали его Джими Хендрикс и голландец Ян Аккерман.
Эрик Клэптон родился 30.03.1945 г. в Рипли, Сюррей. Его отец был каменщиком и отделочником и не выказывал никакого интереса к музыке. В детские годы Эрика ничего особенного не произошло. Он закончил нормальную и среднюю школы и поступил в кингстонгское художественное училище, откуда должен был выйти художественным модельером цветного стекла. После того, как ему очень понравился альбом песен "Большого" Билла Брунзи, родители купили Эрику акустическую гитару. Но он не пытался на ней играть еще два года, и только в 17 лет в нем вспыхнул интерес к блюзу. Вскоре усердные занятия музыкой начали мешать его учебе, и через три месяца он уходит из училища и занимается исключительно игрой на гитаре и прослушиванием блюзов, ритм-энд-блюзов и рок-н-роллов.
Как и у многих английских любителей, его первым музыкальным увлечением были Чак Берри и Бо Диддли, особенно благодаря пропагандистским усилиям Rolling Stones и Алексиса Корнера. Затем Эрик ударяется в музыкальную историю и слушает "Слепца" Лемона Джефферсона, Son House и Скипа Джеймса. Его более узким хобби становятся блюзы, после чего круг увлечения расширяется, включая в себя Роберта Джонсона, "Слепого" Боя Фуллера, а затем БиБи Кинга и чикагский блюз.
В те времена обычным способом стать профессиональным музыкантом было участие в группе. Первым ансамблем Клэптона стал The Roosters, в котором играли энтузиасты, некоторые из них попали в анналы роковой музыки. Среди них были Том Макгиннес и Пол Джоне, позже работавшие с Манфредом Манном, а также Брайан Джонс. Они играли ранний британский ритм-энд-блюз, ничем себя не проявили и через два месяца из-за отсутствия денег распались.
Подобная же судьба ждала его следующую группу, Casey Jones and the Engineers, в которой он вместе с Макгиннесом играл две недели в октябре 1963 года. Группа играла в мерсей-битовском стиле, ставшим модным благодаря Beatles. "Меня это не устроило", - вспоминал Клэптон. - "Я ведь люблю чистый жанр. А они играли все, что было модно в те времена, то есть всякую чепуху".
Брайан Джонс тем временем соединился с Джаггером и Ричардом в Rolling Stones, и они направились к своей славе, оставив свой ричмондский клуб "Краудэдди" во владение Yardbirds. Последние, в свою очередь, пригласили Клэптона, уже выступавшего несколько раз в кафе "Илинг" с группой Blues Incorporated в качестве дублера Мика Джаггера. В Yardbirds Эрик заменил лидер-гитариста Энтони "Топ" Топхэма.
Когда в 1965 году под ярлыком Yardbirds вышел первый сингл, записанный с участием Клэптона, последний получил кличку "Медленная рука" (slowhand) - так, как принято у негритянских блюзменов, выражалась способность Эрика удлинять тон дрожанием пальцев левой руки на струнах. Уже тогда навсегда отказался он от бустера и боттлнека. Одновременно концертные выступления начали быстро повышать статус Клэптона благодаря его возбуждающей и оригинальной соло-работе на гитаре. Но с группой, похоже было, удачи он не сыскал. Казавшийся веселым и беззаботным со стороны ансамбль раздирали споры и противоречия. После выпуска английского хита For Your Love, в марте 1965 года Эрик уходит, не согласившись с коммерческой направленностью Yardbirds. "Они были слишком коммерческими. Я сглупил, соединившись с ними. Я сглупил, соблазнившись шиком, экзотикой, большими деньгами и путешествиями. За 18 месяцев я начал менять отношение к музыке. Играл я плохо и потерял многое из своего изначального запала".
Эрику грозила опасность кануть в безвестность, но к нему по телефону обратился с предложением Джон Мейолл, чье нежелание играть что-либо, кроме блюзов, стало притчей во языцех. Даже название его группы - Bluesbreakers- было выбрано точно: для рока в те времена блюз был одним из важнейших источников вдохновения, и блюзовые интонации проскальзывали в творениях всех групп. В меньшей мере в том, что играли Beatles, но гораздо больше в записях Rolling Stones, Манфреда Манна или Kinks. Но те, кто специализировался на чистых блюзах, были в меньшинстве. Они играли для узкого круга слушателей, которые имели склонность к джазу и всем экспериментам нового направлениям, что родились на стыке привившихся жанров. До прихода Клэптона Bluesbreakers играли в знаменитом клубе "Фламенго" и в популярности уступали своим современникам, более ориентированным на джаз - Blue Flames Джорджи Фейма и группе Зута Мани. Но с Эриком ансамбль приобрел толпы новых поклонников, а сам гитарист стал предметом обожания. Об этом говорит и кличка, которой его нарекли в это время - "Бог". "Дайте соло Богу", - скандировала аудитория во время концертов. "Клэптон - это Бог", - белели по всему Лондону настенные надписи фанатиков.
Во время сотрудничества с Мейоллом Эрик играл сначала музыку своего сердца. Это бросается во внимание при прослушивании их совместной записи той поры, а специалисты заявляют по сей день, что по точности и лаконичности свое тогдашнее соло Клэптон никогда не превзошел.
В эти счастливые и беззаботные времена с 60 фунтов стерлингов за концерт и пива сколько хочешь слово "супергруппа" еще не было известно. Каким-то зародышем такого образования стоит считать эфемерное объединение Клэптона, Стиви Уинвуда и Джека Брюса под ярлыком Clapton and the Powerhouse. Они записали на фирме Electra три композиции, которые позже появились на сборнике What's Shakin', выпущенном в 1966 году. Впрочем, с Брюсом Эрик короткое время уже играл у Мейолла.
"Подошел как-то раз к Клэптону и сказал, что хочу собрать группу. Эрик захотел работать с Джеком. У меня была масса причин сказать нет, так как я полгода назад работал с ним в группе Грэхема Бонда, но я согласился", - так вспоминал о создании легендарной группы Cream знаменитый когда-то, а ныне малоизвестный новой роковой публике английский ударник Джинджер Бейкер.
В соответствие с желанием Клэптона Сream сначала была запланирована как блюзовое трио, "как Бадди Гай с ритмической секцией". В июле 1966 года группа имела премьеру на Уиндзорском джаз-блюзовом фестивале, а в октябре среди 20 лучших английских синглов появляется песня Wrapping Paper (хотя со всем остальным материалом их дебютного альбома Fresh Cream, куда она попала, песня была стилистически трудно совместимой). Популярность трио стремительно растет, хотя для знающей роковой публики это не удивительно - ведь все три музыканта уже успели подтвердить свою принадлежность к английским инструментальным "сливкам".
"Я - блюзовый гитарист, Джек - джазмен, а корни Бейкера лежат в рок-н-ролле", - так объяснял Эрик появление оригинального звука, обеспечившего успех Fresh Cream. В целом альбом вехой в современной музыке не стал, имел пару мест, весьма неловко приставленных. На второй стороне, в некоторых мелодиях, особенно в заимствованных композициях, таких, как Spoonfull, Catsquirrel или Rolling and Tumbling, группа сумела весьма своеобразно проявить себя, распалив прежде всего поклонников блюза. Но именно эта категория оказалась совершенно разочарованной выпуском следующего альбома Disraeli Gears (Бенджамен Дизраэли был знаменитым британским политиком прошлого века, прославившимся своим красноречием), не содержащего блюза в чистом виде. "Хотим работать на себя, внутри себя, играть музыку, которая исходит из нас, как индийская музыка, которая идет вовнутрь времени", - так достаточно туманно отвечал критикам Джек Брюс, но яснее за себя говорит сам диск. И здесь можно найти слабые места (например, песню Бейкера Blue Condition), зато композиции типа Sunshine of Your Love или Strange Brew относятся к самым лучшим роковым творениям 60-х годов, отлично сочетая новизну, вкус, актуальность и приятность. Альбом в США стал золотым, что для группы, которая из 11 песен сочинила полных девять (из которых пять на счету Брюса) на путях поиска собственного стиля, стало полным удовлетворением.
Главный вклад в исключительность группы внесло прежде всего непривычное понимание функций отдельных инструментов. Рядом с группой Хендрикса Experience Cream была единственным коллективом, который рискнул гастролировать и записываться в виде трио, без второй гитары и входивших тогда в моду электроорганов. Это оказалось возможным благодаря огромной инструментальной технике целого трио и смелому мышлению: в то время ни один роковый басист не пытался играть так, как Брюс - его басовая линия далеко ушла от простейших четырехдольных тактов рок-н-ролла, она стала контрапунктной, наполненной риффами с частым подчеркиванием сильных долей, с разработкой антимелодии к гитаре Клэптона, в то время как Бейкер с помощью своей импозантной техники и очень осмысленно во всем звуковом объеме готовил идеальную почву для расцвета буйной фантазии Джека. Также и Клэптон презрел традиционный способ двенадцатидольного блюзового деления, и его гитарная игра максимально заполняет простор так, как это (хотя с помощью других средств) делал Хендрикс. Своими твердыми фигурами Брюс слил звук группы в единое целое и сформировал совершенно особенный стиль, который послужил образцом для появившегося хард-рока.
В 1968 году наступает кульминация карьеры Сream. Каждый из членов группы победил в соответствующем разделе ежегодной анкеты, концерты являлись главной приманкой для английской и американской публики, и толпы слушателей набожно внимали 15-минутным импровизациям блестящего трио. Все это отлично документируют концертная половина двойника Wheels of Fire и часть записей последнего альбома Goodbye - продолжительные композиции, в которых группа необыкновенным способом разворачивала свою изобретательность. "Заводилой всему был Джек. Я только следовал за ним, а Бейкер стучал, как умел" - скажет позже Клэптон с подозрительной скромностью, но при прослушивании последних записей нельзя не заметить, что именно Брюс явился тем надежным оплотом, огненосной идеей и что своим ворчливым, форсированным тоном он охарактеризовал стиль целого поколения музыкантов. То же самое можно сказать о его вокале и игре на духовой гармонике. Было бы несправедливо не отметить оригинальный ударный стиль Бейкера (включая зажигательное соло в Toad) и прекрасное солирование Клэптона. Студийная часть альбома Wheels of Fire явилась истинной кристаллизацией всего, с чем творчески экспериментировала группа. Композиции имели необычайную мелодичность, изобретательную аранжировку (здесь появились и акустическая гитара, виолончель, органы, плейбековые гитары), а во всем ассортименте особенно выделялись творения Брюса (White Room, As You Said и А Politician), которые он, как обычно, написал с поэтом Питом Брауном.
Wheels of Fire стал платиновым и принес членам группы доход в 2000000 фунтов стерлингов. Однако в ретроспекции музыкальные историки отмечают неуклюжесть в попытках связать чистый поп-стиль (например, песня Pressed Rat, and Warthog) и неразбавленный блюз (Sitting On Тор of the World ) студийной записи. В продолжительных и слишком откровенных импровизациях концертной части заметно, что в стремлении постоянно обгонять друг друга при одновременном несовпадении артистических задач члены трио действовало явно в ущерб музыкальному содержанию. Клэптон: "Импровизации, которые раньше возникали спонтанно, становились все более бессмысленными; каждый из нас воспроизводил свои клише". Он уже в мае 1968 года высказал мнение, что творческий путь коллектива подходит к финишу, так как их прогресс в целом сбился с пути. 26 ноября в "Ройял Элберт Холле" состоялся их прощальный, эмоционально необычайно насыщенный концерт, аншлаг на который был за две недели.
Однако, они пока не прекратили работы в студии, собравшись для записи последнего альбома Goodbye, в который вошел англоамериканский хит Badge, написанный Клэптоном совместно с Джорджем Харрисоном.
"Живые" альбомы, также выпущенные после распада группы, не имели успеха у критики и практически не раскупались главным образом из-за того, что манера группы вышла из моды.
Хотя распад группы, как было объявлено, произошел по личным причинам, многие годы после журналисты тщетно гадали, почему это случилось. В 1973 году об этом резко выразился Джинджер Бейкер: "Cream была моей группой. Я ее основал и платил по 20 фунтов стерлингов за репетиции. Мы договаривались все делать коллективно, но мои вещи просто отвергались. В конце концов, говорят, они хотели поменять ударника. Не знаю, почему до этого не дошло... Это я привел Пита Брауна, чтобы написал нам текст для первой песенки. Часто я должен был напиваться до чертиков, чтобы с ними мог работать. Это было отвратительно. Да к тому же последние пять лет я только и делаю, что треплюсь о том, что стало с Cream".
А что же Клэптон? Каковы были его планы? Незадолго до распада он делился своими желаниями с прессой: "Я семь лет непрерывно в гастролях и хотел бы немного отдохнуть. За последние два года я многое испытал и пережил. И мне кажется, что лучше всего было бы вернуться к исполнению блюзов. Я устал от постоянного сочинения и исполнения поп-песен, мне надоел статус поп-звезды. Он не для меня. Я остаюсь и всегда буду блюзовым гитаристом".
Добившийся международного признания, как лучший гитарист в роке, он становится желанным гостем на различных записывающих сессиях: его приглашает в 1967 году для работы над диском We're Only In It For the Money Фрэнк Заппа и - невероятно - Beatles для гитарного соло в мелодии While My Guitar Gently Weeps. После распада Cream в ноябре 1968 года желанного отдыха для Клэптона не получилось - вместе со Стиви Уинвудом он организовал незадачливую группу Blind Faith (cм. статью о Стиве Уинвуде), выбрав время в период американского турне группы сыграть в ансамбле Plastic Ono Band, объявившись в диске Live Peace In Toronto и американском дуэте белого соула Delaney & Bonnie. Когда Blind Faith paсnaлись в конце 1969 года, Клэптон открыл резиденцию в Нью-Йорке и начал жить вместе с Делани Брамлеттом, даже финансируя и принимая участие в американском турне дуэта в 1970 году.
И если Blind Faith как бы по инерции еще смахивала на Cream (в плане некоторой блюз-роковой мощи), то последовавшие с 1970 года сольные работы Клэптона имели с Cream очень мало общего. Прекрасный именной диск стал стартом действительно клэптоновской музыки, его саунда. К такому пониманию он начал примериваться еще во время Cream. Вот как вспоминает этот момент Крис Уэлч, биограф Cream. Летом 68 года мы сидели дома у Эрика и слушали свежий LP Music From the Big Pink группы The Band. Выкурив пару крепких "папирос", я понял, почему Эрик считает это таким перспективным". Ну такие симпатии сразу многое объясняют. Именно такая разновидность энергетически отвечала характеру Эрика. Негромкая, изящная и милая музыка The Band была полной противоположностью оголтелости Cream.
Но все, что он ни делал в это время, было в тени той славы, которую он заработал себе в Cream и от которой так старательно он теперь пытался избавиться. К сожалению, у него практически не было в этот период времени, чтобы остановиться, осмотреться, что же делается кругом. Ведь группы с самым заметным статусом, как ELP, Yes или Genesis имели по крайней мере три-четыре месяца в году, чтобы отдохнуть от гастролей и заняться реализацией творческих планов. Клэптон же не имел ни времени, ни желания быть кумиром публики. Он сознательно прячется за спины гораздо менее известных и талантливых музыкантов, а позже фактически отрекается от своего имени.
Игру Клэптона можно услышать на концертном альбоме дуэта Live On Tour, где рядом с ним выступают члены будущей группы его сопровождения - Карл Рэдл, Джим Гордон и Бобби Уайтлок. Многие из участников этого содружества, включая Делани и Бонни, появились на сольном именном альбоме Эрика. Где-то в это же время он в качестве гостя объявился на дисках Леона Расселла, Стивена Стиллза I и All Things Must Pass Джорджа Харрисона.
Окончательное отречение наступило, когда Клэптон набрал группу Derek and the Dominoes, совершенно откинув свое имя. Они сделали несколько записей, но им потребовалось время, чтобы пробиться на рынке. Первую запись этой группы, сингл Tell the Truth, выпустил только в США продюсер Фил Спектор.
Затем появляется рассматриваемый многими как лучшее творение Клэптона альбом Layla с более чем заметным вкладом друга Клэптона, гитариста группы Allman Brothers Дуэйна Оллмэна. Мастерская работа, посвященная "жене моего лучшего друга" - Патти Харрисон, которая позже ушла от Джорджа к Клэптону.
Тем не менее, сначала альбом встретил довольно прохладную реакцию критики, и, как ни старался Клэптон, коммерчески оказался практически бесплодным.
Во время гастролей по США в 1972 году Dominoes записали (и довольно неудовлетворительно) концертный альбом, однако вскоре разбежались на полпути, хотя еще собирались в записывающей студии.
(В этот период Клэптон также появляется на альбомах Steve Stills 2 и у Доктора Джона на The Sun the Moon and Herbs, оба записаны в 1971 году, равно как в том же году и на концерте в пользу Бангладеш, что организовал Харрисон ).
Из прессы стало известно (сам Клэптон не давал никаких интервью до 1974-1975 годов), что в последующий период гитарист переживал сильную депрессию, обусловленную трагической гибелью его близкого друга Дуэйна Оллмэна, равно как и тем, что публика не приняла его "Лайлу". Как следствие, он отправляется домой, в Сюррей. Там он борется изо всех сил с пагубным пристрастием к героину, спасаясь от бездны, в чем ему помогают близкие друзья, такие, как Пит Тауншенд.
Именно Тауншенд организовал и помог ему (вместе со Стивом Уинвудом, Роном Вудом и Джимом Капалди) в проведении концерта возвращения в лондонском театре Rainbow в январе 1973 года, после чего появился весьма разочаровывающий концертный альбом Eric Clapton at the Rainbow. Гитарное соло Эрика здесь одичало, производило впечатление, будто он рвется в гонке с каким-то соперником и не может тронуться с места. Он говорил: "Я не поднялся на ту ступень, когда сумею сыграть все, что вам придет в голову".
Возвращение оказалось преждевременным, и еще немало времени Эрику предстояло затратить на то, чтобы окончательно избавиться от своей дурной привычки, прибегая к помощи лондонских врачей и даже занимаясь черной работой на ферме друга в Уэльсе.
Как позже писал Клэптон, в один из дней он вновь почувствовал себя пригодным к прежней работе, сел на лондонский поезд и отправился к менеджеру Роберту Стигвуду и заявил, что он готов записывать альбом. Стигвуд отправил на самолете Эрика во Флориду, где он с участием Карла Рэдла из Dominoes сколотил новую группу. Этот состав, включавший в себя также гитариста Джорджа Терри, клавишника Дика Симса, ударника Джеми Оуклендера и вокалистку Ивонну Эллиман, выпустил записанный в Майами почти песенный альбом 461 Ocean Boulevard с умеренным и достоверным вокалом Клэптона, звучащим вместе с прекрасным голосом Ивонны Эллиман и с группой, вооруженной органами, синтезатором и хором. На альбоме звучит блюз Джонсона Steady Rollin' Man и танцевальный рэггей Боба Марли I Shot the Sheriff, возглавивший американские чарты и способствовавший признанию альбома широким кругам слушателей.
Американская певица Марсия Ливи увеличила состав к следующему альбому There's One in Every Crowd, который оказался бледнее своего предшественника. В том же году вышел концертный диск E.C. Was Here, который явился возвращением к истокам его творчества. Опять мы слышим сверкающее и пленительное гитарное соло, которое сделало Эрика знаменитым, и ориентированный на блюз материал. Альбом, например, содержит его любимый старый блюз Ramblin' On My Mind, который Клэптон играл еще у Джона Мейолла, и его произведения в группе Blind Faith - Presence of the Lord и Can't Find My Way. Эти записи благодаря участию Ивонны Эллиман приобрели новый лоск. "Каждая нота Клэптона стоит тысячи у Black Sabbath", - прокомментировал диск рецензент журнала Melody Maker.
Когда Эрик впервые услышал канадскую группу The Band, он заявил, что так, вероятно, могли бы играть Blind Faith, если бы восемь лет работали вместе. А в 1976 году вместе с тремя членами этого ансамбля Робби Робертсоном, Риком Данко и Риком Мануэлем он записал альбом (19). Была задумана простая, сделанная со вкусом музыка, проистекающая из блюза, рэггей и других, близких к ним жанров. В этом диске нет обычных недостатков сольных альбомов - личность автора в нем отставлена на задний план. Клэптону в альбоме помогают также Эллиман, Ливи, перу которой принадлежат песни Rhuagry и Innoncent Times. Нельзя не упомянуть Боба Дилана, который написал песню Sign Language и гостем исполнил ее. Дуэт обоих артистов относится к лучшим местам диска и одновременно к самым примечательным моментам карьеры Дилана этих лет. Десять лет назад такое сотрудничество произвело бы в роковой музыке эффект взорвавшейся бомбы. А здесь слайд-гитара Клэптона и голос Дилана звучат совершенно натурально и никто в этой комбинации не видит повода для изумления.
Чартовый успех был продолжен лонгплеями Slowhand и Backless. Последний, записанный с участием Джей Джей Кейла, привносит негу и безмятежность, атмосферу южных каникул в сочетании с блестящей инструментальной аранжировкой.
В октябре 1979 года Клэптон отправился в большое кругосветное турне через Польшу, Австрию и Югославию. По материалам его выступления в токийском зале "Будокан" был выпущен концертный диск Just one Night, по техническим достоинствам приближавшийся, по мнению рецензентов, к студийным произведениям. У музыкантов тогдашнего сопровождения Клэптона было богатое прошлое: гитарист Элберт Ли играл с Крисом Фарлоу, Джо Кокером и Эммилу Харрис, клавишник Крис Стэнтон сотрудничал с Джо Кокером и Элки Брукс, басист Дейв Марки работал с Аланом Прайсом, Джорджи Феймом и даже с Фрэнком Заппой и Rolling Stones, ударник Хенри Спинетти - с Роджером Долтри, Джоан Арматрейдинг и братьями Райен. К британскому турне 1980 года Клэптон пригласил еще одного клавишника - знаменитого Гэри Брукера из Procol Harum.
80-е годы открылись для Клэптона альбомом Another Ticket, записанным в конце 1980 и появившимся на рынке в начале 1981 года. Уже десять лет, как Эрик отдалился от импровизационного богатства Cream, звук его стал более компактным и размеченным, а гитарный стиль, более подтянутый, тем не менее не потерял в своем блеске и точности.
На практике это означало к тому же известную утрату вкуса, особенно заметную после расцвета роковой лаконичности в Derek and the Dominoes. И с отступлением времени лучшая композиция того периода Layla представляется теперь не более чем аномалией в унылом перечислении его сольных работ с их попытками иметь отношение то к рэггей, то к кантри, то к блюзам - хотя бы и технически безупречных. Another Ticket встал в этот же ряд, с минимальным изменением в окружении и музыкальной основе, с участием Элберта Ли и Гэри Брукера, с тем же голосом и композицией Клэптона, совершенно не улучшавшимися: его мягкий, минорный шарм почти повсеместно представляется пресным, особенно в титульной песне и в пошленькой любовной Something Special. Но в том-то и чудо, что инструментальный гений гитариста способен превратить в сокровище даже такой проходной материал.
Во время январского турне 1981 года по Англии Клэптон дал концерт в лондонском Рэйнбоу в пользу строительства центра для лечения наркоманов.
Альбом Money and Cigarettes был встречен несколько лучше, чем его предшественник. Релаксирующая музыка, сделанная с участием гитаристов Элберта Ли и Рая Кудера, ударника Роджера Хокинса и басиста Дональда Данна и содержащая отличные композиции Everybody Oughta Make а Change Джонa Эстиза и вышедшую синглом I Have Got а Rock'n'Roll Heart.
В целом 80е годы для Эpика прошли вполне благополучно. Почти все его альбомы получали отличные рецензии и продавались в больших количествах. Диск Behind the Sun продюсировал близкий приятель Клэптона Фил Коллинз. Он же стучал на ударных для следующего лонгплея August, на котором рецензенты не смогли высмотреть никаких признаков усталости или истощения идей. Этот очень сильный диск содержал великолепный хит Behind the Mask и возбуждающий дуэт с Тиной Теpнеp на Tears Us Apart. И вообще, как вокалист на альбомах конца десятилетия Эpик показал себя в самой лучшей фоpме.
Свой высокий статус Клэптон поддерживал частыми гастролями, выступлением на концерте "Живая помощь", частыми выступлениями в лондонском "Pойал Элбеpт Холле", документированными лонгплеем 24 Nights, появлением на телеэкране и выпуском видеофильмов.
В следующем десятилетии карьера Клэптона продолжала развиваться по восходящей, хотя трагическая смерть его сына Коноpа в 1991 году выключила музыканта из работы на несколько месяцев. В декабре того же года вместе с Джоpджем Хаppисоном он совершил японские гастроли. Альбом MTV Unplugged оказался одним из самых выдающихся его коммерческих достижений. От был отыгран в акустическом ключе, выказывал блюзовые корни артиста и содержал впечатляющую песню Tears In Heaven, написанную под влиянием недавней семейной трагедии. Эта песня стала всемирным хитом.
Середина 90х застала Клэптона окруженным почетом и уважением роковых критиков и квалифицированных слушателей. Патриарх роковой музыки и сегодня являет собой заметную творческую силу, словно сверкающий алмаз, не знающий износа. Впрочем, на невнимание широкой публики ему тоже не приходится жаловаться: диск From the Craddle занял в чартах высокое место.
Ключевые факты
* Эрик Клэптон — единственный музыкант, который трижды был включен в Зал славы рок-н-ролла — в качестве сольного исполнителя и члена рок-групп «Cream» и «Yardbirds».
* Клэптон фигурирует в составленном журналом Rolling Stone списке величайших гитаристов всех времен на четвёртом месте.
* Самым успешным синглом за всю сольную карьеру Клэптона была его кавер-версия «I Shot the Sheriff» Боба Марли, которая возглавила американские чарты в сентябре 1974 г.
* Одним из «коронных» соло Клэптона стала соло-партия в песне The Beatles «While My Guitar Gently Weeps», для записи которой его пригласил Джордж Харрисон. Неизвестно доподлинно — либо Харрисон был недоволен собственной версией соло, либо Клэптон был приглашён с целью разрядить напряжённую обстановку, царившую в группе во время записи «Белого альбома».
* Клэптон играл на записях Элтона Джона («Runaway Train», 1992), Стинга («It’s Probably Me», 1992) и Шер («Love Can Build a Bridge», 1995), Роджера Уотерса («The Pros and Cons of Hitch Hiking, 1984).
* Сочиненная Клэптоном в 1970 году баллада «Layla» стала прообразом бесчисленного количества гитарных композиций на романтические темы. Переработанная версия песни была удостоена в 1992 г. премии «Грэмми». Журнал «Rolling Stone» включил ее в число 30 величайших песен в истории современной музыки, а в аналогичном списке по версии музыкального канала VH1 она заняла 16-е место.
* В 1993 году Клэптон выиграл премии «Грэмми» во всех самых престижных номинациях — «альбом года» («MTV Unplugged"), «песня года» («Tears In Heaven») и «запись года» («Tears In Heaven»).

Брайан Сетцер родился в Нью-Йорке 10 апреля 1959 года. Интересно, но первым инструментом будущего практически полностью зататуированного рокабильщика была не гитара, а некая штуковина, называющаяся по-английски "euphonium". С восьми лет Брайан перешел на что-то тубообразное и очень сильно продвинулся в этом направлении. В подростковом возрасте Сетцер сильно увлекался джазом и норовил всеми правдами и неправдами проникнуть в клубы типа "Village Vanguard" и "Village Gate". Именно в те годы у Брайана впервые появилась идея создания биг-бэнда с лидирующей гитарой. Однако во второй половине 70-х страсть Сетцера к джазу несколько поубавилась, и он переключился на рокабилли.
Первая его группа, "Tom Cats", просуществовала недолго, но зато на ее обломках возникла другая – знаменитая "Stray Cats", в состав которой помимо Брайана вошли Слим Джим Фантом и Ли Рокер. Команда довольно быстро завоевала европейский рынок, а вслед за этим покорился и американский. Когда "Stray Cats" еще только начинали свою деятельность, Брайан вместе со своим братом Гэри успел немного поучаствовать в нововолновом проекте "Bloodless Pharaos".
К середине 80-х в компании "блудливых котов" начался разлад, и Сетцер все чаще сбегал на сторону, подрабатывая в качестве сессионщика то у Роберта Планта, то у Боба Дилана, то еще у кого-нибудь. В 1986-м вышла его первая сольная пластинка – "This Knife Feels Like Justice". На следующий год Брайан единственный раз в своей жизни снялся в кино. Это был фильм Ричи Валенса "La Bamba", где музыкант сыграл Эдди Кокрэна. В 1988-м появился второй альбом Сетцера, "Live Nude Guitars", часть треков с которого продюсировал Дэйв Стюарт из "Eurythmics". После этого Брайан еще некоторое время проработал в "Stray Cats", но в начале 90-х "коты" разбежались в разные стороны. Тут-то Сетцеру и подвернулся случай реализовать свою давнюю мечту.
Как-то раз его соседи устроили вечеринку, где играла компания на духовых инструментах. Проходившему мимо Брайану в шутку предложили бросить все дела и присоединиться к ним со своей гитарой. Матерый рокабильщик не ударил в грязь лицом, а отыграл свои партии как надо. Более того, вскоре после той вечеринки он собрал биг-бэнд из 17 человек, получивший название "Brian Setzer Orchestra". Сначала планировалось отыграть всего несколько концертов, однако уже после второго выступления "BSO" группа гремела на всю округу.
В 1994 году вышел дебютный альбом, встреченный очень тепло как публикой, так и критиками. За релизом последовало успешное североамериканское турне, в рамках которого "Brian Setzer Orchestra" выступили на "Montreal Jazz Festival". Если первый диск "Оркестра" в основном был составлен из каверов старых свинговых композиций, то для второго альбома Сетцер подготовил больше своего материала, а кое-какие треки ему помог написать Джо Страммер (экс-"Clash"). Выход "Guitar Slinger" сопровождался вторым американским туром и появлением бэнда на "Playboy Jazz Festival". Пика популярности "Brian Setzer Orchestra" достигли с выходом альбома "The Dirty Boogie", на котором слушателям был предложен зажигательный коктейль из свинга, рокабилли, кантри и блюза. Диск получили две премии "Grammy ", а его тираж составил свыше двух миллионов экземпляров.
Еще одну "Грэмми" "BSO" отхватили в 2000 году за исполнение знаменитой композиции Дюка Эллингтона "Caravan". Как бы то ни было, но вскоре Брайан решил вернуться к своим рокабильным корням и, сократив формат своей группы до трио, выпустил пару альбомов: "?68 Comeback Special" и "Nitro Burnin'' Funny Daddy". Впрочем, это не означало прекращение деятельности самого "Оркестра" – Сетцер немного его "перепрофилировал" и взялся записывать под маркой "BSO" всякие рождественские песенки типа "Jingle Bells"..

Сольные работы:
1988 - Live Nude Guitars
1994 - The Brian Setzer Orchestra
1996 - Guitar Slinger
1998 - The Dirty Boogie
2000 - Vavoom!
2002 - Boogie Woogie Christmas
2003 - Nitro Burnin' Funny Daddy
2004 - The Ultimate Collection (Recordered Live)
2005 - Rockabilly Riot
2005 - Dig That Crazy Christmas!
2006 - 13
2007 - Wolfgang's Big Night Out
2007 - Red Hot & Live

---

В составе Stray Cats
1981 - Stray Cats
1982 - Built For Speed
1989 - Blast Off!
1993 - Rock This Town (compilation)
1999 - Rockabilly Rules (At Their Best Live)
1996 - Runaway Boys A Retrospective '81-'92
2000 - неопознанная ранняя концертная запись
2005 - 10 Best of Stray Cats

---

2006 - Go Cat Go! A Tribute to Stray Cats

---

Вместе с ним совет послушать Lee Rocker контрабасист Stray Cats, играет весьма любопытное рокабилли:
2005 - The Curse Of Rockabilly
2007 - Black Cat Bone

Ронни взялся за освоение гитары с поистине фанатичным упорством и скоро присоединился к группе Bright Lights Big City, параллельно работая по профессии. Случайное знакомство с Коко Тейлор и её группой (в 1976 во время гастролей произошел конфликт на расовой почве в отеле, где они остановились, Ронни Ёрл предложил музыкантам свой дом) дало ему возможность выбираться время от времени в Чикаго и выступать в тамошних чёрных клубах с Тейлор, другими знаменитостями.
Значительное влияние на Ёрла имело знакомство с Джимми Воэном и его стилем игры. Примерно в это же время ему предложили пятимесячную работу в составе рок-группы в Техасе, где он жил, тесно общаясь, наблюдая за работой Fabulous Thunderbirds, особенно её гитариста, которого Ронни Ёрл называет «гением, стилистом, новатором».
По возвращении в Бостон Ёрл основал группу Sugar Ray and the Bluetones (вокалист «Шугар» Рэй Норсиа, в 2003 группа возродилась и выпустила диск с гитаристом Майклом Велшем).
В 1979 году Ронни Ёрл заменил Дюка Робилларда в группе Roomful of Blues, в которой он проработает 8 лет.
Участие в Roomful of Blues, ведущем блюзовом коллективе Восточного побережья, гастролировавшем по всем Штатам и Европе, вывело Ёрла в разряд самых известных профессионалов жанра. Музыкальные критики особо отмечают его игру на номинировавшихся на «Грэмми» записях группы с Ёлом Кингом, Биг Джо Тернером, Эдди Вилсоном.
Одновременно с работой в ансамбле Ронни Ёл начал сольную деятельность, основав группу The Broadcasters и выпустив с ней в 1983 году свой первый альбом «Smokin?». На протяжении 80-х годов Ёрл образует несколько составов своей команды с вокалистами, ставшими впоследствии знаменитостями — Дэррил Ньюлих, Шугар Рэй Норсия, Джампин Джонни Сэнсон.
В 1987 году Ронни Ёрл покадает группу Roomful of Blues. Одновременно он ложится на излечение в клинику с целью избавиться от пристрастия к наркотикам и алкоголю. «К сожалению, эти годы (с Roomful of Blues) были годами наркотиков. Наше концертное расписание было чрезвычайно жестким, поэтому я подсел на кокаин и валиум, запивая их виски. Все это могло убить в любой момент, я просто устал этого бояться», — вспоминал потом Ронни Ёрл в интервью журналу «Блюз Ревю».
На рубеже 80-х — 90-х годов Ронни Ёрл прекратил выступать, взял длительный отпуск. С учетом его наркотической зависимости многие полагали, что карьера талантливого гитариста завершена. Однако спустя некоторое время он сформировал очередную реинкарнацию «Броудкастерс», в которой не было певца. Скептики назвали его предприятие «музыкальным самоубийством».
Ёрл опроверг мрачные прогнозы, выпустив в 1993 году альбом «Still River». Диск удивил разнообразием звуков, стилей, подходов при использовании электрогитары в симбиозе блюза и джаза. Ёрл дал музыкантам группы полную волю в создании собственных партий, что отныне стало принципом его использования возможностей своих музыкантов. Впоследствии некоторые из членов «Броудкастерс» стали звездами в своем роде, как это случилось с клавишником Брюсом Катцом.
Очередной контракт на запись альбомов Ёрл подписывает с компанией Bullseye Blues, на которой выходит ряд удачных и высоко оцененных критикой дисков — «Language of the Soul» (1994), «Blues Guitar Virtuoso Live in Europe» (1995), «Grateful Heart» (1996, с участием саксофониста David «Fathead» Newman).
Карьера Ронни Ёрла шла в гору, репутация одного из лучших гитаристов блюза, особенно после того, как в 1996 году его таковым признал журнал «Downbeat», росла, что закрепил контракт — на этот раз с крупной джазовой фирмой Verve. Его дебют на лейбле «The Colour of Love» (1997) по общему мнению стал вершиной его достижений в музыке и бизнесе. Ёрл получил премию В. Хэнди как «лучший инструменталист».
Однако отношения с новым партнёром не сложились. Музыкант посчитал, что компания Verve чрезмерно вмешивается в его творческий процесс, навязывает условия работы, допускает давление, объявил, что разрывает контракт. С этими событиями совпало начало психического расстройства — маниакальной депрессии, с которым музыкант борется до сих пор.
РЁ прекратил выступления, распустил группу и после короткого периода затворничества начал выпускать альбомы на небольшой, но качественной фирме Telarc. Первый диск «Healing Time» (2000, с участием джазового органиста Джимми Макгриффа) доказал полную дееспособность Ронни Ёрла, как супер-гитариста. Последовавший в 2001 «Ronnie Earl and Friends» представлял собой набор блюзовых стандартов и популярных номеров, записанных с участием звезд ритм-энд-блюза (Ким Вилсон, Ирма Томас, Лютер Джонсон).
В 2003 году он выпустил сдержанно принятый критиками почти полностью инструментальный «I Feel Like Goin' On» на канадской фирме Stoney Plain.

Собственные альбомы:
1983 - Smokin'
1985 - Deep Blues
1988 - Soul Searchin'
1990 - I Like It When it Rains
1990 - Peace Of Mind
1991 - Surrounded by Love
1992 - Test Of Time (Retrospective)
1993 - Still River
1994 - Language of the Soul
1994 - Blues Guitar Virtuoso Live in Europe
1996 - Grateful Heart: Blues and Ballads
1997 - The Colour of Love
2000 - Healing Time
2001 - Ronnie Earl and Friends
2003 - I Feel Like Goin' On
2004 - Now My Soul
2007 - Hope Radio
2009 - Living In The Light
2010 - Spread the Love
2013 - Just for Today
2014 - Good News
2015 - Father's Day
2016 - Maxwell Street
2017 - The Luckiest Man
2019 - Beyond The Blue Door
2020 - Rise Up

---

Совместые записи:
1980 - Walter Horton (feat.Ronnie Earl) - Live at the Knickerbocker
1991 - Jimmy Rogers with Ronnie Earl and The Broadcasters - Live
1996 - Ronnie Earl & Pinetop Perkins - Eye To Eye
2005 - Ronnie Earl & Duke Robillard - The Duke Meets the Earl

---

Разыскиваются:
1984 - They Call Me Mr. Earl

Перкинс родился в городе Belzoni, штата Mississippi в 1913. Начинал, играя на гитаре на негритянских сельских вечеринках и кабаках в 30-х. В середине 40-х, когда был аккомпаниатором у Rice "Sonny Boy Williamson" Miller в Арканзасе, в результате перестрелки в баре был ранен в левую руку и не в состоянии полноценно играть на гитаре вынуждено переключился на фоно. Псевдоним позаимствовал у известного буги-пианиста Clarence "Pinetop" Smith, в честь которого назвал свою ставшую впоследствии шлягером инструментальную композицию "Pinetop's Boogie".
В течение пяти лет работал на Сони Боя в его радиопрограмме «King Biscuit Time» на радиостанции KFFA в Арканзасе (радиостанция в городе Хелена и программа существуют до сих пор). Pinetop много гастролировал в этот период с гитаристом Robert Nighthawk, играл для него во время записи для Chess Records. После короткой работы в Мемфисе с B.B. King в первой половине 50-х присоединяется к концертной группе слайд-гитариста Earl Hooker и записывает с ним в 1953 ряд песен для фирмы Sun.
В 60-е переселяется в Чикаго. В 1969 приходит в ансамбль Muddy Waters на место покинувшего группу Otis Spann, где проработал до 1980. В этот год он вместе с несколькими другими музыкантами Вотерса, вышедшими из коллектива, образует Legendary Blues Band.
Записанный с участием группы Little Mike and the Tornadoes альбом «After Hours» на лейбле Вlind Pig открывает современную дискографию Перкинса в 1988.
В 2004 он выпустил диск "Ladies Man", состоящий из дуэтов с певицами современного блюза.
В новое тысячелетие Перкинс пришел реальным посланником той эпохи, когда он вместе с Pete Johnson, Meade Lux Lewis, Albert Ammons, Little Brother Montgomery создал буги и фортепианный блюз.
ОМ

Собственные альбомы:
1976 - Pinetop Is Just Top
1988 - After Hours
1990 - Chicago Blues Session Vol 12 - John Brim & Pinetop Perkins
1991 - Hot Blues From A Cold Place
1992 - On Top
1992 - Pinetop's Boogie Woogie
1993 - Portrait of a Delta Bluesman (compilation)
1994 - Live Top
1995 - Live At Antone's Vol.1
1996 - Sweet Black Angel
1996 - Blues Legend
1997 - Born In The Delta
1998 - The complete High Tone Sessions\Heritage of the Blues\
1998 - Down in Mississippi
1999 - Live At 85 !
2000 - Back On Top
2008 - Pinetop Perkins & Friends

---

Совместные записи:
1994 - Legendary Blues Band - Red Hot 'n' Blue
1996 - Ronnie Earl & Pinetop Perkins - Eye To Eye
2004 - Ladies Man
2005 - Pinetop Perkins & Hubert Sumlin - Legends

---

2005 - Buddy Guy, The Holmes Brothers, Pinetop Perkins - Mountain Stage. An Evening With - DVD Video
2007 - Honeyboy, Lockwood, Townsend, Pinetop - Last Of The Great Mississippi Delta Bluesmen - Live In Dallas

Блюзрокер Michael Katon родился и вырос в штате Мичиган в семье, где все увлекались музыкой. Уже в 15 лет играл на гитаре в местных рок-группах. В общей сложности почти 20 лет МК проработал сайдменом, оттачивая технику игры на гитаре, вырабатывая собственный стиль. В итоге МК поселился в родном штате в местечке с пугающим названием Hell, оборудовал в подвале дома студию, в которой до сегодняшнего дня записывает альбомы.
На собственном лейбле Wild Ass в 1984 выпустил дебютный диск «Boogie All Over Your Head», изданный по лицензии в Европе шведской компанией Garageland.
Стремление быть независимым артистом и не искать поддержки могущественных дистрибьюторов в США привело к тому, что деятельность сугубо американского буги-рокера стала связана с Европой. Там, особенно в Германии и Скандинавии, его принимали на ура, на его клубные концерты-джемы, длившиеся по нескольку часов, собирались толпы фанатов.
В начале 90-х контракт на выпуск дисков и продажу их по всему континенту МК предложил начинающий голландский лейбл Provogue. Деловой контакт подтолкнул в сущности прозябавшего на родине, к тому же крепко пившего МК, начать карьеру заново. В 1992 появляется самый удачный на сегодняшний день релиз «Get On The Boogie Train». За ним последовала пара сильных альбомов в том же ключе, после чего музыка МК стала всё более тяготеть к коммерческому американскому року.
МК не вышел в разряд самых успешных в коммерческом плане артистов блюза, но его музыка пользуется довольно высоким спросом в Европе и России, он высококлассный гитарист и мощный певец. В 2006 году Кэтон выпустил разочаровавший блюз-рокеров диск, стилистически "застрявший" на полпути от хэви-металла к экстремальному блюз-року. Впрочем Майкл тут же "поправился" - в том же году вышел альбом из архивоного материала, составленный из лучших образцов его фирменного буги-рока, сыгранный почти целиков слайдом.

Бадди легко можно было найти вечером в клубе, где тот работал после дневных студийных сессий. И то, что он играл, совсем не напоминало студийные соло прежнего Бадди Гая. Хендрикс был так же ошеломлен Гаем, как затем и Чез Чендлер самим Хендриксом. Причина в общем-то была одна и та же. Последнее слово гитарных новаторов — педаль “Wah-Wah”, знаменитая “квакушка”. И Бадди Гай использовал ее так искусно, что многие не верили, что эти звуки вообще исходят из его гитары. К сожалению, Бадди не записывал в те годы свои клубные выступления, а в студии все обстояло иначе. Леонард Чесс строго приказал Бадди выбросить вон все эти технические извращения или же убираться из его студии самому. Бадди должен был содержать семью. И потому не посмел рисковать заработком. К тому же он, в отличие от Хендрикса, был человеком кротким и вовсе не стремился стать супер-звездой, всегда опасаясь, что это нарушит его привычный размеренный уклад жизни и отгородит от семьи и друзей.
Гай по своему характеру явно не укладывался в типичный образ музыканта-звезды тех эксцентричных и сумасшедших лет. Он был слишком уравновешенным, да и по годам слишком взрослым. Таким образом, время и место пересеклись тогда на нем лишь для того, чтобы вытолкнуть его не на вершину, а перед глазами и ушами Джимми. И в тот раз эти две определяющие истории безошибочно (они никогда не ошибаются!) остановились на самом Джимми Хендриксе. Все, что нужно было для прыжка вверх, у него теперь имелось: новейший эффект “Wah-Wah”, и совершенная техника извлечения фантастических звуков. Уже где-то в конце 60-х, став сверх-звездой, Джимми рассказал об этом на пресс-конференции, перед миллионами телезрителей. Он совсем не скрывал, что перенял у Бадди Гая искусство извлечения с помощью специальной педали квакающих и стенающих звуков. Это, разумеется, ничуть не умаляло статус Хендрикса, как величайшего гитариста, чей изобретательный ум и воображение довели до совершенства дело, начатое Бадди Гаем.
В 1968-м году, когда супер-нова Джимми Хендрикса уже, казалось, готова была заменить затухающую звезду битломании, Бадди Гаю приходилось подрабатывать грузчиком и таскать кирпичи на стройке, чтобы заработать на хлеб. Братьям Чесс изменило чутье. Создав легендарный саунд чикагского блюза, они, однако, отказались двигаться дальше за временем. И безнадежно отстав от него, слетели с дистанции. Но и Джимми Хендрикса со всеми его психопиротехническими эффектами восприняли всерьез далеко не сразу и не все. Особенно не принимало его поначалу черное население Америки. Они возмущались и называли его извратителем их музыки. Хендрикс долго оставался предметом обожания в основном для психоделически настроенных белых — огромной аудитории, постоянно ищущей неизведанные звуковые ощущения.
Время шло дальше. Новые психоделические эксперименты устаревали. А вместе с ними и выходили из моды многие звуковые эффекты. Джимми Хендрикс стал исторической личностью, и его записи так и остались высшим эталоном того, что можно извлечь из гитары с помощью технического прогресса плюс возбужденного музыкального воображения. Но вот через двадцать с лишним лет после описываемых событий, уже в 1991-м году, над музыкальным небосклоном планеты разгорается еще одна супер-нова — звезда Бадди Гая. Причем лишь немногие помнили его по былым временам.
Звук его старого “Фендера-Стратокастера” чист и традиционен. Никаких педалей “Wah-Wah”. Все так, как когда-то хотели братья Чесс. И в то же время это современный саунд блюза, ставший эталоном для 90-х. Время вносит свои коррективы. Сейчас 62-летний Бадди Гай — лауреат “Грэмми”, создатель нескольких золотых и платиновых альбомов, широко известный во всем мире, владелец клуба “Бадди Гай ледженд” — всемирной Мекки блюз-фанов.
Он — звезда в полном смысле этого слова. Тем не менее никакого головокружения от высоты у него не замечается. Напротив, он даже сконфужен шумихой вокруг себя, и озабочен тем, что известность может помешать ему спокойно общаться с друзьями на улице. И вообще он не считает это нормальным для человека, даже очень талантливого — быть чьим-то кумиром. Такой вот он простой парень с гитарой — Бадди (то есть дружище) Гай.

Собственные альбомы:
1960 - The Complete Chess Studio Recordings (1960-66)
1981 - Stone Crazy!
1991 - Damn Right, I've Got The Blues
1993 - Feels Like Rain
1994 - Slippin`In
1998 - Heavy Love
2001 - Sweet Tea
2003 - Blues Singer
2005 - Bring 'Em In
2008 - Skin Deep

---

Сборники:
1999 - Buddy`s Baddest The Best Of Buddy Guy
2007 - Can't Quit The Blues - CD1
2007 - Can't Quit The Blues - CD2
2007 - Can't Quit The Blues - CD3

---

Совместные работы:
1965 - Junior Wells - Hoodoo Man Blue (Buddy on guitar)
1972 - Buddy Guy & Junior Wells - Play The Blues
1986 - Buddy Guy & Stevie Ray Vaughan - Lone Star Cafe
1988 - Buddy Guy & Junior Wells - Drinkin' TNT 'N' Smokin' Dynamite
1989 - Stevie Ray Vaughan & Buddy Guy - It's Still Called The Blues (Live)

Он начал играть на гитаре в 13 лет, которую ему подарили вместо бейсбольной перчатки на день рождения. Очень скоро, благодаря радио и пластинкам родителей, КД пристрастился к черной музыке, стал принимать участие в клубных концертах.
Omar & The Howlers образовалась в начале 70-х и выступала в родном штате, в 1976 группа в полном составе переехала в «столицу техасского блюза» - Остин.
Первые пластинки получившая признание в городе группа (тогда трио) выпустила на маленьких местных лейблах - "Big Leg Beat" (1980) и "I Told You So" (1984). После выпуска видео-клипа на одну из песен ("Border Girl") группа стала выезжать на гастроли в Европу.
В 1987 она подписывает контракт на выпуск альбомов с Columbia/CBS Records, в том же году выпускает "Hard Times ln The Land Of Plenty", добавив в состав клавишника и второго гитариста. Хотя эта пластинка, также как и "Wall Of Pride" (1988), с музыкальной точки зрения не были плохими, компания посчитала их коммерческую отдачу недостаточной и не продлила контракт с группой. Так The Howlers упустили свой шанс сделаться поп-звёздами.
Следующий альбом группа записывала в Остине для компании Antone's - Monkey Land (1990). С этого момента в Европе диски КД и его группы продавала голландская компания Provogue, поэтому известность музыкантов на старом континенте оказалась выше, чем на их родине.
Полностью блюзовый диск «Blues Bag» Omar And The Howlers вновь в формате трио записали в 1991 для Rounder/Bullseye Blues.
Для «Courts Of Lulu» в 1993 также для Rounder/Bullseye Blues Дайкс впервые привлёк посторонних музыкантов. Включающий песни разных направлений диск озаглавлен в честь бара с таким названием, в котором Омар начинал играть подростком.
Одна из самых цельных работ гитариста и его группы, проникнутая духом Дельты, «Muddy Springs Road» появилась в 1994.
В конце 1997 Дайкс вновь расширил состав группы, пригласи в неё известного харпера Gary Primich.
В 2001 на лейбле Blind Pig Дайкс и группа записали диск своих старых вещей в новых аранжировках "Big Delta". Omar & The Howlers включены как герои местной блюз-роковой сцены в Texas Hall of Fame. В 2007 вышел совместный с гитаристом Джимми Воэном альбом кавер-версий песен Джимми Рида, расхваленный критикой. Дайкс остаётся одним из самых востребованных музыкантов жанра, особенно в Европе.

Собственные работы:
1984 - I Told You So
1987 - Hard Times in the Land of Plenty
1991 - Blues Bag
1992 - Live at Paradiso
1993 - Courts Of Lulu
1995 - Muddy Springs Road
1996 - World Wide Open
1996 - Southern Style
2000 - The Screamin' Cat
2001 - Big Delta
2004 - Boogie Man
2006 - Bamboozled: Live in Germany [LIVE]

---

Совместные работы:
2007 - Omar Kent Dykes & Jimmie Vaughan- On the Jimmy Reed Highway
2009 - Omar Kent Dykes & Jimmie Vaughan - Big Town Playboy

Родился 6 апреля 1951 в семье плотника в Нью-Джерси. О годах, в которые у людей обычно формируются жизненные и эстетические установки Волтер скажет в интервью много лет спустя: «Моё детство — шоу ужаса. Я явился свидетелем неописуемо кошмарного распада семьи…Так бы всё и выглядело, если бы в 15 лет я не нашел отдушину — не начал заниматься гитарой». Возможно, страсть, порой настоящая ярость, слышимые в музыке Троута, отчасти имеют истоком именно его неблагополучное детство. Блюз-рок Уолтера Троута настолько насыщен искренними эмоциями, что явные влияния Хендрикса, Стиви Рэя Воэна, Эдди Ван Халена отходят в суждениях о его музыки на второй план.
В действительности первым инструментом Троута в школьном оркестре стала труба. Несмотря на неблагополучие в доме, Троуты увлекались классическим джазом и успели посвятить в него сына. Первым реальным шагом к музыке стало случайное знакомство мальчика после концерта с Дюком Эллингтоном. Великий джазмен принял его в гримерной, где музыканты общались и разговаривали о выступлении, что произвело на Уолтера сильнейшее впечатление.
Позже Beatles и Майкл Блумфилд убедили Троута, что он должен играть на электрогитаре.
В семидесятые годы Троут профессионально работает в ансамблях разной стилистики, включая группы Джо Тэкса, Биг Мамы Торнтон и Джона Ли Хукера.
В начале 80-х Волтер Троут присоединился в качестве соло-гитариста и гармониста к группе Canned Heat.
Там его заметил и пригласил во вновь возрожденную группу The Bluesbreakers легендарный Джон Мэйолл. Вместе с гитаристом Коко Монтойя Троут составил основу «Блюзбрейкерс» в 80-е годы.
Первый опыт сольной работы он получил по случайности, когда во время концертного тура 1989 года в Голландии заболевший Мэйолл вынужден был предоставить «Блюзбрейкерс» выступать без него. После концерта состоялся разговор Троута с владельцем местной фирмы грамзаписи Provogue, предложившим Волтеру записать сольную пластинку. Тот решил, что 38 лет — более чем достаточный возраст для музыканта его опыта, чтобы начать сольную карьеру.
К этому же времени относятся усилия Волтера Троута, в результате которых он расстается с алкоголем и наркотиками, к которым пристрастился почти 20 лет назад. По признанию Троута, большую роль в этом шаге сыграл Карлос Сантана, который по-дружески посоветовал Троуту сделать выбор между творчеством и наркотической зависимостью. «Бог послал тебе дар, но ты настолько пьян, что оскорбляешь Господа отказом», — произнёс Сантана. «Это повергло меня в шок», — признаётся Троут в позднем интервью.
Первый сольный диск Троута вышел в 90-м году на фирме Provogue. За ним до 1998 года последовало еще 4 диска, составившие Троуту в Европе репутацию и популярность.
Одновременно ориентированность на Европу создала музыканту серьезную проблему, с которой он пытается справиться до сих пор. Троут, живущий с семьей в Южной Калифорнии, блестящий и оригинальный музыкант с 35-летним стажем, начиная с 1998 года ведет битву за признание своего таланта у себя дома, в США, которые являются основным рынком для его музыки и представляют массовую аудиторию для его феноменальных концертов.
Своеобразным прорывом в данном направлении критики считают выход двойного концертного альбома 2000 года. Жестокая ирония этого релиза в том, что когда дело дошло до решительного усилия и на карту было поставлено будущее Троута, он прилетел к месту выступления совершенно больной и был на грани отмены выступления. Лишь усилием воли Троут заставил себя выйти к публике и… сыграл на нервах блестящий концерт.
Четыре последних альбома, включая релиз 2003 года «Relentless», выпущены немецкой фирмой Ruf Records. Их продюсирование и содержание сориентированы на вкусы американской аудитории, хотя «Relentless», состоящий полностью из оригинального нового материала, записан в одном из клубов Амстердама, а не Америки.
Блюзовые догматики не переваривают Волтера Троута, считая его рок-н-ролльным музыкантом, эксплуатирующим блюзовые гармонии. Фирмы грамзаписи, которые выпускают рок, в свою очередь считают Троута блюзменом и не предлагают поэтому ему контракты на запись дисков. Во весь рост стоит и проблема завоевания симпатий земляков, при том, что в Европе Троут неизменно собирает полные залы. Его карьера — пример того, что огромный талант не избавляет блюзмена от серьезнейших проблем.
Бесспорно, что Волтер Троут и его группа The Radicals сегодня входит в число ведущих мировых исполнителей блюз-рока и современного блюза.

1990 - Life In The Jungle
1990 - Prisoner of a Dream
1992 - Positively Beale St
1992 - Live (No More Fish Jokes)
1992 - Transition
1994 - Tellin' Stories
1995 - Breaking The Rules
1999 - Livin' Every Day
2000 - Face The Music (Live On Tour)
2000 - Live Trout [2cd]
2001 - Go The Distance
2003 - Relentless
2005 - Deep Trout (Limited Edition)
2006 - Full Circle
2007 - The Walter Trout Power Trio - Hardcore 2007
2008 - The Outsider

---

1996 - Various Artists - CROSSFIRE - A Salute To Stevie Ray

РФ — самый известный из музыкального клана, начало которому положил его отец Чарльз Форд, профессиональный исполнитель кантри, гитарист. Братья РФ — гармонист Марк, ударник Патрик — также известные артисты, ведущие сольную деятельность, время от времени объединяются с ним для записи и выступлений.
РФ начал музыкальные занятия с игры на саксофоне в школьном ансамбле (до середины 70-х уже как профессионал он играл на саксофоне не меньше, чем на гитаре), в 13 лет освоил гитару и вскоре играл в рок-группе старшего брата Патрика. Кумиром РФ был Майк Блумфилд, большое влияние на него всегда оказывали великие джазмены Джон Колтрейн и Майлз Дэвис.
Первую профессиональную работу РФ получил в 18 лет в группе Чарли Мазелвайта, с которой впервые принял участие в записи в студии — альбом «Takin My Time».
После года работы у Мазелвайта РФ с Патриком и Марком основали собственную группу The Charles Ford Band (по имени отца). Она просуществовала менее года, дав множество концертов в Калифорнии и тут же став сенсацией, выпустила в 1972 альбом и распалась (Марк решил заняться бизнесом).
РФ сразу же сформировал новую группу, ей предложили аккомпанировать на гастролях легендарному блюзовому певцу Джимми Видерспуну (Jimmy Witherspoon). Творческий альянс оказался настолько гармоничным, что по окончании гастролей РФ проработал с ним до 1974, выпустил пару дисков.
Следующие два года РФ играл в составе группы LA Express во время гастролей с певицей Джони Митчелл по США и Канаде.
В стиле fusion выходит первый сольник РФ на Elektra Records «Inside Stories» (1978). В том же году РФ с другими музыкантами основывает играющую в таком стиле группу The Yellowjackets.
В конце 70-х начале 80-х РФ — высоко востребованный сессионный и гастрольный профи, он играет с мировыми звездами (Joni Mitchell, George Harrison, Michael McDonald, David Sanborn, Randy Crawford). В 1986 он почти год гастролирует по Америке и Европе в группе одного из гениев джаза и своего кумира Майлза Дэвиса.
В 1982 происходит объединение Charles Ford Band, который даёт серию успешных концертов и записывает диск (переиздан на фирме Патрика Форда Blue Rock'It Records под названием «A Reunion»). В 1983 и 1984 Charles Ford Band повторяет reunion gigs, даже выезжает в Европу, материалы этих гастролей компилируются для диска «As Real As It Gets» на том же лебле.
В конце 80-х РФ возвращается к блюзу, формируя новую группу и записывая альбом «Talk To Your Daughter» (1988), который обозначил его интересы на первую половину 90-х — гитарный modern blues с элементами современного джаза. Альбом номинируется на Грэмми.
Очередной проект РФ — группа The Blue Line — продолжает в этом направлении, с диском 1992.
Последовавшие за ним «Mistic Mile» (1993) и «Handful of Blues» (1994) исчерпали острый интерес музыканту к блюзу, и, хотя он вновь дважды номинировался на «Грэмми», в очередной раз меняет ориентиры.
Следуют инструментальный «Tiger Walk» (1997) и «Supernatural» (1999), на которых РФ смешивает стили, по его собственным словам, «поклонники (блюза) получают, наверное, всё, что угодно, кроме того, что они ожидали услышать».
В начале нового тысячелетия Форд переживает новый прилив интереса к блюзу, его новые диски «Blue Moon», «Keep On Running» и др., легкие и виртуозные, без сомнения, представляют его на пике творческой формы. В декабре 2007 года Форд впервые выступил в России - в "Московском Международном Доме музыки".

Собственные работы:
1976 - Schizophonic
1979 - The Inside Story
1988 - Robben Ford
1988 - Talk to Your Daughter
1988 - Words and Music
1992 - Robben Ford & the Blue Line
1993 - Mystic Mile
1995 - Handful of Blues
1996 - Blues Connotation
1997 - Discovering the Blues (live 1972-1978)
1997 - Tiger Walk
1998 - The Authorized Bootleg (live)
1999 - Supernatural
2001 - In San Francisco (live)
2001 - A Tribute to Paul Butterfield
2002 - Blue Moon
2003 - Keep on Running
2006 - City Life
2007 - Truth
2009 - Soul On Ten
Принимал участие:
1976 - Jimmy Witherspoon & Robben Ford (live)
1992 - Jimmy Witherspoon & Robben Ford - Live At The Notodden Blues Festival
2004 - Jing Chi - 3D (Vinnie Colaiuta, Robben Ford, Jimmy Haslip)
Сборники:
1997 - Blues Collection
1999 - Sunrise (live)
2001 - Anthology: The Early Years
В разделе DVD:
Robben Ford on DVD

В 1991 году компания «Фендер» пригласила чудо-ребенка в Калифорнию для участие в концертах и записях в честь основателя Лео Фендера. Именно там Джо познакомился со сверстниками, составившими впоследствии одну из самых занятных групп в истории американского рока – The Bloodline. Необычность ее состояла в том, что членами ансамбля являлись дети знаменитых музыкантов. Так, на барабанах играл сын Майлза Дэвиса, на гитаре – отпрыск Робби Кригера, гитариста легендарных The Doors, а бас-гитарой распоряжался Берри Оукли-младший, сын погибшего в 1971 басиста «Братьев Оллманов». Этот состав, где Джо Бонамаса проработал пару лет, записал диск и получил широкую известность благодаря двум популярным синглам и распался на пике успеха.
В 2000 году Джо выпустил дебютный диск, который произвел сильное впечатление на музыкальное сообщество Америки. Название ему дала песня 1969 года группы Джентро Талл «A New Day Yesterday», что обозначало одновременно и концепцию диска, и вкусы Джо. 22-летний гитарист, певец и отныне – композитор в компании звезд первой величины и под водительством легендарного продюсера Тома Дауда произвел на свет альбом великолепного «взрослого» рока в стиле английской музыки рубежа 60-70-х годов. В записи приняли участие Gregg Allman, Rick Derringer, Leslie West.
После почти годичных гастролей в поддержку своего дебюта Джо вернулся в студию и записал диск «So, It's Like That», довольно далеко отстоящий по саунду и стилистике от «A New Day Yesterday». В нем было больше эксперимента и вызова, он тяготел к поиску нового в композиции и требовал от слушателя терпения и понимания. Хотя альбом несколько месяцев находился в чарте «лучших блюзовых дисков» ведущего издания музыкального бизнеса «Биллборд», широкая публика отнеслась к нему прохладно.
2003 год формально был объявлен сенатом Конгресса США «годом блюза». Для блюзового сообщества Америки это был хороший повод еще раз напомнить нации о себе и извлечь из этого известные дивиденды. Бонамаса стал активным участником целого ряда культурных и пиаровских проектов этого года, проходившего при спонсорстве концерна «Фольксваген». Однако в итоговый сборный концерт в Нью-Йорке, материалы которого вышли впоследствии в виде фильма известного режиссера Антонио Фукуа и двойного альбома, Джо не попал – его по каким-то причинам не пригласили. В этот год он выпустил простой и эффектный альбом «Blues Deluxe» с каверами блюзовых стандартов, ставший его личным бестселлером.
В 2004 году Джо сделал еще одну приятную, сугубо гитарную пластинку «Had To Cry Today» в формате «пауэр трио», музыкально явившуюся продолжением предыдущего диска. Ничего нового на этом релизе Джо для публики не открыл, и послышались робкие вопросы критиков: не начало ли это заката карьеры блестящего слингера»?
Скептиков опроверг диск 2006 года «You & Me», неожиданно сместивший акценты в видении многогранного таланта Бонамасы: хотя музыкант твердо держался корней, на первый план выдвинулся его по-настоящему сильный и красивый голос и возможности композитора. Звук диска стал более глубоким, не столь одномерно-гитарным благодаря активному использованию клавиш. Впервые в музыке слингера использовался звук, хотя и синтезированный, смычковых инструментов. Альбом он записывал не со своим ансамблем, а с приглашенными музыкантами, из обоймы Дэвида Боуи, в частности.
В своем крайне плотном гастрольном графике Бонамасcа находит время для участия в мастер-классах в университетских кампусах, а также для пропагандистской и преподавательской деятельности в рамках программы «Блюз в школах», которую осуществляет американский «Фонд Блюза».

2001 - A New Day Yesterday
2001 - A New Day Yesterday (Live)
2002 - So, It's Like That
2003 - Blues Deluxe
2004 - Had To Cry Today
2006 - You & Me
2007 - Sloe Gin
2008 - At BBC Maida Vale Studio
2008 - Live From Nowhere In Particular (2 CD)
2009 - The Ballad Of John Henry

Случай подтолкнул ДХ к использованию нетрадиционной для блюзмена технике звукоизвлечения. Во время игры в футбол он сломал мизинец левой руки и вынужден был попробовать играть, передвигая руку в гипсе со слайдом сверху грифа, а не снизу, как все гитаристы. Манера закрепилась навсегда, она дала специфический, фирменный звук ДХ, сценический образ.
К середине 70-х ДХ регулярно выступал в ряде городков запада Австралии, в 80-е ничего не изменилось в карьере гитариста, за исключением его последовательного профессионального прогресса.
Лишь в 1991 ДХ на собственные сбережения выпустил альбом «Short Fuse Blues», которому суждено было кардинальным образом изменить его судьбу. Одну из копий он отправил по почте в редакцию американского журнала Guitar Player. Летом 1991 журнал поместил почти восторженную рецензию на диск. Более того. Редактор Guitar Player передал альбом владельцу компании Alligator Records Брюсу Инглееру, который в свою очередь тут же предложил ДХ контракт на запись нескольких альбомов. В Европе диски ДХ с 1991 издаются голландской компанией Provogue Records, позже Dixie Frog.
Гастроли в США и Европе, в частности, совместные с Гэри Муром, публикации в ведущих музыкальных изданиях принесли международную известность.
В 1992 ДХ выпустил второй диск «The Plumber» (на Аллигаторе не выходил).
Каждый последующий альбом, за исключением «Steel On Steel», становился бестселлером и попадал в разряд «лучшее в современном блюзе».
Венцом деятельности ДХ стал концертный THE LIVE ONE (2003).
За свой «звездный» период ДХ предпринял 10 мировых турне.

1993 - The Plumber
1993 - Working Overtime
1995 - Steel On Steel
1996 - Short Fuse Blues
1997 - Ticket To Chicago
1999 - Under The Spell
2001 - Outside Looking In
2003 - The Live One
2007 - Rough Diamond

В 1966 после того, как Эрик Клэптон уходит из John Mayall's Bluesbreakers, ПГ занимает его место. До этого он уже сыграл несколько концертов в составе группы, когда Клэптон в ней временно отсутствовал. ПГ быстро перенимает репертуар и точно копирует партии Клэптона, однако перед ним стоит задача обрести собственное лицо в искусстве блюза. Это происходит очень быстро, когда готовится и записывается альбом "A Hard Road" (1967). ПГ пишет для альбома две композиции – инструментал "The Supernatural" и песню "The Same Way".
На 20-й день рождения ПГ получил в подарок от Мейолла час студийного времени, во время этой сессии он записал вместе с Миком и басистом Джоном Макви (John McVie) четыре композиции, включая песню "First Train Home" и инструментал под названием "Fleetwood Mac".
ПГ ушел из Bluesbreakers в середине июня 1967, образовал группу "Peter Green's Fleetwood Mac featuring Jeremy Spencer" - так значилось а афишах. По совету продюсера Майка Вернона (Mike Vernon) ПГ включил в состав, кроме Мика Флитвуда и слайд-гитариста Джереми Спенсера, басиста Боба Браннинга (Bob Brunning).
В таком составе группа выпустила в 1968 дебютный альбом с чикагским блюзом, продержавшийся в списке лучших альбомов около года.
В этот период в группу приходит Джон Макви, она записывает два сингла "Black Magic Woman" и "Albatross", причем второй занимает высшую позицию в британском хит-параде.
В 1968 ПГ и его ансамбль впервые едут в США и выпускают второй альбом "Mr. Wonderful". В Чикаго они записывают сымпровизированный в студии Chess Records в Чикаго альбом с участием местных блюзовых знаменитостей (Otis Spann, Willie Dixon) - "Blues Jam At Chess" (вышел в 1969).
В период, предшествовавший выходу третьего диска группы, стало очевидно, что в психическом состоянии ПГ происходят настораживающие перемены. Окружающие объясняли депрессивное, непредсказуемое поведение лидера одной из самых успешных британских групп чрезмерным увлечением наркотиками. Отпустивший бороду ПГ носил на груди массивный крест, одевался в робу и сочинял песни, заполненные туманным и мрачным текстом, например, "Rattlesnake Shake". Он старался убедить коллег отказаться от заработанных денег, отдать их на благотворительность. ПГ фактически устранился от участия в работе над диском "Then Play On" (1969), предоставив сыграть гитарные партии Дэнни Кирвану, третьему гитаристу ансамбля (Danny Kirwan).
Несмотря на описанные проблемы новая песня Грина в исполнении Флитвуд Мек "Oh Well" стала в 1969 хитом в Англии и ряде стран Европы.
В апреле 1970 ПГ заявил об уходе из группы. Почти одновременно появился написанный им очередной хит Флитвуд Мек "The Green Manalishi".
Последующие несколько лет ПГ оставался активным концертным и сессионным музыкантом. Он выступает в Лондоне, участвует в записи дисков Би Би Кинга, Мемфиса Слима и др. В конце 1970 появляется сымпровизированный за одну ночь в студии сольник "The End of the Game" – первый и последний за 9 последующих лет. В этот же период вышло несколько синглов на фирме «Reprise».
В феврале 1971 года ПГ присоединился к «Флитвуд Мэк» во время их американских гастролей, так как Джереми Спенсер покинул группу, и она не могла играть в разгар гастролей без соло-гитариста. Музыканта сделали предложение присоединиться к группе Stone the Crows, которое он, после долгих колебаний, отклонил.
ПГ вел странную жизнь, всё отдаляясь от музыки, менял профессии - от могильщика до медбрата. Родные, обеспокоенные состоянием его рассудка, в итоге поместили Питера в одну из лондонских клиник для курса шокотерапии, что привело не столько к улучшению, сколько к серьезному углублению болезни. К середине 70-х годов мало кто мог узнать в Питере Грине звезду эстрады.
В начале 1977 года ПГ арестовали за угрозу применения оружия в отношении человека, пытавшегося передать Грину очередной чек по оплате его авторских прав на издававшиеся записи (около 30 тыс. фунтов в год). Из тюрьмы Грина перевезли в психиатрическую больницу.
В 1978 году ПГ вступил в брак с Джейн Сэмуэлс, от которого родилась дочь Розбад-Сэмуэлс Гринбаум.
К сожалению, улучшение в состоянии ПГ было непродолжительным. Его брак фактически распался, так же как скандально сорвался его сенсационный контракт с компанией Warner Bros., который намечался благодаря вмешательству Мика Флитвуда. Буквально в момент подписания контракта (миллион долларов за три альбома) Грин отверг его, заявив, что не возьмет «денег сатаны». Флитвуду пришлось возвратить компании уже выданный его ненормальному другу аванс.
Следующий период ремиссии и, соответственно, творческой активности ПГ приходится на 1979 год. При помощи брата Майкла Питер Грин вступает в деловые отношения с независимой фирмой звукозаписи PVK Records. Идея партнеров состояла в том, чтобы окружить ПГ в студии старыми друзьями, доверенными лицами, чтобы создать максимально комфортную для него атмосферу. План сработал. В результате появилась пластинка «In the Skies». В следующем году последовал диск «Little Dreamer», а в марте 1981 – «Watcha Gonna Do?». Все эти пластинки имели определенный успех в Европе (в США не издавались), поскольку наполнены хорошими мелодиями разной стилистической направленности. Широкой публике, однако было неизвестно, что чем дальше, тем меньше Питер Грин во всех отношениях участвовал в создании музыки на этих дисках, а гитарные партии за него исполняли другие музыканты. В 1983 появляется диск «Kolors», которым заканчивается дискографическая активность ПГ в 80-х.
Последний проект десятилетия была группа «Katmandu», образованная в 1984 году. Некоторое время ПГ гастролировал с ней по Европе но, несмотря на усилия менеджеров, до записи пластинки дело не дошло.
Последующие 6 лет Питер Грин уединенно живет в Ричмонде, безостановочно принимая транквилизаторы и общаясь лишь с голосами, звучащими у него в голове. Биографы называют состояние ПГ, усугублявшееся принятием наркотиков, наиболее мрачным периодом его жизни.
В начале 1992 года по настоянию родных ПГ переезжает в дом старшего брата Лена, начинается медленный и сложный процесс сначала стабилизации, а затем улучшения его ментального состояния. Тем временем выходит целый ряд пластинок, ставящих до сих пор в тупик коллекционеров и поклонников: в действительности они являлись разного рода компиляциями.
Середину 90-х годов можно считать началом второй жизни Питера Грина. В 1995 году ПГ и его старый друг Найджел Вотсон сформировали The Splinter Group. Уже в следующем году группа давала до 150 концертов в Европе, а в 1997 выпустила пластинку блюзов.
1998 отмечен двумя событиями. Во-первых, ПГ был включен в зал славы рок-н-ролла, во время церемонии он появился на сцене вместе с тогдашним составом группы Флитвуд Мэк, импровизировал с Карлосом Сантаной песню «Black Magic Woman», которая никогда не была хитом в его исполнении в отличие от интерпретации Сантаны. В этом же году вышел диск «The Robert Johnson Songbook». Впервые ансамбль выступал в США, в его репертуаре кроме нового материала и старые песни ПГ.
В конце 90-х последовали двойной концертный альбом «Soho Sessions» и вторая коллекция песен Роберта Джонсона в исполнении ПГ и его коллег – «Hotfoot Powder».
В 2003 году появился диск с оригинальным материалом «Reaching The Gold 100», а также DVD «An Evening with Peter Green Splinter Group in Concert».
В конце того же года в британской прессе появилось сообщение, что Питер Грин якобы покинул Splinter Group. В публикациях также говорилось, что он находится под опёкой Государственного Надзорного Агентства, которое, в частности, занимается финансовыми проблемами людей с психическими отклонениями. Из данной информации невозможно сделать вывод о серьезности проблем ПГ, однако косвенным образом она подтверждает факт их возникновения.
Далеко не всякий музыкант может хотя бы помыслить о том, чтобы исполнять великие композиции прошлого, давно уже ставшие классикой жанра. Но только не Питер Грин. На сей раз величие фигуры легендарного британского блюзового гитариста, одного из отцов-основателей группы Fleetwood Mac, соизмеримо с величием человека, кавер-версии чьих произведений Питер исполняет на своем новейшем (и первом за 17 лет!) студийном альбоме, который выходит в свет на сублэйбле Artisan Recordings британской независимой фирмы Snapper Music 18 мая. Это - Роберт Лирой Джонсон (1911-1938), настоящий изобретатель рок-н-ролла. Альбом же называется "The Robert Johnson Songbook".
Питер Грин отчего-то известен на Руси в основном как любимый гитарист Гэри Мура (Гэри Мура новейшего периода, естественно). И мало кто здесь склонен вспоминать, что Питер - одна из величайших звезд британского блюза и автор хита "Black Magic Woman", ставшего воистину бессмертным в исполнении Карлоса Сантаны и его группы.
Восхождение молодого Питера Гринбаума (Грин - сценический псевдоним) к славе началось в первой половине 60-х в лондонском Ист-Энде, в клубах которого Питер выступал в биг-битовом составе Peter B's будущего клавишника Camel Питера Барденса, играя на бас-гитаре. Именно в этой группе состоялось знакомство Грина и будущего сооснователя Fleetwood Mac, барабанщика Мика Флитвуда. Но всего год спустя Питер стал лидер-гитаристом группы, вскоре сменившей свое название на Shotgun Express (ее вокалистом в то время был Род Стюарт), а стилистику - на ритм-энд-блюз.
В 1966-м последовало предложение, от которого было невозможно отказаться: не кто-нибудь, а один из крестных отцов британского блюза Джон Мэйолл пригласил Питера в свою группу Bluesbreakers как замену Эрику Клэптону. Именно этому составу, куда помимо Джона и Питера входили барабанщик Эйнсли Данбар и басист Джон Мэкви, было суждено записать одну из лучших работ британского блюза за всю его историю - альбом "A Hard Road". А уже в 1967 году Питер и Джон Мэкви, ища выход собственным амбициям, объединились с Миком Флитвудом и Джереми Спенсером в группе, поначалу носившей более чем красноречивое название Peter Green's Fleetwood Mac. И хотя спустя несколько месяцев название молодого коллектива сократилось до общеизвестного, никогда и ни у кого не возникало сомнения - кто же является истинным лидером группы. Увы, трехлетняя история Fleetwood Mac как группы Питера Грина, даровавшей человечеству такие композиции, как "Albatross", "Man Of The World", "Oh Well", "The Green Manalishi" и, естественно, "Black Magic Woman" (все они в разное время попадали в британский Топ-5), завершилась в мае 1970-го: интерес Питера к эксцентрическим формам христианства привел его к уходу не только из Fleetwood Mac, но и вообще из музыкального бизнеса. Его последним "прощай" огромной массе поклонников стал, казалось, вялый сольник "The End Of The Game" да неожиданное гостевое участие в американском турне родной группы годом позже. 70-е - эпоха слухов, порожденных жизненными приключениями Питера Грина. Да, на счету Грина - отнюдь не музыкальные достижения: жизнь в религиозной коммуне в Израиле, работа то могильщиком, то санитаром и в конце концов - помещение музыканта в 1977-м в психбольницу. Оба сольных альбома, записанные Питером в 1981 году, не изменили этой печальной ситуации...
И тем удивительнее оказалось триумфальное возвращение Питера к активной деятельности полтора года назад с серией концертов нового состава The Splinter Group по залам и аренам Великобритании. Превосходный безымянный концертный альбом, составленный исключительно из классического блюзового материала, был выпущен 13 мая прошлого года: концертные версии, записанные вместе с гитаристом Найджелом Уотерсом, работавшим в начале 70-х в Fleetwood Mac, клавишником Спайком Эдни (экс-Dexy's Midnight Runners) и величайшей хэви-металлической ритм-секцией всех времен и народов - Нилом Мюрреем и Кози Пауэллом, оказались разбавлены двумя замечательными акустическими студийными номерами - кавер-версиями "Hitch Hiking Woman" Блэк Эйса и "Travelling Riverside Blues" Роберта Джонсона. И человечество вспомнило о Питере Грине - в самом конце года он отыграл несколько концертов с Би Би Кингом, а в январе его имя было торжественно занесено в нью-йоркский Rock And Roll Hall Of Fame. На сцене по окончании торжественной церемонии воистину суперзвездным составом - Питер Грин, Мик Флитвуд, Джон Мэкви и Карлос Сантана - была исполнена, естественно, бессмертная "Black Magic Woman".
Продолжение следует: в самые ближайшие дни нам предстоит знакомство с новой и, без всякого сомнения, шедевральной работой Питера Грина: в "The Robert Johnson Songbook" вошли 16 из 29 написанных загадочным изобретателем рок-н-ролла композиций. В записи альбома принял участие новый состав The Splinter Group: Найджел Уотерс, Нил Мюррей, пианист Роджер Коттон и барабанщик Ларри Толфри. В качестве важного гостя на альбоме профигурировал экс-вокалист Free, Bad Company и The Firm Пол Роджерс, а продюсером работы стал неоднократный обладатель Grammy Кенни Дентон, начинавший свою карьеру инженером Pye Mobile Studio почти три десятилетия назад и записывавший легендарные выступления Джими Хендрикса в Альберт-Холле и на фестивале Isle Of Wight. Что ж, обстоятельства жизни и творчества Питера Грина дают все основания надеяться на то, что именно ему суждено гораздо глубже, чем кому-либо, проникнуть в мрачные глубины творчества Роберта Джонсона. Да, Питер Грин ныне вышел на тот же перекресток, что и Роберт Джонсон шестьдесят лет назад. Но дьявол, надеюсь, там больше не появится.

Собственные альбомы:
1979 - In The Skies
1979 - Whatcha Gonna Do?
1988 - Legend
1996 - Green and Guitar. The Best of Peter Green 1977-1981
1997 - Splinter Group
1998 - Peter Green with Nigel Watson - Robert Johnson Songbook
1999 - Peter Green Splinter Group - Destiny Road
2000 - Peter Green & Nigel Watson Splinter Group "Hot Foot Powder" 2000
2002 - Peter Plays the Blues: The Classic Compositions of Robert Johnson

---

Трибьюты:
1995 - Gary Moore - Blues for Greeny
2001 - Bernie Marsden (ex.Whitesnake) - Green And Blues (Tribute To Peter Green)

Пути Колмана и Алмира пересеклись в Нью-Йорке в начале 70-х. К тому времени Алмир провел 60-е годы в самой гуще прогрессивного и максимально агрессивного новейшего стиля черной музыки funk. После общения с Орнеттом Колманом и его идеями он стал поклонником описанной свободы, а гитара его зазвучала грубо, «жирно», спотыкаясь и шарахаясь подобно мечущемуся в поисках ускользающих нот саксофону. Сильнейшее влияние на звук Алмира — нехарактерно громкий и резкий для джазовой гитары — оказал Хендрикс.
Обширная дискография музыканта ведёт отсчёт с конца 70-х и наравне с интересными работами включает диски, которые можно отнести к музыкальной эксцентрике, «эксперименту ради эксперимента». В начале 80-х Алмер основал The Music Revelation Ensemble, формально существующий поныне.
В 90-е годы Алмер выпустил несколько альбомов, название которых включало слово «blues». Альбомы нельзя безоговорочно отнести к этому жанру, однако они обозначили нечто вроде обращения музыканта к собственным этнокультурным корням. В 90-е годы альбомы Алмира стали проще, музыка стала более структурирована, что можно расценивать, как охлаждение к крайностям, что есть знак творческой зрелости.
Тенденция получила завершение в релизе 2003 года «Memphis Blood: The Sun Sessions». Альбом Алмер записал в знаменитой студии «Sun Records» в Мемфисе, где работали знаменитые блюзмены и рок-н-рольщики, начиная с Эвиса Пресли и Хаулина Вулфа. Продюсером и соавтором альбома стал легендарный рок-гитарист группы «Livin Colours» Вернон Рейд. Вся работа уложилась в 3 дня. В отличие от львиной доли записей Алмира, здесь нет саксофона, зато есть великолепная гармоника. Диск укомплектован золотой классикой — песнями Вилли Диксона, Джона Ли Хукера, Мадди Вотерса, Отиса Раша, Хаулина Вульфа.
В заключении стоит отметить, что сложная музыка оригинального гитариста необычайно популярна среди российских филофонистов. После выхода в 2003 двух альбомов «Memphis Blood» и «No Escape from the Blues» подтвердилась простая истина: Алмир, как и любой негр с электрогитарой, всегда был блюзменом, просто его путь лежал несколько в стороне от стандартного подхода, где-то в джунглях экспериментов. Значительные силы он положил на то, чтобы преодолеть притяжение блюза. Теперь очевидно: есть особый блюз Джеймса Блад Алмира, он как нельзя ярче высвечивается на блюзовых стандартах.

1978 - Tales of Captain Black
1982 - Black Rock
1990 - Black and Blues
2003 - Memphis Blood:The Sun Sessions
2003 - No Escape From The Blues
2005 - Birthright
2007 - Bad Blood in the City

Уже к шести годам Хили выступал перед публикой, исполняя песни всевозможных стилей и аккомпанируя себе столь необычным способом. К подростковому возрасту он сменил уже несколько групп разных стилей. К 14-ти годам Джефф Хили активно сотрудничал с «Канадской Радиокорпорацией». Он создавал радиопередачи, посвященные классическому джазу, фанатичное увлечение которым началось у Хили в раннем возрасте. В начальных классах школы он принялся собирать коллекцию джазовых граммофонных пластинок на 78 оборотов, которая сейчас составляет порядка 25 тысяч дисков.
Недолгое время Джефф проучился музыке в колледже (менее года), посвящая главное время работе в клубах и самостоятельному освоению музыкальной теории.
В середине 80-х случился эпизод, определивший его последующую феноменальную карьеру. Уже тогда Хили был известен как блистательный участник блюзовых джемов в клубах Торонто. Во время гастролей там Элберта Коллинза один из знакомых знаменитого блюзмена уговорил его позволить местному юноше поимпровизировать с маэстро. Коллинз согласился и был потрясен игрой Джеффа. Впоследствии такое же впечатление Хили произвел на Стиви Рэя Воэна и Би Би Кинга. Спустя пару лет не без содействия Коллинза Джефф объездил с концертами США, познакомился с важными в шоу-бизнесе людьми.
Это привело в конце 80-х к контракту с крупной фирмой «Arista Records». К тому времени Хили уже несколько лет выступал в сопровождении двух музыкантов, до сих пор остающихся его верными спутниками в бизнесе. Бывший архитектор Том Стифен, ставший барабанщиком The Jeff Healey Band, и бас-гитарст Джо Рокман, к моменту знакомства с Джеффом в середине 80-х — концертный ветеран, пианист и гитарист с классическим образованием.
Начиная с 1988 события стали стремительно развиваться. На «Arista Records» выходит дебютный «See The Light», содержавший оригинальные песни, а также вещи ZZ Top и Freddie King. Две оригинальны композиции попали в чарты — «Confidence Man» и «Angel Eyes». Вторая — на пятое место в Billboard Hot 100. Громкий успех повлёк приглашение Джеффа в самые популярные общенациональные теле-шоу США Late Night with David Letterman и The Tonight Show with Johnny Carson, в результате о нём узнала вся Америка. See The Light получил платиновый сертификат — в США он разошелся миллионным тиражом — и номинировался на Грэмми в категории «Лучший инструментал» за композицию «Hideaway».
В этом же году Джефф Хили снялся и записал звуковую дорожку в фильме с участием Патрика Суизи «Road House». Саундтрек выпущен в виде отдельного диска в 1989.
По словам самого Хили, последовавшие три года пронеслись вихрем — безостановочные гастроли, ТВ и радио интервью, участие в фестивалях, ток-шоу. Три относительно спокойных месяца в тот период ушли на запись второго альбома Hell To Pay (1990) с участием супер-звезд рока (Mark Knopfler, Paul Shaffer, Bobby Whitlock, George Harrison). Диск получил статус «золотого» в Штатах, в мире в тот год было продано два миллиона копий.
В 1991 Хили основал компанию звукозаписи (сейчас называется Forte Records and Productions), он записывает на ней начинающих артистов по собственному вкусу, а также в 1992 выпускает свой третий cd Feel This, рекламировать который он отправляется в совместные гастроли с Бон Джови. Диск содержал блюз, рок, баллады в традиционном американском стиле, а также элементы рэпа.
Возвращение к блюзовым корням наметилось с 1994 года, когда Хили выступил в известном в Оттаве музыкальном клубе at Grossman's Tavern, где начиналась его профессиональная карьера, с программой, состоящей лишь из блюзовых стандартов. С этого момента они превалировали в репертуаре музыканта. В 1995 году он выпускает альбом Cover to Cover, отражающий увлечение чистым блюзом и брит-роком 60-х. Альбом вновь номинируется на «Грэмми», и.. вновь не получает премии.
1995 год стал переломным в судьбе Джеффа Хили. Истекает срок контракта на выпуск дисков с Arista. У него рождается дочь, музыкант решает на время прервать бурную профессиональную деятельность и совершенно исчезает из видимости прессы и широкой публики. The Jeff Healey Band просуществовал к тому сроку уже 12 лет, его лидер попробовал в шоу-бизнесе всего — большого успеха, больших денег, славы, пристрастия к наркотикам, посчитал, что в этой профессии он прошел полный круг. Почти 5 лет Джефф Хили не вел активной гастрольной деятельности, не выпускал новых дисков. В 1998 и 1999 вышли две компиляции. В 1999 Хили исполнил партии гитары и трубы на пластинке джазмена Алекса Пэнгмана «They Say».
В 2000 после долгого перерыва он выпустил пластинку «Get Me Some», готовившуюся почти два года, дал серию концертов в Канаде и США. Однако через короткое время он вновь прекратил выступать, а в канадской прессе появились интервью Хили, в которых он сообщал, что хочет заняться джазом, и, возможно, альбом «Get Me Some» станет последним в ряду его блюз-роковых работ.
В 2001 Джефф Хили открыл в Торонто собственный музыкальный клуб Jeff Healey's Club, в котором выступает в совместных джемах каждую неделю. Он играет на старой гитаре «гибсон», на трубе и тромбоне в составе ансамбля Jazz Wizards, исполняющего традиционный джаз. Музыкант вернулся к деятельности радиоведущего, вновь выпустил на волне CNC серию программ о джазе первой половины 20-го века My Kinda Jazz, используя для этого свою легендарную коллекцию граммофонных пластинок.
The Jeff Healey Band перестал существовать в начале 2002.
R.I.P.
02.03.08

1988 - See The Light
1990 - Hell To Pay
1992 - Feel This
1995 - Cover To Cover
1998 - The Very Best
1999 - Live At Montreux (Eagle Records)
2000 - Get Me Some
2006 - Jeff Healey & The Jazz Wizards - It's Tight Like That
2006 - Among Friends
2006 - Adventures In Jazzland
2008 - Mess of Blues

Рори Галлахер родился 2 марта 1948 года в Корке (Ирландия). Уже в 9 лет он был страстным поклонником блюза и фольклора и имел записи LEADBELLY, BUDDY GUY, FREDDIE KING, ALBERT KING, MUDDY WATERS, JOHN LEE HOOKER… Эти исполнители оказали впоследствии большое влияние на его творчество. В этом же возрасте он начал самостоятельно осваивать гитару, а в 12 он стал победителем в местном конкурсе молодых талантов и на полученное вознаграждение купил свою первую электрогитару. В 1961 году он сформировал свою первую группу, а двумя годами позже купил за 100 фунтов гитару (Stratocaster '61 Sunburst), которая впоследствии стала "визитной карточкой" музыканта. В возрасте 16 лет он отправился на гастроли по Великобритании с поп-группой FONTANA SHOW BAND, которая впоследствии была переименована в THE IMPACT. Вскоре группа распалась, и Рори вместе с барабанщиком и басистом организовал трио, которое просуществовало совсем недолго и успело отыграть всего несколько концертов в блюзовых клубах Гамбурга.
В 1967 году он формирует новое трио - TASTE, и группа начинает активно гастролировать в Германии и Великобритании. К середине 1968 года состав группы стабилизировался, и они отправились на гастроли в США и Канаду в качестве разогревающего состава для группы Эрика Клэптона BLIND FAITH. Помимо Галлахера в TASTE входили: Charley McCracken - бас, John Wilson - ударные.
В период с 1969 по 1971 год Taste выпустила 3 великолепных альбома. Выдержанный в стилистике CREAM, их динамичный жесткий блюз-рок нашел живой отклик у слушателей. Группа активно гастролировала и собирала на своих концертах толпы поклонников, особенно в США. Вскоре они по популярности вплотную приблизились к командам "высшей лиги".Казалось, что дела у них идут исключительно хорошо, но неожиданно музыканты объявляют о прекращении совместной деятельности. Причиной тому стало недовольство остальных членов группы (которые каждый сам по себе были незаурядными музыкантами) тем, что виртуозная игра Галлахера отодвигает их на второй план. По существу, им отводилась роль аккомпанирующего состава, что их никак не устраивало.
Начиная с 1971 года, Рори Галлахер выступает под собственным именем. Состав его группы часто меняется. В разное время её участниками были: Wilgar Campbeel, Rod De Ath (Ex KILLING FLOOR), Gerry McAvoy, Louis Martin (Ex KILLING FLOOR), Ted McKenna (Ex SENSATIONAL ALEX HARVEY BAND, позднее GREG LAKE BAND), Alan O'Duffy, Brendan O'Neil. Так же, в записи дебютного альбома принимал участие в качестве гостя клавишник ATOMIC ROOSTER Винсент Крэйн (Vincent Crane).
В начале семидесятых Рори Галлахер участвовал в выступлениях таких классиков блюза, как MUDDY WATERS, HOWLIN' WOLF и ALBERT KING, что само по себе характеризует его как исключительного гитариста, ведь то, что чернокожие исполнители признали белого музыканта достойным играть блюз говорит о многом. В 1975 году он принял участие в записи альбома ROLLING STONES "Black and Blue".
В семидесятые годы он выпустил 11 альбомов, среди которых трудно выделить лучший. Все они представляют собой обычный тяжелый блюз-рок, то есть мэйнстрим того времени, но обращает на себя внимание не то, ЧТО он играет, а то, КАК он это делает. Исключительный профессионализм и хорошее чувство блюза ставят его в один ряд с лучшими рок-музыкантами того времени, что признается большинством любителей подобной музыки и критиков. Ведущие музыкальные издания не раз признавали его одним из сильнейших британских гитаристов, а в 1972 году журнал Melody Maker признал его лучшим гитаристом в мировой рок-музыке. В те годы он так же сотрудничал с такими исполнителями, как Jimmi Page, Keith Moon, Keith Richards.
Как концертный исполнитель, Рори Галлахер так же оказался на высоте. Он умел "завести" аудиторию, заставить её чувствовать и воспринимать музыку, на его концертах всегда присутствовало чувство единения музыкантов и зала. Сказывались его простота в общении и коммуникабельность. Он никак не походил на "крутую знаменитость". Особенно стоит отметить его выступления в Белфасте в середине семидесятых. Это было время, когда противостояние католиков и протестантов в Северной Ирландии достигло своей высшей точки. На улицах шли настоящие бои между британскими солдатами и боевиками ИРА. Выступать там было далеко небезопасно, и мало кто отваживался на это. Рори Галлахер каждый год устраивал там выступления, зачастую бесплатно, так как учитывал тяжелое экономическое положение и то, что многие его поклонники были студентами. Он не поддерживал ни одну из конфликтующих сторон и старался своими концертами способствовать примирению общин. Он пользовался значительным авторитетом у молодежи как ирландец, добившийся признания на международном уровне.
Dino McGarthland (один из организаторов концертов): "Другие группы считали, что Рори совершал безумие, играя в Северной Ирландии. Хорошо играть в Дублине, Корке, но выступать в Белфасте… Это неслыханно. Но каждый раз когда он играл там, они продавали четыре билета из возможных пяти. В зале был полный погром, так как люди принимали его близко к сердцу. Он был фантастическим исполнителем".
Gerry McAvoy (басист): "Первую ночь мы играли в Белфасте (1971г). В тот день в городе было взорвано 10 бомб. Мы всегда волновались, но мы должны были действовать и делать это. Никто не играл в Белфасте, а Рори делал это каждый год, и его уважали за это, восхищались им. Это объединяло общины протестантов и католиков. Не было деления на своих и чужих. В течение трех часов различия были забыты, и мы видели это на их лицах".
Donald Gallagher: "Рори был принят всеми сторонами. Я не могу сказать, что он был неуязвим, но имелся элемент этого. Особенно в Ольстерском зале, где проходили белфастские концерты. На той улице взрывы звучали так часто, что её прозвали "Переулок Бомбы". Он никогда не чувствовал иммунитета к какой либо случайности, но чувствовал, что был огражден так или иначе. Они знали, что в зале были и свои и чужие вперемешку и не рискнули бить по своим".
Глубокий кризис, в котором оказалась рок-музыка в начале восьмидесятых, наложил свой отпечаток и на творчество Галахера. Альбом 1982 года получился посредственным и неинтересным. Это был уже скорее глиттер-рок или глэм. Он справедливо решил, что "лучше меньше, да лучше", и следующий студийный диск вышел только в 1987 году. Галлахер хорошо над ним поработал, учтя допущенные ошибки. Альбом получился гораздо лучше своего предшественника, хотя до уровня пластинок семидесятых годов не дотянул. Рори опять решил не спешить и выпустил следующий LP на лейбле Capo Records (который основал в надежде выпускать в дальнейшем работы других блюзовых исполнителей) только через три года. Альбом стал сенсацией. Опять, как 20 лет назад, он вызвал восторженные отзывы критиков и отлично продавался. Кризис явно был преодолен, и Галлахер вновь оказался в числе самых ярких и интересных гитаристов в рок-музыке.
К сожалению, этот альбом оказался последним. Вскоре здоровье Рори Галлахера сильно ухудшилось, и он несколько лет серьезно болел, так как стало сказываться неумеренное потребление алкоголя, чем он грешил в молодости. 14 июня 1995 года он умер в Лондоне в возрасте 47 лет от осложнения после операции по пересадке печени. Месяц спустя после его смерти, в Королевском Альберт Холле в Лондоне состоялся концерт, посвященный памяти музыканта, в котором приняли участие многие знаменитости, в том числе B.B. King, Jimmi Page, Eric Clapton.
Материал с сайта: www.old-rock.ru

В составе Taste:
1969 - Taste
1970 - On The Boards
1971 - Live At The Isle Of Wight
1971 - Live Taste
Под своим именем:
1971 - Rory Gallagher
1971 - Deuce
1972 - Live In Europe
1973 - Blueprint
1973 - Tattoo
1974 - Irish Tour
1975 - Against The Grain (Remastered 1999)
1976 - Calling Card (Remastered 1998)
1978 - Photo Finish
1979 - Top Proirity (Remastered 1999)
1980 - Stage Struck (Remastered 2000)
1982 - Jinx
1987 - Defender (Remastered 1999)
1990 - Fresh Evidence
Компиляции:
1998 - Etched In Blue
1999 - BBC Sessions
2003 - Wheels Within Wheels
2005 - Big Gans - The Very Best Of
2006 - Live At Montreux

---

Видео:
- Irish Tour'74
- Rory Gallagher Complete Rockpalast Collection DVD-1
- Rory Gallagher Complete Rockpalast Collection DVD-2
- Rory Gallagher Complete Rockpalast Collection DVD-3

В 13 лет он начал играть на ударных. В 70-е годы подростком загорелся музыкой британских «гитарных богов» Клэптона, Джеффа Бека, Джимми Пейджа и начал осваивать гитару. Первые около-профессиональные опыты ПЧ относятся к punk: на рубеже 70-80-х играет в панк-группе Chaos, а затем сотрудничает с поэтом-песенником Richard Bell. Во второй половине 80-х полностью переключается на блюз, со временем становится одним из самых популярных артистов в известном нью-йоркском клубе Manny's Carwash.
Первым большим успехом ПЧ стала победа в музыкальном конкурсе и как следствие - возможность открыть крупный Long Beach Blues Festival в 1992. Примерно в это же время сделал первые записи, собранные в один диск они появляются в 1994 в виде дебютного CD на собственной фирме звукозаписи ПЧ Laughing Bear. Наиболее сильной из работ ПЧ многие считают «Booty and the Beast» (1995); альбома записан под руководством бывшего продюсера компании Atlantic Records, работавшего в 50-70-е с легендами ритм-энд-блюза, Tom Dowd. После того как не оправдались надежды партнеров (компании Sony Music и музыканта) на «большой прорыв» РЧ до конца 90-х работает главным образом в Нью-Йорке и Европе, в первую очередь, во Франции.
Лишь в 2000 подписывает контракт с крупной компанией Blind Pig, параллельно выпуская диски на французской DixieFrog.
С началом века в музыке HЧ наметился крен в сторону поп-музыки, однако всегда поклонники «чистого» блюза найдут на дисках ПЧ интересующий их материал.

1991 - It's Chubby Time
1993 - Gas Money
1995 - Booty And The Beast
1996 - Hit the High Hard One (Live)
1999 - Brooklyn Basement Blues
1999 - One Million Broken Guitars
2000 - How'd A White Boy Get The Blues
2001 - Presents New York City Blues Again
2001 - Flashed Back
2002 - Black Coffee Blues Band
2002 - The good, the bad and the chuuby
2003 - Popa Chubby & Friends - Old School (play Muddy,Willie and more)
2003 - The Hungry Years (early recordings, 1991 - 1996)
2004 - Peace, Love & Respect
2005 - Wild Live
2006 - Stealing the Devil's Guitar
2006 - Electric Chubbyland (plays Jimy Hendrix) [3CD]
2007 - Deliveries After Dark
2008 - Popa Chubby with Galea - Vicious Country

Майти Сэм Макклейн родился 5 апреля 1943 года в Монро, штат Луизиана. Будучи одним из 13 детей, в пять лет Макклейн начал петь в родной церкви, прежде чем приступить к работе в качестве сборщика хлопка. После ссоры с отчимом в возрасте 13 лет он сбежал из дома и присоединился к группе Little Melvin Underwood (где с течением времени стал ведущим вокалистом). Затем группа переехала в Penascola, штат Флорида, где он начал параллельно сотрудничать с Dothan Sextet. Продюсераом и DJ Papa Don Schroeder он был приглашен для записи на Fame Studios в Muscle Shoals в Алабаме.
Благодаря ряду мощных синглов, выпущенных в период с 1966 и по 1971 годы на лейблах Amy, Malaco и Atlantic Records, его репутация неуклонно росла. Среди этих синглов были версии песни Бастера Брауна Fannie Mae, баллада Патси Клайн Sweet Dreams и композиция Dan Penn/Spooner Oldham In The Same Old Way; три песни, которые по мнению многих, являются одними из лучших когда-либо изданных южных соул-композиций.
Несмотря на то, что Макклейн три раза выступал в Apollo Theatre, взлета карьеры не последовало. Он находился в свободном плавании, сменил много работ и в 70-80-х годах даже выступал на улицах Penascola, Флорида. И только в 1983 году состоялось его возвращение, когда продюсер Карло Дитта предложил ему вернуться в студию и записать Pray. В 1989 году благодаря Neville Brothers Сэму предоставилась возможность поездки и живой записи одного из шоу в Токио с участием легендарного Уэйна Беннета (выпущенной на японском лейбле Dead Ball). Макклейн также участвовал в записи альбома Hubert Sumlin Blues Party для Black Top Records в 1987 году, объединившем много бостонских музыкантов.
Это сотрудничество привело его на AudioQuest Records в 1993 году, где был выпущен великолепный новый альбом Give It Up to Love, включавший также две оригинальных кавер-версии композиций Эла Грина и Карлин Картер. Эта новая запись вызвала восторженные отзывы в соул- и R&B музыкальной прессе, а последовавший два года спустя Keep On Movin', позволил Макклейну, наконец, начать пользоваться плодами своего труда и таланта. В течение ближайших трех лет Макклейн выпустил четыре альбома, в том числе Soul Survivor, который включал в себя трек New Man In Town, прозвучавший в шоу Дэвида Келли "Ally McBeal" на Фокс-ТВ. В 1999 году подписал соглашение с Telarc Blues Records. Последние диски One More Bridge To Cross и Betcha Didn't Know выпущены на собственном лейбле MightyMusic.
Майти Сэм Макклейн номиновался на Grammy Award, на многочисленные W.C. Handy awards как Соул / Блюз вокалист. Real Blues magazine награждал Макклейна как Соул / Блюз Entertainer года в течение трех лет подряд. Журнал Rolling Stone назвал его "The Great Torchbearer of Soul". Pulse magazine пишет о нем: "America's best purveyor of red-clay soul/blues. McClain is a powerhouse!"
По материалам www.telarc.com и официальной биографии.
Официальный сайт: www.mightysam.com

1993 - Give It Up To Love
1995 - Keep On Movin'
1996 - Sledgehammer Soul & Down Home Blues
1998 - Journey
1998 - Joy And Pain - Live In Europe
1999 - Soul Survivor - The Best of Mighty Sam McClain
2000 - Blues For The Soul
2001 - Sweet Dreams
2003 - One More Bridge To Cross
2006 - Betcha Didn't Know
2009 - Mahsa Vandat & Mighty Sam McClain - Scent Of Reunion

Хотя группа собралась под этим названием осенью 1967, ее основатели Нико Кристиансен (Nicko Christiansen; гитара, вокал) и Джон Лагранд (John LaGrande; гармоника) начали выступать вместе двумя годами раньше как уличные музыканты.
Появление на афишах и в чартах британских блюзовых групп FLEETWOOD MAC, SAVOY BROWN BLUES BAND, CREAM и т. п. побудило их расширить свой состав и электрифицироваться. Так и появились на свет LIVIN' BLUES: Кристиансен, ЛаГранд, Тед Оберг (Ted Oberg; гитара, банджо и ситар), Хэнк Смиткамп (Hank Smithkamp; бас, клавишные) и Цезар Зюдервийк (Cesar Zuiderwijk; барабаны).
Сделав ставку на традиционный репертуар, который состоял, главным образом, из чикагских ритм-энд-блюзов середины 50-х годов, группа начала со скромных домашних концертов, однако быстро нашла спрос на свою музыку в континентальной Европе (и, особенно, в Скандинавии и Западной Германии), где приняла участие в дюжине рок-фестивалей регионального масштаба. В 1969, подписав контракт с Philips, LIVIN' BLUES сделали дебютный альбом Hell's Session, состоявший из номеров Мадди Уотерса, Литтл Уолтера и Вилли Диксона. Запись отличали мощный вокал Кристиансена, виртуозная и чувственная гитара Оберга и гармошечная техника Лагранда, который лихо подражал Литтл Уолтеру. Продюсировал диск экс-барабанщик GOLDEN EARRING (и будущий создатель Stars On 45) Яап Эггермонт.
Вскоре после выхода пластинки Зюдервик ушел в GOLDEN EARRING и в группе началась чехарда с барабанщиками: во втором альбоме Wang Dang Doodle (сделанном вместе с Эггермонтом) барабанил Дик Бекман (Dick Beekman), в 1971 в альбоме Bamboozle его сменил Джонни Лежен (Johnny LeJeune), место которого на концертном диске Rocking At The Tweed Mill (1972) занял Аржан Каминга (Arjean Caminga). Помимо черырех пластинок для Philips, группа сделала альбом Dutch Treat для небольшой инди-фирмы Dwarf Records.
В 1973 LIVIN' BLUES были, наконец, замечены в Британии, следствием чего стал альянс с известным блюзовым продюсером Майком Верноном, в то время владельца компании Blue Horizon. По рекомендации Вернона за барабаны сел британский сессионный музыкант Кенни Лэмб (Kenny Lamb), ранее игравший с KEY LARGO и несостоявшейся надеждой Вернона, группой Питера Уингфилда JELLYBREAD. Одновременно Смиткампа заменил новый басист-пианист Руд ван Бурен (Ruud van Bouren). Их сингл Boogie Woogie Woman в 1973 был хитом в Голландии и, казалось, группа уже была на пути к серьезному успеху. К сожалению, Blue Horizon вскоре обанкротилась и альянс с Верноном обернулась для нее сплошными разочарованиями. Музыканты разошлись в разные стороны и снова имя LIVIN' BLUES всплыло лишь через год, в 1974, когда Оберг и Смиткамп (в паузе он промелькнул в финальном составе SHOCKING BLUE) собрали новый блюзовый квартет, который составили экс-барабанщик SHOCKING BLUE Кор ван дер Бек (Cor van der Beek) и певец из Индонезии Джон Фредерикс (John Frederiksz).
Этот состав играл собственный материал и склонялся к более привычному хард-блюзу, что нашло отражение в альбоме Ram Jam Josey, изданному в 1974 Arista. Ван дер Бек в конце того же года покинул группу. Его место занял Якоб ван Хейнинген (Jacob van Heiningen). В 1975 LIVIN' BLUES сделали еще один неплохой концертный альбом с оригинальной трактовкой Hoochie Coochie Man Диксона, а годом позже студийный Blue Breeze, в который помимо оригинального материала группы вошла песня Джонни Уинтера Pick Up On My Mojo. (Альбом был издан в Польше фирмой Muza, вследствие чего приобрел популярность в Восточной Европе и России).
Изменение музыкальной конъюнктуры в Европе (сначала в сторону евро-диско, а потом британской новой волны) лишило LIVIN' BLUES поддержки Ariola. По инерции группа продолжала работать на клубной сцене до конца 70-х годов, снова вернулась к исполнению блюзовой классики, но после 1979 ее следы затерялись. В 1992, на волне всплеска нового интереса к прогрессивному року и блюзу 60-х годов, гамбургская фирма Repertiore предприняла переиздание всех альбомов LIVIN' BLUES в формате CD
Источник
На этом биография группы на большинстве сайтов обычно и заканчивается, но... есть и продолжение!
К сожалению, один из основателей группы Джон Лагранд умер 30 июня 2005 года, так что в прежнем составе группа больше никогда не соберется...

---

Singles
1968 - Murphy McCoy/My Sister Kate
1969 - You Better Watch Yourself (Sonny Boy)/One Night Blues
1970 - Wang Dang Doodle/Crazy Woman
1971 - Black Lisa/Red River Mountain
1972 - Choise/Selection
1972 - L.B.Boogie/Johnny W
1973 - Please Don't Leave Me/Sweet Suzanne
1973 - Poinsetta Petal/Gamble On
1974 - Boogie Woogie Woman/Ricochet
1978 - Shylina/That Night
1995 - Mysterious Ways/Who's Doin' That Voodoo
1996 - Blue Side Of Life/Skidrow

---

LPs
1969 - Hell's Session
1970 - Wang Dang Doodle
1972 - Bamboozle
1973 - Rockin At The Twiddle Mill
1974 - Ram Jam Josey
1975 - Live '75
1975 - Blue Breeze
1978 - 1968-1978
1980 - Dutch Treat
1980 - Hoochie Coochie Man (2 LP)
1988 - Livin' Blues Now
1989 - Snakedance Live
1993 - The Early Blues Sessions
1995 - Out Of Blue
2002 - Livin' Blues - Hell's Session + Four Extra Tracks
2003 - The Complete Collection Philips Years 1967-1973

---

Livin Blues Xperience (новая группа Нико Кристиансена)
2007 - LBX MIX
2008 - This Is The Time

Повсеместно признанный, титулованный король блюза - легендарный Би Би Кинг, без сомнений, самый уникальный и наиболее знаковый электрогитарист уходящего столетия. Современное, блюзовое гитарное соло просто немыслимо без, как минимум, пары узнаваемых Кинговских фраз. Он остается и в высшей степени одаренным певцом, передающим каждый нюанс исполняемой песни.
До сих пор Би Би Кинг остается по сути подлинно народной суперзвездой, совершенно доступным для всех кумиром, который приглашает посетителей в свою гримерную с шиком скромного изящества. С 1951 по 1985 год, Кинг постоянно занимал верхние позиции в чартах наиболее популярных исполнителей ритм-энд-блюз журнала Billboard. И он стал одним из немногих блюзменов, прекрасным аранжировщиком популярных хитов, когда его потрясающий шлягер "The Thrill Is Gone" превзошел рекордный успех незабываемого Эда Салливана (The Ed Sullivan Show and American Bandstand).
Корни выдающегося таланта Кинга глубоко спрятаны в блюзовых местах Дельты Миссисипи. Если говорить точнее, Райли Би Кинг был рожден в Итта Бена, штат Миссисипи. Его детство не было простым. Молодой Райли "болтался" между домами матери и бабушки. Юность проходила в долгих днях работы на хлопковых полях и пении псалмов в церкви до переезда в 1943 году в Индианолу, другой город расположенный в самом сердце Дельты.
Кантри и госпел музыка оказали решающее влияние на формирование творческих пристрастий Кинга вместе с такими великими стилистами исполнения, как Ти-Бонк Уолкер (T-Bone Walker) и Лонни Джонсон (Lonnie Johnson) и джазовыми гениями Чарли Крисченом и Джанго Рейнхардтом ( Charlie Christian, Django Reinhardt). В 1946 году Кинг посетил Мемфис чтобы повидаться со своим кузеном - кантри-блюзовым гитаристом, стариной Букка Уайтом (Bukka White). В течение десяти бесценных месяцев Уайт терпеливо объяснял своему нетерпеливому молодому родственнику тонкости техники игры на блюзовой гитаре. После короткой поездки в Индианолу и неизменной стычки с женой Мартой, Кинг опять в конце 1948 года уехал в Мемфис. На этот раз он остался там надолго.
Вскоре Кинг появился со своей музыкой на радио радиостанции WDIA - это был концерт в честь города Мемфис. В своих первых выступлениях Кинг придумал прозвище для себя "The Peptikon Boy", потом "Beale Street Blues Boy", и вскоре Blues Boy или сокращенно В.В.
1949-й стал для Кинга годом звездного прорыва. Он записал свои первые 4 трека для Jim Bulleit's Bullet Records, затем подписал контракт со студией RPM в Лос Анжелесе. В течение 2-х последующих лет жизни в Мемфисе Кинг написал множество композиций для RPM. Многие из них спродюсированы его родственником - начинающим продюсером Сэмом Филлипсом, чья Sun Records была просто недостигаемой мечтой в то время. Филлипс самостоятельно продюссировал записи для фирм Biharis и Chess; он также записывал Ховлина Волфа (Howlin' Wolf), Роско Гордона (Rosco Gordon) и Руфуса Томаса (Rufus Thomas).
"Biharis" также записала некоторые ранние вещи Кинга, монтируя переносное оборудование для звукозаписи везде, где они могли его установить. Первый национальный чарт Кинга в категории ритм-анд-блюза - "Three O'Clock Blues" (записанный впервые на граммофонную пластинку Лоуэлом Фулсоном) вышел в Мемфисе на YMCA в 1951 году. Партнерами Кинга в Мемфисе на то время были вокалист Бобби Блэнд (Bobby Bland), барабанщик Эрл Форест (Earl Forest) и пианист Джонни Эйс (Johnny Ace). Когда Кинг занимался "раскруткой" "Three O'Clock Blues", он играл с группой Эйса, известной под именем Beale Streeters. В это время Кинг впервые нарек свою любимую гитару "Гибсон" именем "Lucille". Это произошло в маленьком городке Твист, штат Арканзас. На концерте Кинга завязалась драка между двумя ревнивыми поклонниками одной леди. Драчуны опрокинули наполненное керосином ведро - помещение заполыхало. В безумной толчее, убегая от пожара, Кинг оставил гитару внутри помещения. Кинулся обратно, чтобы спасти гитару, и чуть было не погиб. Ког
да дым рассеялся, Кинг узнал, что имя леди, из-за которой разразились столь неистовые страсти, было Люсиль (Lucille). Большое количество "Люсиллей" прошло через его руки с тех пор, фирма "Гибсон" даже продавала некоторые модели гитар с маркировкой B.B.
В 1950 году Кинг был основным создателем настоящих хитов в жанре ритм-энд-блюза. Записываясь главным образом в Лос Анжелесе для RPM и ее приемника - фирмы Kent, Кинг победил в 20 номинациях. Он написал такие незабываемые хиты как "You Know I Love You" (1952); "Woke Up This Morning" и "Please Love Me" (1953); "When My Heart Beats like a Hammer," "Whole Lotta' Love," и "You Upset Me Baby" (1954); "Every Day I Have the Blues", романтические блюзовые баллады "Sneakin' Around," и "Ten Long Years" (1955); "Bad Luck," "Sweet Little Angel," и песню в духе "Platters" "On My Word of Honor" (1956); и "Please Accept My Love" (1958). Гитарная атака Кинга стала более агрессивной и заостренной, все более прогрессирующей и оказывающей влияние на легион начинающих и практикующих гитаристов в стране.
В 1960 году страстное взволнованное исполнение Кингом старой песни "Sweet Sixteen" Джо Тернера стало другим гигантским бестселлером, и его "Got a Right to Love My Baby" и "Partin' Time" также были близки к подобному успеху. Но фирма "Kent" не могла удержать такую звезду как Кинг на постоянной привязи. В 1962 году Кинг начал работать с ABC-Paramount Records, которая выпускала пластинки таких знаменитых исполнителей, как Ллойд Прайс (Lloyd Price), Рэй Чарлз (Ray Charles), и Фэтс Домино (Fats Domino).
В ноябре 1964 года гитарист выступил со своим новаторским концертным альбомом "Live at the Regal" в легендарном чикагском театре "Chicago" и его великолепно сыгранный концерт произвел настоящий фурор. Альбом стал истинным шедевром современного блюза. В этом же году он порадовал поклонников минорным шедевром -песней "How Blue Can You Get" - ставшей одной из его ключевых мелодий.
Cпустя 2 года в 1966 году песни "Don't Answer the Door" и "Paying the Cost to Be The Boss" возглавили первую десятку чартов в категории ритм-энд-блюз.
Окончательный статус сверхзвезды в конце концов пришел к гитаристу в 1969 году, когда он разрушил привычное понимание композиции Роя Хопкинса "The Thrill Is Gone". Он исполнил эту песню с потрясающе выразительным мощным вокалом, предложив величественную и пронзительную скрипичную трактовку в минорном ключе. В конце концов, поп аудитория слушателей убедилась, что им следует узнать Кинга лучше: не только как исполнителя хитов в категории ритм-энд-блюз.
Кинг стал одним из самых любимых блюзменов, возглавляющих рейтинг популярности в 1970 году, и в хорошем смысле, он никогда не боялся экспериментировать. В 1973 году в Филадельфии он рискнул записать пару колоссальных бестселлеров "To Know You Is to Love You" и "I Like to Live the Love" с такой же мягкой ритм - секцией, которая сопровождала хиты Spinners и O'Jays. В 1978 году он объединил силы с щегольской группой "Crusaders", чтобы создать восхитительный фанк шлягер "Never Make Your Move Too Soon" и зажигательную песню "When It All Comes Down". Время от времени он делал дерзкие отступления, менял курс, делал виражи, иногда сбивался.
Хотя его концерты в течение долгого времени неизменно доставляют радость зрителям как и ни у какого другого исполнителя, работающего в этой области (и он напоминает странствующего рыцаря удивительно быстро восстанавливающего свои силы; иногда он давал 300 концертов за год!), Кинг умело регулирует свою студийную работу. Кроме того, его диск 1993 года "Blues Summit" возвращается к формам стандартов, когда Кинг пел в дуэтах с равными по положению исполнителями (John Lee Hooker, Etta James, Fulson, Koko Taylor). В 1999 году вышел еще один выдающийся альбом "Let the Good Times Roll: The Music of Louis Jordan".
Моментально узнаваемый гитарный стиль Кинга, его фирменная вибрирующая трель, которой он научился в Мемфисе у своего кузена Букка Уайта много лет назад, выделяют его из рядов современных гитаристов. Добавьте к этому его призывный взволнованный вокальный стиль и вы получите наиболее влиятельного и новаторского блюзмена за весь послевоенный период. Не может быть никаких сомнений, что Кинг будет господствовать как бесспорный король жанра (и посланник доброй воли) на всю оставшуюся жизнь.
Похожие по стилю артисты: Bobby "Blue" Bland, Little Milton, Albert King, Freddie King, Buddy Guy, Luther Allison, Michael Bloomfield, Lowell Fulson, Otis Rush, Muddy Waters.
Корни ивлияние: Lonnie Johnson, T-Bone Walker, Bukka White, Charlie Christian, Django Reinhardt.
Последователи: Michael Bloomfield, Larry Davis, Z.Z. Hill, Larry McCray, Son Seals, Walter Washington, Roy Buchanan, Chris Thomas, Joe Walsh, Larry Carlton, Buster Benton, Maria Muldaur, Doug MacLeod, Andrew Brown, Backtrack Blues, Band Mem Shannon Jim Byrnes
Исполнял песни: Jules Taub, Joe Josea, Rick Darnell, Riley King, Roy Hawkins, Sam Ling, Will Jennings, Peter Chatman, Joe Sample, Fleecie Moore, Dave Crawford, Jules Bihari, Leonard Feather, R. Hawkins, Louis Jordan, Luther Dixon, Syreeta Wright , Stevie Wonder Doc Pomus.
Cотрудничал с: Sonny Freeman, Bobby Forte, Ron Levy, Wilbert Freeman, Bill Szymczyk, Dean Parks, Joe Sample, Hugh McCracken, Milton Hopkins, Wilton Felder, John Browning, Joe Zagarino, James Toney, Stewart Levine, Duke Jethro, Louis Hubert, Paul Harris, Dr. John, Johnny Pate
simen.ru

1960-My Kind Of Blues (2003-Remaster)

1962-Easy Listening Blues

1963-Mr. Blues
1964-Live At The Regal
1967-Lucille [MFSL UDCD 659]
1970-Indianola Mississippi Seeds
1971-In London
1971-Live In Cook County Jail (20 Bit Digitally Remastered)
1972-Guess Who
1974-B.B.King & Bobby Bland - "Together For The First Time... Live"
1976-Bobby Bland & B.B. King - "Together again... Live"
1983-Blues 'n' Jazz
1984 - Spotlight on Lucille
1988-King Of The Blues
1990-Live At San Quentin(2001-Remastered)
1991-There Is Always One More Time

1991-Live At The Apollo
1991-Live At The Apollo (Verve Originals-2008)
1992-Why I Sing The Blues
1992-My Sweet Little Angel
1993-Blues Summit (Ru)
1993-Blues Summit (Germany)

1994-Diane Schuur & B.B.King (Heart To Heart )
1995-Lucille & Friends
1997-Deuces Wild (+Bonus tracks)
1998-Blues On The Bayou
1998-Greatest Hits [SHM-CD - Japanese Remastered -2008]
1999-Let the Good Times Roll (The Music of Louis Jordan)
1999-Live in Japan
2000-Makin' Love Is Good For You
2000-B.B. King & Eric Clapton - Riding With The King
2001-A Christmas Celebration of Hope
2003-Reflections
2005-B. B. King & Friends - 80
2008-Live At The BBC
2008-Live
2008-One Kind Favor

Чикагскую послевоенную блюзовую сцену абсолютно невозможно представить без великолепного вклада Мадди "Миссисипи" Уотерса. Без его мощного декламирующего вокала и пронзительной гитарной атаки, Чикаго, возможно, никогда бы не стал ключевым городом блюза. Когда он ушел из жизни в 1983 году, Windy City (Город Ветров) уже никогда не смог до конца прийти в себя.
Рожденный издольщиком 4 апреля 1915 года в городке Роллинг Форк в Дельте Миссисипи, Уотерс в юношеском возрасте начал играть на губной гармонике и взял в руки гитару, после того как услышал Чарли Пэттона (Charlie Patton), Роберта Джонсона (Robert Johnson) и Сана Хауса (Son House). Могучий блюзмен Сан Хаус (Son House), патриарх Дельты был его идолом. Уотерс без чьей либо помощи быстро освоил гитарный стиль исполнения "батл-нек". Надев на средний палец отбитое бутылочное горлышко, он научился со звоном ездить им по гитарным струнам - распространенный прием среди уличных гитаристов города Кларкcдейл, штат Миссисипи, где он вырос.
В 1941 году музыковед - фольклорист Алан Ломакс (Alan Lomax) по заданию библиотеки Конгресса США путешествовал по Миссисипи в поисках талантливых музыкантов. С открытием Мадди Уотерса, Ломакс понял, что он случайно натолкнулся на нечто необычайное. Сидя за своим портативным звукозаписывающим оборудованием в студии Delta Bluesman's House, Ломакс записал для библиотеки Конгресса чарующее исполнение Уотерсом блюза "I Be's Troubled". Впоследствии этот блюз стал первым бестселлером Уотерса, когда через несколько лет он заново записал его на студии "Chess Records" под названием "I Can't Be Satisfied".
В 1942 году Уотерс был уже знаменит своим мастерским исполнением блюзов повсюду в Дельте Миссисипи, но, мечтая стать звездой, он отправился на яркий свет Чикаго. Он работал и одновременно играл и пел в клубах, где познакомился с известным тогда блюзменом Биг Биллом Брунзи, довольно быстро приобрел электрогитару и начал исполнять какой-то необычайно резкий, иной раз даже с оттенком едва сдерживаемой свирепости, фолк-блюз. Обрамленный в жесткий электрогитарный ритм, он производил глубокое впечатление. В южной части Чикаго его мастерство скоро заметили. Он играл в клубах с пианистами Саннилэндом Слимом (Sunnyland Slim), Эдди Боем (Eddie Boy) и гитаристом Блу Смитти (Blue Smitty). Саннилэнд Слим сыграл большую роль в начале карьеры Мадди Уотерса. Пианист пригласил его в 1947 году аккомпанировать на сессии фирмы звукозаписи "Aristocrat", которую продюсировала фирма "Johnson Machine Gun". Однако накануне концерта у Уотерса возникла проблема: это был его рабочий день по установке подъемных жалюзи. Он не мог не понимать, какая золотая возможность ускользает из его талантливых пальцев. Чтобы не упустить шанс, Уотерс соврал своему боссу, что его кузена убили в городских трущобах, и ему нужно срочно отлучиться с работы по этой причине. После выступления Сэнниленда, Уотерс спел пару своих вещей: "Little Anna Mae" и "Gypsy Woman". Это были еще сырые необработанные вещи, в отличие от тех, которые он впоследствии записал на студии "Columbia", но все же не такие простецкие как "I Can't Be Satisfied" и "I Feel like Going Home".
Мадди сколотил группу, которая была такой взрывной и неистовой на сцене, что они получили прозвище "Headhunter" ("Охотники за головами"); они могли придти в бар, где играла какая-нибудь группа, попроситься посидеть послушать и немного поиграть, а затем "оторвать головы" конкурентам своей сногсшибательной исполнительской манерой. Продюсер Лестер Мелроуз (Lester Melrose), который на тот момент владел местной студией звукозаписи, пришел в полнейшее замешательство в 1946 году, когда он аккомпанировал Уотерсу в студии. В маленьких клубах акустическая гитара Мадди была плохо слышна, и он решил присоединить ее к усилителю, чтобы немного "поддать драйва" в звучание.
Польские переселенцы братья Леонард и Фил Чесс, которые приобрели на паях фирму звукозаписи "Аристократ" в 1947 году, хотя и мало чего понимали в суровой и даже грубой музыке Мадди Уотерса, все-таки усмотрели в этом звучании нечто, что должно было привлечь также и жителей чикагского гетто. Первые, еще 78-оборотные синглы Мадди Уотерса, появившись под эмблемой "Aristocrat", почему-то понравились лишь немногим, за исключением второй его пластинки "I can't Be Satified", весь небольшой тираж которой был распродан за один день. С Большим Кроуфордом (Big Crawford), слэпующим на басу на фоне хриплого рычанья и сокрушительного гитарного запила Уотерса, блюзовая композиция "I Can't Be Satisfied" стала местной сенсацией. Впоследствии даже сам Ватерс потратил немало времени и усилий, чтобы купить запись на Максвел Стрит. Несмотря на относительный первоначальный неуспех Мадди Уотерса, братья Чесс, поменяв название фирмы на "Chess Records", все-таки рискнули поставить на электрический блюз. Этот расчет, в конце концов, сработал. Шел уже 1950 год, когда братья Чесс наконец-то обрушили со своего конвейера первую россыпь по настоящему впечатляющих синглов. Особенно поражал "That's All Right" в исполнении Джимми Роджера, ну и, конечно, теперь уже классический "Rolling Stone" Мадди Уотерса. В 1951 году Уотерс набирал высоту в ритм-энд-блюзовыз чартах не менее 4-х раз, начав с "Louisiana Blues" и продолжив такими вещами как "Long Distance Call", "Honey Bee" и "Still a Fool". В 50-е годы, в период сотрудничества с фирмой "Chess", он записал такие знаменитые шлягеры как: "Honey Bee," "Got My Mojo Workin'," "Rollin' Stone" и "Hoochie Coochie Man" в духе Willie Dixon, James Cotton, Little Walter Jacobs и Jimmy Rogers.
В 1952 году блюз полей Дельты, предельно наэлектризованный жестким ритмом городских улиц, превращался в новое понятие - чикагский блюз. В примитивной студии "Chess Records", в подсобке клуба, круглые сутки кипела работа. Мадди Уотерс отобрал для своего постоянного состава лучших из лучших. Их имена теперь такие же легенды, как он сам. Гитарист Роберт Джонсон (Robert Johnson), пианист Отис Спэнн (Otis Span) и великолепная плеяда гармошечников - Литл Уолтер (Little Walter), Джеймс Коттон (James Cotton) и Джуниор Уэллс (Junior Wells). "Mad Love" - единственная вещь Уотерса, которая попала в чарты в 1953 году, замечательна тем, что это первый хит демонстрирующий стиль "роллинг пиано" Отиса Спэна, который стал связующим звеном в конгломерате Уотерса в течении последующих 16-ти лет. Так на задворках ночного клуба, на 33 Street, был рожден прославленный чикагский саунд. Или, если хотите, современный электрический блюз.
Басист Вилли Диксон (Willie Dixon), гигантская фигура которого несколько лет украшала группу "The Big Three Trio", сыграл в огромной степени наиважнейшую роль в успехе Мадди Уотерса. В дополнение к слэпующему басу на дисках Уотерса, грубоватый Диксон был постине неисчерпаемым источником песен, которые долгие годы питали репертуар Мадди. Достаточно привести такие хиты, как "I'm Your Hoochie Coochie Man," "Just Make Love to Me," и "I'm Ready". Однажды Мадди Уотерс привел в студию "Chess" человека и громко провозгласил: "Этот крутой парень сидел в тюрьме всего три года за вооруженный разбой. А вот теперь больше не разбойничает, и даже обратился к религии. Спиртного совсем не пьет. По профессии косметолог-парикмахер, но умеет делать классный кантри. И зовут его Чак Берри, из Сент-Луиса". После того как Чак Берри прославил "Chess Records" на всю Америку и полмира в придачу, Мадди Уотерс признался, что привел Чака в студию только лишь потому, что тот исполнял некую разновидность электрического кантри, а не блюза. И он не видел в нем соперника. Второй подарок судьбы пришел в студию "Chess" собственными ногами. Бывший боксер-тяжеловес необъятных размеров. Он принес собой прямоугольную ящикообразную гитару и, кротко улыбаясь, поведал, что уже прославился на профессиональном ринге под именем Бо Дидли (Bo Didley). И он готов записать несколько убойных синглов. Он не шутил. Первый же его сингл "I'm A Man", целиком сработанный в свирепо-угрюмом духе Мадди Уотерса, впечатлил даже самого Мадди. Причем настолько сильно, что однажды Уотерс создал свою нашумевшую версию этого крутейшего номера, известного как "Mannish Boy".
Долгие годы чикагский блюз варился в собственном соку, просачиваясь тем не менее, пусть в небольших количествах, иногда даже в очень удаленные районы и страны, вызывая повсюду шок, оцепенение и непреодолимое желание услышать еще раз этот рычащий и клокочущий электрический блюз.
1958 год. Известный джазовый тромбонист Крис Барбер разъезжал по всему острову Великобритания, снимая теплые, но умеренные аплодисменты. Впрочем, иногда переходившие в бурные овации. Причем именно в те моменты, когда неожиданно из-за его спины появлялся некто по имени Мадди Уотерс, которого Крис пригласил в совместное турне. И гитарист жесточайшим электрическим пульсом повергал британское юношество в сильнейшее потрясение. Утонченные британские музыкальные критики возмущались этим Уотерсом горячо и бурно. Но заокеанское зерно уже прорастало в старой английской земле.
1960 год. Двое лондонских студентов случайно встретились в трамвайном вагоне. Они не виделись уже несколько лет и были рады перекинуться словом. Один из них держал под мышкой стопку пластинок. Второй с любопытством их рассматривал. Это были диски Чака Берри, Мадди Уотерса, Ховлина Волфа и Бо Дидли. Кто были эти парни, вы знаете. Конечно же, Мик Джаггер и Кит Ричард.
Концерт 1960 года на ньюпортском фолк фестивале открыл Мадди Уотерса много больше, - теперь уже и белой аудитории. Будучи одной из основных фигур на чикагской блюзовой сцене 60-х, он работал с музыкантами молодого поколения Бадди Гай'ем (Buddy Guy) и Матт Мерфи (Murphy), увековечив чикагский электрический гитарный саунд. Он работал с рок-группами, таким как "Rolling Stones", его песни исполняли "Canned Heat" и "Cream". Автокатастрофа в 1969 году немного затормозила его движение, но он все же продолжал гастролировать по всему миру и записываться на Columbia Records' под лейблом Blue Sky.
Мадди Уотерс умер во сне 30 апреля 1983 года.

Похожие музыканты: James Cotton, The Legendary Blues, Band Little Walter, Johnny Winter, Jimmy Rogers, Sunnyland Slim, Otis Spann, B.B. King, Junior Wells, Sonny Boy Williamson [II], Magic Sam, Howlin' Wolf
Корни и влияние: Tommy Johnson Robert Nighthawk Big Joe Williams, Son House, Robert Johnson
Последователи: Billy C. Wirtz, Long John Baldry, Paul Butterfield, Eddie C. Campbell, Big Daddy, Kinsey Lonesome, Sundown Drink Small, The Animals, Roy Buchanan, J. Geils Band, Led Zeppelin, John Mayall, The Rolling Stones, Johnny Littlejohn, J.B. Hutto, Luther "Houserocker" Johnson, Syl Johnson , Magic Sam, Van Morrison, Muddy Waters Tribute Band
Исполнял композиции авторов: McKinley Morganfield, Willie Dixon, Preston Foster, Luther "Guitar Jr" Johnson, Mel London, Big Bill Broonzy, John Buford, James Burke Oden, Otis Spann, Elias McDaniel, Bernie Roth, Sonny Boy Williamson [II], Sonny Boy Williamson [I], Big Joe Williams, John Lee Hooker, Bernard Roth, Sam Langhorn
Работал с музыкантами: Willie Dixon, Fred Below, Francis Clay, Sammy Lawhorn, Pinetop Perkins, Luther Tucker, Willie "Big Eyes" Smith, Big Walter Horton, Leonard Chess, Ernest "Big" Crawford, Elgin Evans, Calvin "Fuzz" Jones, Robert Lockwood, Jr., Luther "Guitar Jr" Johnson, Louis Myers, Buddy Guy, Pee Wee Madison, Phil Chess

1964 -Folk Singer (1999-Remastered)
1964 -Folk Singer(MFSL)
1968 -Electric Mud
1969 -Fathers and Sons
1970 - They Call Me Muddy Waters
1971 -The London Muddy Waters Sessions (Rory Gallagher)
1974 -Muddy & The Wolf
1974 -Unk In Funk
1977 -Hard Again
1978 -I'm Ready
1979 -Muddy "Mississippi" Waters: Live
1981 -King Bee
1984 -Rare And Unissued
1989 -Trouble No More (Singles 1955-1959)
1995 -Chicago Blues Masters, Vol. 1(Jp.2004)
2002 - Blue Skies(The Best of Muddy Waters)
1956 Mississippi Blues / London
1960 At Newport / Chess
1960 Muddy Waters Sings Big Bill BroonzyMCA / Chess
1963 Folk Festival of the Blues / MCA
1964 Muddy Waters / Chess
1965 Muddy Waters with Little Walter / Vogue
1965 The Real Folk Blues / MCA / Chess
1966 Down on Stovall's Plantation / Bounty
1966 Muddy Waters: The Blues Man (rec 1941 / 42) / Polydor
1966 Muddy, Brass and Blues / Chess
1967 Blues from Big Bill's Copacabana / MCA / Chess
1967 Muddy Brass & the Blues / Chess
1967 More Real Folk Blues / MCA / Chess
1968 Super Blues / Chess
1968 Super Super Blues Band / Chess
1969 After the Rain / Chess
1969 Fathers and Sons / Vogue
1969 Sail on / Chess
1970 Vintage Mud / Sunnyland
1970 Back in the Good Old Days / Syndicate
1970 Good News / Syndicate
1970 Goin' Home: Live in Paris 1970 / New Rose
1971 Live at Mister Kelly'sMCA / Chess
1971 A.K.A. McKinley Morganfield / Chess
1972 McKinley Morganfield A.K.A. Muddy Waters / Chess
1973 Mud in Your Ear / Muse
1973 Can't Get No Grindin' / Chess
1974 London Revisited / Chess
1974 Muddy & the Wolf / Chess
1974 'Unk in Funk / Chess
1975 Woodstock Album / Chess /Japan/
1976 Live at Jazz Jamboree '76Poljazz
1977 Chess
1977 Hard Again / Blue Sky
1977 Live / Chess
1977 Muddy Waters Live / Chess
1978 I'm Ready [live] / Chess
1978 I'm Ready / [Satellite] / Blue Sky
1980 Chicago 5 Golden Years / Chess
1982 Rolling Stone / Chess
1989 Muddy Live / Columbia
1990 Muddy Waters [Black Label]Black Label
1991 Chicago - London / Huub
1991 Live / Huub
1992 Mannish Boy / Sound Solution
1992 London Sessions / Sound Solution
1992 I'm Your Hootchie Coochie Man / Sound Solution
1992 She Moves Me / Roots
1993 Live in Switzerland 1976, Vol. 2 / Landscape
199 3Live in 1958 / MW
1995 Goodbye Newport Blues / [live]Blue Moon
1995 Live at Newport / Charly
1995 Collaboration / Rhino
1996 Forty Days & Forty / Eclipse Music
1996 Baby Please Don't Go [Iris]Iris
1996 Blues Band / Delta
1996 Louisiana Blues / Allegiance
1996 Muddy Waters in Concert / [live]One Way
1996 Hoochie Coochie Man Live! / Excelsior
1997 Paris 1972 / Pablo
1997 Goin' Way Back / Just A Memory
1997 Muddy Waters & Friends / Just A Memory
Muddy's Blues / Black Label
Got My Mojo Working / Charly
Muddy Waters / Bella Musica
Unreleased in the West, Vol. 1 / Moon
Mud in Your Ear / Chicken Shack / Muse
Top of the Boogaloo / Signal
Sweet Home Chicago / Intermedia
Unreleased in the West, Vol. 2 / Moon
Rollin' & Tumblin' / Charly
Mississippi Rollin' Stone / Magnum
Down South Blues / Onyx Classix
Компиляции:
1941 First Recording Sessions 1941-1946 / Document
1964 The Best of Muddy Waters / London
1965 Live Recordings 1965-1973 / Wolf
1971 They Call Me Muddy Waters [II] / Chess
1975 The Best of Muddy Waters [Chess] / MCA / Chess
1976 Live in Switzerland 1976 / Jazz Helvet
1977 Chess Blues Masters / Chess
1981 Chess Masters / Chess
1982 Chess Masters, Vol. 2 / Chess
1983 Chess Masters, Vol. 3 / Chess
1983 Rollin' Stone / Magnum
1983 Hoochie Coochie Man [live] / LRC
1984 Muddy Waters on Chess 1948-1951 / Vogue
1984 Muddy Waters on Chess 1951-1959, Vol. 2 / Vogue
1986 Sings Big Bill / Folk Singer / MCA
1990 The Chess Box / MCA / Chessx
1992 Blue Sky / Columbia / Legac
1992 The Complete Muddy Waters 1947-1967 / Charly
1993 Rock Me: Charly Blues Masterworks, Vol. 10 / Charly
1993 The Complete Plantation Recordings / MCA
1994 Muddy Waters Gold / Tristar
1994 One More Mile / MCA / Chess
1995 Jazz Portrait Blues / Tristar
1995 The Very Best of Muddy Waters / Charly
1995 Blues Straight Ahead / Drive
1995 Charly Blues Legends Live, Vol. 2: Muddy / Charly
1996 Rollin' Stone (20 Blues Classics) / Movie Play
1996 Muddy Waters at Newport / Muddy Waters Live / BGO
1997 Blues Legend / MCA Special Pr
1997 His Best: 1956-1964MCA
1997 Hard Again / I'm Ready / King Bee / Sonyx
1997 King of the Electric Blues / Sony
1997 Revue Collection / Revue
1997 His Best: 1947-1955Chess
1998 Gold Collection / Fine Tune
1999 Baby Please Don't Go / Records
1999 Real Folk Blues / More Real Folk Blues / BGO
1999 Best of Muddy Waters: 20th Century Masters / MCA
1999 The Lost Tapes / Blind Pig
1999 In Concert / [live]Prestige Jazz
2000 Complete Recordings: 1941-1948 / Culture Press
2000 Country Blues
2000 Take a Walk with Me / Recall
2000 Gold Collection / Retro Music
2000 Mojo: The Best Of Muddy Waters Live! / Music Club
Best of Muddy Waters / Reckless
Blues Anthology / Laserlight
The Best of Muddy Waters / JCI
Muddy Waters: Blues Collection / Collection
Muddy Waters: Sonny Lester Collection / LRC
Gold Collection / Deja Vu
The Legendary Muddy Waters / MCA Special Pr
Rollin' & Tumblin' & Other Classics / Masters
Muddy Waters / Yazoo

Джон Ли Хукер - американский блюзовый певец, гитарист. Его творчество оказало огромное влияние на развитие поп - музыки второй половины ХХ века, - блюза в особенности. Многократный лауреат премий "Grammy". Хукер чувствовал блюз каждым нервом, в его завораживающем нутряном голосе звучала многовековая история его чернокожих собратьев. Он создал собственный музыкальный язык, такой понятный всем, не знающий границ и культурных барьеров, но при всей простоте так и оставшийся никем не повторенным. В его монотонной, гипнотизирующей музыке было что-то шаманское, примитивное и вечное одновременно.
Джон Ли Хукер родился 22 августа 1917 года в Кларксдейле, штат Миссисипи. Вообще-то точная дата его рождения так и осталась загадкой, но, учитывая возраст его матери в момент его рождения, 1917-й год кажется более вероятным. Джон был одиннадцатым и предпоследним ребенком в огромной негритянской семье. Подрастая, все дети одни за одним подключались к работе на обширных сельскохозяйственных плантациях, которые семья брала в аренду. Свои первые музыкальные впечатления, как и многие другие блюзовые музыканты, Джон получил в церкви. Спиричуэлсы были первым музыкальным жанром, с которым он познакомился и которым был заворожен. Из подручных средств, найденных в амбаре, он даже изобрел собственный инструмент - отдаленное подобие трубы. А первым настоящим инструментом Джона стала гитара, с азами которой его познакомил приемный отец Уильям Мур. Отчим профессионально владел тубой и был довольно известным в городе блюзовым музыкантом. Мальчишка вошел во вкус, и вскоре они вдвоем веселили посетителей местных вечеринок. Среди знакомых отчима были легендарные музыканты Чарли Пэттон (Charley Patton) и Слепой Блейк (Blind Blake). Они будоражили воображение Джона, который к тому времени уже успел заболеть блюзом. Болезнь оказалась роковой. Жажда приключений привела 14-летнего Джона Ли в Мемфис, штат Теннеси, где судьба свела его с Робертом Локвудом (Robert Lockwood). Роберт познакомил парня с местной музыкальной сценой и сделал его напарником по выступлениям.
Два года спустя охота к перемене мест привела Джона Ли в Цинциннати, где и началась его настоящая профессиональная карьера, протекавшая в русле госпел-музыки. За семь лет в этом городе ему удалось спеть со многими госпел-квартетами. В 1943 году Хукер переехал в Детройт, который станет его домом на несколько десятилетий. Он перепробовал множество работ, одно время служил швейцаром, а по вечерам играл и пел в блюзовых клубах и барах, расположенных в районе Hastings Street - в "черном" сердце города. Детский интерес к гитаре с годами перерос в виртуозное владение инструментом, который в его руках звучал чувственно и вдохновенно. Хукер выработал свой собственный стиль игры, что делало его музыку неотразимой и такой узнаваемой при всей ее простоте.
В 1943 в Детройте он работал дворником на автомобильном заводе, выступая по вечерам в небольших клубах черных кварталов и в пивных для рабочих. Первые попытки записать пластинку были неудачными, но так было до встречи с Бернардом Бесменом (Bernard Besman), пианистом и бизнесменом. Бесмен оценил необычность стиля Джона Ли Хукера и постарался в записи подчеркнуть ярко индивидуальные особенности его исполнения. Если бы не электрогитара, этот тип блюза можно было счесть за возвращение к довоенному кантри-блюзу. Компенсируя фантазией и выдумкой технические несовершенства звукозаписывающей студии, Бесмен запечатлел особую атмосферу "хукеровского" блюза. Обычно он записывался сольно, большинство песен строилось на одном аккорде, примитивная гитарная партия представляла собой полную противоположность мягкой изысканности блюзовых баллад, и ансамблевому свингу ритм-энд-блюза, господствовавшим в чартах. Однако глубокий голос Хукера в сочетании с неотвратимо нагнетающим атмосферу ритмом оказывали на слушателей почти гипнотическое воздействие.
Ставка на самобытность в противоположность господствовавшим музыкальным течениям оправдалась. Только в 1948 году у музыканта с его огромным сценическим опытом впервые появилась возможность сделать студийную запись. Выпущенный сингл с блюзом "Boogie Chillen" возглавил ритм-энд-блюзовый чарт. По бытующей легенде запись разошлась миллионным тиражом, но даже сам музыкант, как бы ему это ни льстило, опровергал эту цифру. Во всяком случае, его авторский гонорар говорил о более скромном успехе. Сегодня эта песня считается блюзовой классикой. На рубеже 50-х годов записи Джона Ли Хукера выходили главным образом под маркой фирмы "Modern", с которой он был связан контрактом. Но, стараясь воспользоваться успехом, Хукер много записывался и для других фирм. И, если нужно было обойти контрактные ограничения, использовал псевдонимы: Birmingham Slim, Delta John, Texas Slim, Johnny Lee, John Williams, Boogie Man и John Lee Booker.
Меняя имена, он никогда не менял звучания - это были сольные записи (изредка со вторым гитаристом), с акцентированным ритмом, примитивной, но выразительной гитарной партией и глубоким голосом. Следующими хитами стали "Crawlin Kingsnake" (1949) и "I'm In The Mood" (1951).
В 1951 году на первой строке чарта оказался удивительный трек "I'm in the Mood", в котором артист сделал тройное наложение вокала - он был одним из первых, кто решился на такой эксперимент.
Большая часть пластинок этого периода - сольные работы. Среди них лишь несколько дуэтов с Эдди Киркландом (Eddie Kirkland) и буквально одна-две с группой. Что касается его концертных выступлений, то они как раз редко проходили сольно. Как правило, музыканта сопровождал небольшой ансамбль, включавший пианино, еще одну гитару и барабаны. Аккомпанировать Джону Ли Хукеру было нелегко - его идиосинкразическое чувство ритма мешало полному взаимопониманию между исполнителями. Получалось, что сольные записи были единственным надежным способом в точности передать все своеобразие его мелодики. Даже самые ранние студийные попытки поражают самодостаточностью композиций, богатством и сочностью звука при всем минимализме аранжировок. Особым образом настроенная гитара позволяла Хукеру сочетать твердый ритм и вдохновенные пассажи лид-гитары, одновременно используя все преимущества своего чувственного, глубокого блюзового баритона. Формат "человека-оркестра" мог выглядеть несколько провинциально, но отточенное звучание и урбанистическая утонченность, присущая его исполнению, говорили об огромном расстоянии, которое отделяло Хукера от его деревенских истоков.
Со второй половины 50-х годов Джон Ли Хукер записывается в Чикаго на фирмах Chess или Vee-Jay. Две его песни этого периода - "Dimples" (1956) и "Boom Boom" (1962) - имели значительный успех в Великобритании, оказав огромное влияние на формирование британского блюза. В США в этот период происходит возрождение интереса к фолк-блюзу, и Хукер переходит на акустическое или квазиакустическое звучание, выступает и записывается в этом качестве на Ньюпортском фестивале. На гастролях в Великобритании ему аккомпанируют "ANIMALS", "GROUNDHOGS" (названные так в честь одного из его блюзов) и группа "BLUESBREAKERS" Джона Мэйэлла (John Mayall).
С начала 50-х гастрольные маршруты артиста становятся все длиннее и регулярнее. Особенно часто он заглядывает в южные штаты, завоевывая сердца все новых и новых чернокожих слушателей. В 1955 году Хукер прекратил сотрудничество с лейблом Modern и стал подопечным компании Vee Jay Records, расквартированной в Чикаго. Формат сольного исполнителя выглядел уже каким-то ископаемым на тогдашнем рынке ритм-н-блюза. Теперь к студийной работе обязательно привлекался небольшой ансамбль, который обычно включал пианино и духовые в разных сочетаниях. Нередко Хукеру подыгрывал виртуозный гитарист ЭддиТейлор (Eddie Taylor). Помощь Vee Jay оказалась как нельзя более кстати, принеся Хукеру и коммерческий успех и творческое удовлетворение. Артист превращается в центральную фигуру блюзовой сцены Детройта. Среди хитов этих лет можно отметить "Dimples", "Mambo Chillun", "Maudie" и "Baby Lee", вещи простые, но исполненные блестяще. В 1958 году пластинка "I Love You Honey" вернула имя Хукера в R&B-чарт.
Когда к концу 50-х рынок ритм-н-блюза потеснил свои позиции под натиском фолька и рок-н-ролла, Ли Хукер начал осваивать новое для себя направление и обращаться к новому слушателю, выступая в фольк-клубах и участвуя в фольк-фестивалях. Оказалось, что его обаяние действует на людей разных рас и разных возрастов, и белая молодежь не скрывает своей огромной симпатии к музыканту. Влияние фолька не прошло для него бесследно и отразилось в стилистике альбомов, подготовленных для лейбла Riverside Records на стыке 50-х и 60-х. Это был возврат к сольному акустическому формату. Среди новых студийных попыток этого периода (а музыкант то и дело выходил за рамки чистого блюза) наиболее удачливыми оказались "No Shoes" 1960 года (#21 в рейтинге "черных синглов") и коммерческая кульминация Хукера, танцевальный хит 1962 года "Boom Boom" (поднявшийся на 60 позицию поп-чарта).
К его американским поклонникам вскоре прибавились и тысячи заокеанских, стоило только выпустить его пластинки за пределами Соединенных Штатов. Среди них были не только рядовые любители, но и профессионалы. В начале 60-х стало совершенно очевидно огромное влияние Хукера на молодых рок- и поп-музыкантов. Им активно интересовались и вводили его вещи в свой репертуар, например, Animals, Yardbirds и Rolling Stones. Международные гастрольные туры не заставили себя долго ждать. В 1962 году Джон Ли проехал по Европе в рамках первого американского фольк-блюз-фестиваля.
На протяжении всего этого времени Хукер выпускал синглы и альбомы для лейбла Vee Jay Records, работая изредка и с другими компаниями. Так, в 60-е годы одним из его активных покровителей становится лейбл Bluesway, который обеспечивает выход артиста к юной аудитории. Знакомство с новой плеядой музыкантов привело к появлению разнообразных "суперсессий" столь же разнообразного качества. Но случались и записи исключительного достоинства, как, например, альбом "Hooker 'N' Heat" (1970), созданный вместе с американской блюз-рок-группой Canned Heat. Знаменитые буги-импровизации этой команды совершенно очевидно обязаны влиянию именитого музыканта. Несколько последующих альбомов также записаны в сотрудничестве с популярными белыми рок-музыкантами Вэном Моррисоном (Van Morrison), Стивом Миллером (Steve Miller), Карлом Редлем (Carl Reddle), Элвином Бишопом (Elvin Bishop), Марком Нафтэлином (Mark Naftalin) (ex-Paul Batterfield Blues Band). Многие из песен на этих альбомах представляли собой переработки под рок-формат известных песен Хукера 50-х годов.
В 1971 году диск "Hooker 'N' Heat" добрался до 73 строки поп-чарта - это был первый релиз уже знаменитого блюзмена, который затронул широкую поп-аудиторию. В национальном рейтинге поп-альбомов в 70-е годы отметились еще два лонг-плея - "Endless Boogie" и "Never Get Out of These Blues Alive".
Хотя массовый энтузиазм по отношению к блюзу в конце 70-х и начале 80-х несколько поугас, в положении Хукера на американской блюзовой сцене мало что изменилось. Он продолжал активно записываться и много выступал, как правило, в сопровождении ансамбля Coast to Coast Blues Band. В 1980 году музыкант попробовал себя на кинематографическом поприще и сыграл небольшую роль в знаменитом фильме "The Blues Brothers". Тем временем его ранние записи, по-новому скомпонованные, переиздавались снова и снова, причем компании, выпускавшие его альбомы под псевдонимами, теперь с гордостью помещали на конвертах его настоящее имя.
К концу 70-х годов на фоне общего падения интереса публики к блюзу Джон Ли Хукер значительно теряет популярность, но продолжает выступать, не изменяя своему стилю, работая в основном в маленьких кафе и записываясь в полу-домашних студиях энтузиастов блюза. Записи этого периода ныне относятся к числу наиболее значительных в истории блюза (альбомы "Alone", "Cream" и др.) В 1980 его имя включено в "Зал славы основателей блюза" ("Blues Faundations Hall Of Fame"). Альбом 1986 впервые за сорок лет его карьеры удостоен премии "Grammy". Казалось, это итог, но на самом деле Джон Ли Хукер стоял на пороге нового блестящего успеха.
Совершенно удивительная метаморфоза произошла с музыкантом в 1989 году, когда при поддержке продюсера Роя Роджерса (Roy Rogers), профессионала высочайшего класса, он подготовил альбом "The Healer". Запись создавалась в компании многочисленных приглашенных звезд, среди которых - Бонни Рейт (Bonnie Raitt; она рассуждает на альбоме о том, что гитара Хукера - самый эротичный инструмент, который она вообще слышала), Роберт Крей (Robert Cray), Los Lobos, Карлос Сантана (Carlos Santana). К этому времени авторитет Джона Ли Хукера в музыкальных кругах был уже настолько высок, что многие его коллеги, тот же Сантана, буквально напрашивались поучаствовать в любом проекте, который он только решился бы им доверить. Как показало время, "The Healer" суждено было стать одной из самых продаваемых блюзовых записей всех времен. Диск добрался до 62 позиции Billboard 200, что для альбома в жанре блюза немалое достижение. Важным для музыканта событием стало и присуждение ему в 1989 году первой премии Grammy за лучшее исполнение традиционного блюза (трек "I'm in the Mood" - дуэт с Bonnie Raitt).
На волне возобновившегося интереса к жанру оживились и сами блюзовые исполнители и серией новых альбомов подпитывали моду на блюз. А тем временем Хукер продолжил цикл релизов - всего появилось пять альбомов за восемь лет - под условным названием "The Best of Friends", которые записывались в компании его лучших друзей-музыкантов и просто талантливых коллег. Изданный в 1991 году лонг-плей "Mr Lucky" носил пророческое название. Удача артисту действительно не изменила. Альбом поднялся в первую тройку британских хитов, а в списке достижений 74-летнего артиста появился интересный рекорд - он стал самым возрастным музыкантом, который достиг такого результата. Напарниками Хукера в период студийных сессий на этот раз были Рай Кудер (Ry Cooder), Ван Моррисон (Van Morrison), Кейт Ричардс (Keith Richards), Альберт Коллинз (Albert Collins) и еще ряд звезд.
В том же 1991 году Джон Ли Хукер прошел официальное посвящение в Зал славы рок-н-ролла. Теперь музыкант воспринимался как живая легенда блюза. В такой роли его даже пригласили для съемок в рекламном ролике международной химической корпорации. Интерес к артисту не угасал и на протяжении 1992 года, когда в телевизионной рекламе джинсов "Lee" звучала новая версия знаменитой композиции "Boom Boom". Переизданный сингл, как и последовавший за ним альбом, оказались достаточно популярными в разных уголках мира.
Только в 1994 году, перенеся операцию по удалению грыжи, 77-летний артист решил понемногу закругляться и побольше времени проводить с семьей, посреди своих многочисленных автомобилей и домов на калифорнийском побережье. Но остановиться было не так-то просто, инерция такой длинной и насыщенной творческой биографии брала свое. В 95-м году вышел еще один крепкий альбом "Chill Out". Кроме третьего места в рейтинге блюзовых дисков, он принес музыканту вторую награду Grammy в той же номинации "традиционный блюз". А через какое-то время Джон Ли Хукер официально объявил о том, что уходит на покой. Тем не менее в 1996 году он забрал свои слова обратно, отыграл несколько концертов и погрузился в студийную работу.
В 1997 году артист опубликовал новый студийный альбом "Don't Look Back". На правах продюсера Хукеру помогал Ван Моррисон, записавший также одну из лучших вещей на альбоме - "The Healing Game". Великолепный заглавный трек был изящно инкрустирован органом Чарльза Брауна (Charles Brown) и гитарой Дэнни Кэрона (Danny Caron). Казалось, этот патриарх американской музыки решил наверстать упущенное за всю жизнь. LP "Don't Look Back" благополучно финишировал в первой тройке блюзовых дисков и заработал для автора еще две премии Grammy - за лучшее исполнение традиционного блюза и за лучший вокальный поп-дуэт (трек "Don't Look Back").
Джон Ли Хукер ушел из жизни как праведник - он умер во сне 21 июня 2001 года в калифорнийском городе Лос-Алтос. Целая волна релизов, которая хлынула после его смерти, - лучшее доказательство актуальности его творчества. Это не только переиздания старого материала, созданного композитором и музыкантом за всю его внушительную - почти 60-летнюю - карьеру, но и наработки последних лет и даже месяцев его жизни. Так, в 2003 году дочь музыканта Захия Хукер довела до конца работу над альбомом "Face to Face", который Хукер не успел закончить. Альбом легко поднялся в Тор 3 блюзового чарта - даже после смерти Король буги не сложил своих полномочий и продолжает властвовать над сердцами.

Слово «виртуоз» не совсем подходит для того, чтобы описать талант Рода Пиаззы, хотя его умение определенно заслуживает такое звание. Он может извлекать вибрирующие фразы, брать и держать невообразимо высокие ноты и настолько же низкие, жужжать, стонать и выть на своем инструменте или просто играть красивые мелодии.
Известный захватывающими и энергичными выступлениями, Род Пиазза часто во время концерта сходит со сцены в зал и бродит среди зрителей, при этом не пропуская ни одной ноты на гармонике, запрыгивает на барную стойку и вступает в дуэль с пианино или гитарой. На фото Род и его группа в компании поклонника по имени Брюс Виллис.
Пиаза одинаково превосходно владеет и диатонической, и хроматической гармониками.
Род Пиазза родился 18 декабря 1947 года в городе Риверсайд, штат Калифорния. Период его взросления пришелся на блюзовый бум начала и середины 60-х. В детстве Пиазза слушал записи R&B, которые покупал его брат. В 16 лет он организовал блюзовую группу. Ему посчастливилось играть в джемах с кумиром и будущим наставником George "Harmonica" Smith, переехавшим в Лос-Анджелес из Чикаго, где блюзовая сцена достигла тогда пика своего развития.
В 1967 Пиазза организовал группу The Dirty Blues Band, к концу 1968 группа сменила название на Bacon Fat. К ней присоединился Джордж Смит и вместе с Родом они создали звук на основе «дуэли» двух гармоник. Они играли вместе 15 лет.
В течение следующих двух лет Bacon Fat выпустила два альбома, после чего Пиазза покинул группу и до 1974 работал в других коллективах, затем записал сольный альбом.
В 1976 г. он организовал The Chicago Flying Saucer Band (Чикагская летающая тарелка). «Нашему менеджеру не нравилось название. Он предложил The Flyers (скороходы), но группа с таким названием уже была, и я сказал: «Давайте добавим что-нибудь, например, The Mighty Flyers (могучие скороходы)». И мы стали так называться с 1979».
Этот период также связал одну из наиболее заметных супружеских пар в блюзе. В 1973 Род нанял в качестве пианистки мисс Хани, красивую блондинку, очень технично исполняющую буги-вуги. Хани Пиазза играет на пианино с четырех лет. Она изучала классическую музыку, но, будучи подростком, стала страстной поклонницей блюза, особенно, Отиса Спэна. В 19 лет она отправилась в Чикаго, где стала играть с Робертом Локвудом-Младшим. В 22 года в Риверсайде Хани познакомилась с Родом Пиаззой и попросилась к нему в группу. Через три года они поженились и с тех пор стали неразлучным дуэтом гармоники и пианино. Между прочим, дуэль гармоники с пианино является одним из самых ярких эпизодов их шоу. Это музыкальное выражение их брака. Хани так описывает свои отношения с мужем: «Музыка сплетает наши жизни. Мы вместе 24 часа в сутки, заняты подготовкой к следующему представлению. А в свободное время мы бежим на пляж и целый день катаемся на досках для серфинга». Род и Хани Пиаза по-прежнему живут в Риверсайде в свободное от гастролей время.
The Mighty Flyers считается одной из самых сыгранных групп в мировом блюзе. Они записали дюжину альбомов, непрерывно выступая в клубах, концертных залах и на фестивалях в США, Канаде, Англии, Германии, в Скандинавии и Японии.
За последние годы The Mighty Flyers были удостоены четырёх премий W.C. Handy, блюзового эквивалента премии Grammy, в номинации «блюзовая группа года». Также несколько лет назад Пиазза стал лауреатом премии Хэнди в категории блюзовый инструменталист – гармоника.
Пиаза считается одним из главных стилистов West Coast jump блюза – динамичного, интерактивного сплава чикагского блюза с элементами лос-анджелесского послевоенного джаза, свинга и R&B. «Я рос в такой среде» – говорит Пиазза, – «я слушал записи Джимми Рида, и Джо Тернера, и Ирла Бостика. И когда я начал играть, на меня продолжали оказывать влияние биг бэнд Джонни Отиса и Джо Хьюстона. Так все соединялось воедино».
Сам музыкант считает себя просто блюзменом: «Люди любят классифицировать блюз по направлениям. Однако когда я рос и слушал записи блюзовых артистов, потом стал играть в группе с George "Harmonica" Smith, и мы выступали с такими музыкантами как Big Mama Thornton, Big Joe Turner, T-Bone Walker, мы не думали, какой блюз мы играем: west coast или чикагский. Это был просто блюз. Да, вы можете считать по-своему, но для меня главное, как ансамбль звучит: хорошо или плохо».
Внимательное прослушивание гармоники Пиазы позволяет увидеть, что на его инструментовку также оказали влияние саксофонисты 1940-х и 50-х гг.
«Я думаю, это счастье делать то, что мы делаем. Сейчас всем тяжело продолжать гастролировать: у нас много друзей, замечательных музыкантов, которые не могут больше гастролировать. Вот поэтому мы выкладываемся на каждом выступлении. Возможно, кто-то увидит нас всего один раз в этом году. Мы должны сделать так, чтобы этот вечер был стоящим для него» – считает Род.
Алексей Соколов BluesNews.ru

1991-Blues in the Dark(2008-Bonus track)
1992-Alphabet Blues(2008-Bonus track)
1997-Tough and Tender
1998-Vintage Live 1975
1999-Here And Now
2001-Beyond The Source
2003-The Best Of Rod Piazza(1968-2003)-2CD
2004-Keepin' It Real
2005-For The Chosen Who
2007-Thrill Ville

Классик слайдовой электрогитары. Настоящее имя Theodore Roosevelt Taylor. Явился примером для подражания для множества блюз-рокеров, в частности, для Джорджа Торогуда. Кроме того, Тэйлор был фантастическим концертным артистом, вокалистом с голосом и экспрессией, редко встречающимися теперь в блюзе.
Родился 12 апреля 1917 года в штате Миссисипи. Начал играть на гитаре подростком. В 1942 переехал из деревни в Чикаго. Днем Тэйлор работал, вечером, особенно в конце недели, пропадал со своей гитарой в барах и клубах негритянского South Side. Профессиональным музыкантом стал лишь в конце 50-х, то есть оставил побочные заработки. В 60-х выпустил несколько синглов на небольших фирмах звукозаписи, которые, впрочем, остались незамеченными широкой публикой.
В 1971 подписал контракт на выпуск дисков с фирмой Alligator. Партнерство с быстро растущей компанией принесло музыканту широкую известность, на этот раз не только в Чикаго, но и за пределами «Города Ветров». Вместе со своей группой The HouseRockers, состоявшей из гитариста Brewer Philips и барабанщика Ted Harvey Тэйлор объездил с концертами десятки фестивальных площадок, выступал в престижных клубах и университетских кампусах. Он был известен любовью к дешевым японским гитарам, ярко окрашенным, с массой клавиш и пестрым оформлением, а также тем, что на левой руке у него было 6 пальцев. На «Аллигаторе» вышло три альбома уникального по своему звуку и энергетике певца и гитариста, когда он умер от рака в декабре 1975 году.
После смерти вышла компиляция, а в 2004 году были изданы архивные материалы – несколько студийных дублей и записи клубных выступлений "Release the Hound". Тейлор остается в каталоге «Аллигейтор Рекордз» одним из самых покупаемых артистов.