Рекомендации по Metal Music

Наверное, дебютный альбом наших соотечественников заслуживает самого пристального внимания и положительной оценки... Хотя бы за то, что ребята смогли найти время, средства и силы, чтобы грамотно спродюсировать свою работу с помощью финского звукорежиссера Янне Сакса и, соответственно, великолепно ее записать. Наверное, сочетание мелодичного дэт-метал, готик- и модерн-металлических элементов со скрипичными пассажами и клавишными оркестровками должно заставить сильнее биться сердце любого меломана, который неравнодушен к "хэви-металлической романтике" (а я неравнодушен), но... В моем сердце и в моей душе музыка DOMINIA не отыскала ни малейшего отклика, хотя я и давал ей несколько шансов. Но она так и осталась холодной изящной скульптурой, которой неплохо любоваться издалека, но вблизи она оставляет впечатление обычного куска льда, из которого умелый профессионал высек некий образ на потеху публике, причем руководствуясь ее (публики) сиюминутными предпочтениями. Публика хочет мелодичной музыки с жесткими элементами - у нас есть она. И вот рождается некий набор хороших песен, в котором имеются и откровенно готик-металлические номера, вроде "With Pain Into Eternity", и "чистый" модерн-метал с "попрыгушками" но с неоклассической интродукцией в середине в "Save Yourself" , и романтика в духе SILENTIUM в "The Prophecy", и фортепьянная интерлюдия "The Punishment", и почти симфония в "Mountains Of God's Depression" и прочая, и прочая, и прочая. Есть мастерское исполнение, есть великолепный звук... Черт! Пишу, и не знаю, чего мне еще надо - ведь за что ни возьмись, все здесь есть - и мелодии, и ритмы (зарубежной эстрады) - но уж слишком все холодно... взвешено, измерено, оценено. Глаза так сами собой и поднимаются на стену - не горят ли там сакраментальные "мене, текел, упарсин". Слишком хорошо - тоже не хорошо (простите за тавтологию). Где-то за всем этим теряется душа, а вместе с ней и дух творчества. Остается голое ремесло, которым, похоже, музыканты DOMINIA в совершенстве овладели, за что их и похвалим, а пластинка их... А что пластинка, пускай стоит на полке, места, чай, не пролежит. Но меня, почему-то не покидает ощущение, что не будь этот альбом так идеально отшлифован, он бы стал одним из моих фаворитов - а может есть где его рабочие варианты?
old man
Честно признаться, я не верил, что альбом такого уровня может иметь "российское гражданство". Если дать послушать этот диск человеку, не знакомому с творчеством группы и ее историей, то он скорее всего посчитает альбом работой какой-нибудь скандинавской команды. Впрочем, только взглянув на список групп, в которых играли/играют участники Dominia, уже можно понять, что материал будет как минимум не проходным.
Дебютный альбом "Divine Revolution" довольно молодой (с 1999 года) питерской группы Dominia был записан летом 2006 года в Финляндии на Sound Supreme Studio под руководством продюсера Janne Saksa. Нетрудно догадаться, что качество записи материала на диске - великолепное! Инструменты и вокал звучат очень четко, разборчиво, ничего не задвинуто на задний план. Так же следует отметить очень сочное и объемное звучание ритм-секции, качественная запись которой является извечной проблемой многих российских исполнителей. Альбом был выпущен финским лэйблом UHO Production, что тоже редкость, ведь количество отечественных групп, издающихся на Западе, можно пересчитать по пальцам. И это является единственным недостатком альбома, так как в России его купить пока нельзя.
Теперь несколько слов о содержании диска. На нем присутствует 9 треков, каждый из которых является потенциальным хитом! Главная особенность материала - скрипка, являющаяся солирующим инструментом и почти полностью заменяющая гитару. Именно ее звучание и создает самобытный, запоминающийся саунд группы и львиную долю хитовости песен. Остальные элементы, который формируют музыкальную составляющую альбома так же очень разнообразны - это отличный дэтовый гроулинг и чистый вокал Антона Росы, мелодичные, воздушные готические клавишные, волшебная симфоническая атмосфера, создаваемая двумя скрипками... Все это летит вперед чуть ли не с пауэрными скоростями, за которые ответственна плотная и тяжелая ритм-секция. Несмотря на то, что почти все песни скоростные, в них отлично сочетается тяжесть и мелодизм. Особняком стоит последняя композиция - баллада "Mountains Of God's Depression". Она начинается с очень красивого клавишно-скрипичного вступления, затем следует забойная основная часть и мелодичное заключение. Песня длится 9.5 минут и почти полностью спета чистым вокалом, что также выделяет ее из остального содержания пластинки.
К сожалению, текстов песен у меня нет (кроме песни "Save Yourself"). Но из того, что удалось разобрать, я понял, что они весьма осмысленны и небанальны.
"Divine Revolution" стал для меня одним из самых приятных сюрпризов 2006 года. Группа выпустила достойнейший альбом и абсолютно заслуженно может представлять русский металл на Западе. У Dominia огромный потенциал, и я с нетерпением жду их новых работ.
P.S. Совсем недавно на официальном сайте группы появилась новость, сообщающая о том, что "Divine Revolution" будет издан в России по лицензии лэйблом ФОНО. Теперь у всех появится возможность добавить эту великолепную пластинку в свою коллекцию. Ура!
Очень и очень хорошо, если не сказать просто замечательно. Отечественные команды, поющие на английском языке, всегда вызывали у меня добродушную улыбку. Было очень весело слушать вокалиста, абсолютно не миловавшего чужой язык своим акцентом. Для слушателя, хорошо понимавшего этот заморский говор, подобное пение вызывало отвращение. Dominia же показала, что по-английски можно петь (и рычать тоже) очень хорошо и почти без акцента. Благо, куплеты исполняются хорошим для России гроулингом, поэтому найти там акцент не представляется возможным. А теперь что касается музыки.
Был очень приятно удивлен тем, что и на просторах нашей Родины все еще есть группы, которые вдыхают новые идеи в жанры, которые, как кажется, исчерпали себя и продолжают по инерции порождать лишь группы-клоны, тупо копирующие музыку своих западных коллег. Хороший «бензопильный» (но в меру) звук, плюс всегда к месту хорошо вмонтированная симфоника, которая и создает атмосферу альбома - депрессивную, унывную и какую-то обреченную, даже местами осеннюю и холодную. А если учесть, что музыканты живут в Санкт-Петербурге, городе, который еще Достоевский в своем «Преступлении и Наказании» описал, как депрессивный и давящий на человека своей тоской и безвыходностью (из-за которых, отчасти, Раскольников и решился на убийство), можно смело сказать, что эта музыка идет из самых глубин души и никакой коммерцией здесь и не пахнет.
TrueMusculeBoy

Hу что-ж. Есть один человек, мнению которого я безоговорочно доверяю.
Он и посоветовал найти и купить, что я и сделал Когда я это воткнул в
плеер, я услышал нечто такое, классическо-фолковое. Я подумал было
грешным делом, что появился клон Дарк Реалити. Hо потом я взял для
детального изучения книжечку от диска Сначала меня поразили гритсы
- Deicide, Amorphis, Therion, Hate Squad.... Etc. Для готтов выглядело
как-то не так Потом я книжечку развернул. Текста, 4 фотографии. Hа
втором развороте еще четыре фотографии :-/ Hа развороте книжки -
группа в полном составе.Я выпал в осадок - _16_ человек.
ШЕСТHАДЦАТЬ. и все при деле Да.... Hу перейдем к музыке -
нео-классик-фолк с местами вкапленными драмсами и гитарными
партиями, сдобренные хорошей порцией дэт-вокала. И все это на фоне
скрипочек, тромбона, флейты, арфы, клавишь, с женским вокалом +
мужской ( а в некоторых местах еще и сессионный хор) Звучит просто
потрясающе и слушается на одном дыхании. Стиль охарактеризовать не
могу. затрудняюсь. Hо очень советую послушать.
Mankubus
Немецкая группа с не очень поэтичным названием, которое можно перевести как «Изможденные», решила, видимо, заткнуть за пояс всех тех, кто пытался соединить тяжелый металл и классическую музыку. Они не просто сделали металл с элементами классики, как это принято у многих блэкеров, думеров или готов, а снабдили тяжелую музыку столькими штучками из арсенала классической, средневековой и фольклорной музыки, что временами кажется, что это вообще даже не рок. Или же, наоборот, всю эту музыку металлизировали? В общем, какая разница? На момент записи первого альбома в группе было целых 16 человек, что уже вызывает восхищение. Среди них вокалист (и гитарист) Асис Нассери, любящий гроулить, и две вокалистки, Карин Боденмюллер и Сазема, поющие на английском, немецком или латыни (причем иногда все три языка присутствуют в одной композиции), рок-ритм-секция и целый набор классических инструментов – фортепьяно, скрипка, виолончель, флейта, гобой, кларнет, арфа и т.п. Уже на своем дебютнике с таинственным названием «И ты доверишься… провидцу» группа показывает свой уникальный стиль – причем так, будто они совсем не новички, что, в принципе, является правдой, поскольку образовались они еще в 1991 г. и успели уже выпустить демо, минидиск и промо. Данная работа, как, впрочем, и последующие, была задумана концептуальной – и, как вы думаете, на какую тему? Конечно же, средневековье – страшное и загадочное.
1) «The Day as Heaven Wept». С самой первой композиции можно получить хорошее представление об этой команде. Играет акустическая гитара, присоединяются флейта и клавесин, а затем редкие ударные и виолончель со скрипкой. Вступает фортепьяно, сопровождаемое флейтой. Наконец ударные начинают играть нечто маршевое, а вскоре появляются два голоса – женский (сопрано) и мужской (бас). В сопровождении различных классических инструментов они поют либо по очереди, либо вместе о темных временах, когда свирепствовала инквизиция. Вновь играет фортепьяно, присоединяется гобой, сопровождаемый зловещим полушепотом Асиса Нассери и хором (кстати, он у группы собственный). Мы видим пепел на месте сожжения тех, кто пытался сопротивляться; дым поднимается в тусклом свете бледной луны. Неужели Бог не видит, как его именем решают, кому нужно жить, а кому – умереть? После прекрасного соло на флейте Асис повторяет последние строчки, переходя на гроулинг, и тут-то и начинается самый что ни на есть металл с искаженными гитарными риффами и мощным драммингом, однако периодически звучат скрипка и флейта. Музыка, несмотря на такие вроде бы несовместимые жанры, тем не менее, не кажется эклектичной. Тем временем Асис продолжает рассказ. Бог все видит и печаль наполняет его. Ради этих людей он когда-то позволил распять своего собственного сына, и что же теперь? Видя, что происходит на Земле, заплакали все обитатели неба. И тогда Бог решает послать человека, который станет предвестником конца человечества, которое не оправдало его надежды. Некоторые строки Асис позволяет петь одной из девушек.
2) «Origin of a Crystal Soul». Тем временем мы плавно переходим в следующую композицию. Играет электрогитара, к которой присоединяется ударные, а также гобой, флейта или виолончель. Затем вступает фортепьяно, и вновь возвращается электрогитара. Вступает женский вокал, поющий о встрече тех людей, которых считают еретиками. После того, как Асис гроулит последние несколько слов, появляется орган, сопровождаемый ритм-секцией, а хор поет на латыни: «Освободи меня, Боже, от смерти, в ужасный ее день!» Далее, под металл и фортепьяно, поют одна из девушек, Асис и хор. Называется даже точная дата – 14 декабря 1503 г., день, когда в этот мир явился будущий пророк. После небольшого фортепьянного соло возникает приятная музыка с флейтой и цокающими перкуссиями, напоминающая о танцах при каком-нибудь средневековом дворе. Возвращается фортепьяно, к нему присоединяется виолончель, а затем и жесткая ритм-секция с ревом Асиса. Здесь он уже поет на своем родном языке, сообщая о рождении мальчика, который должен стать великим пророком, ощущающим печаль вокруг. Музыка убыстряется, а девушка произносит на французском языке имя: Мишель де Нотр-Дам. В конце звучат различные классические инструменты вроде клавесина и флейты и цитируются некоторые моменты предыдущей композиции.
3) «Requiem in D-Minor». Мы подошли к первой инструментальной интерлюдии, полностью выполненной в ключе классической музыки. Несколько настроений быстро и плавно сменяют друг друга. Играют флейта и гобой, а их сопровождают другие инструменты оркестра. Музыка грустная и, судя по названию, воплощает скорбь по человечеству, которое должно погибнуть.
4) «In a Pale Moon’s Shadow». Эпическая композиция продолжительностью 9,5 минут. После короткого вступления на флейте Асис, в сопровождении ритм-секции, проговаривает первое слово, а затем хор начинает петь а капелла на латыни: «Ты противостоишь вечному врагу и тут же даешь вечный мир. Так будь же впереди всех – мы избежим любого развращения». Во второй раз те же строки хор произносит уже под риффинг и ударные. Через некоторое время появляется фортепьяно, а к нему присоединяются виолончель и глухие ударные. Ненадолго возвращается ритм-секция. Женский голос поет о том, что юному Мишелю видятся странные сны, однако отец (гроулинг Асиса) говорит ему не бояться. Металлические и классические фрагменты постоянно меняются или же звучат одновременно. Хор повторяет фразы на латыни, звучат скрипка и виолончель, а потом возвращается ритм-секция. Эффектно звучит, когда ударные начинают стучать в духе марша. То женский, то мужской голос рассказывают нам о печальных картинах, которые видит мальчик; ему хочется, чтобы он вернулся к реальности. Неужели это происходит на самом деле? Подняв голову, он видит, что даже небо стало кроваво-красным. Под красивую музыку Асис поет на немецком языке, однако время от времени вступает жесткая ритм-секция. Мишель продолжает видеть, как на казнь везут еретиков, как на костре сжигают ведьму с рыжими волосами, а вокруг темная-темная ночь. Переходы от более мягкой к тяжелой музыке, видимо, должны подчеркнуть различие между двумя различными состояниями души Мишеля.
5) «Cantus Firmus in A-Minor». Вторая инструментальная интерлюдия в классическом духе представляет собой повторение нескольких простых мелодий и является чем-то вроде передышки после столь большой и сложной композиции.
6) «De la Morte Noire». Еще одна эпическая вещь – на этот раз на 8 минут. Вступает фортепьяно, к которому присоединяется тяжелый риффинг. Появляются ударные, ускоряющие ритм, однако фортепьяно продолжает вести мелодию, в сопровождении металлических и классических инструментов. Музыка вновь убыстряется со вступлением гроулинга. Видения, являющиеся Мишелю, становятся яснее, и вот он видит смерть короля: «Мой король мертв. Нет!!!!! Умирает от копья… так медленно…» Это Генрих II, которого смертельно ранили на турнире. К голосу Асиса здесь присоединяется сопрано. Внезапно наступает затишье, затем появляется одинокое фортепьяно, к которому присоединяется оркестр и глухой стук ударных. Через какое-то время вступает ритм-секция, играющая довольно медленно. Возвращается гроулинг: Мишель вытирает слезы и пытается понять, что с ним происходит; вероятно, он пытается заверить себя, что его видение было лишь плохим предчувствием, но надежда на это становится все меньше. После небольшого фрагмента с сопрано появляется акустическая гитара. В ритме средневекового танца Асис (иногда с одной из девушек) продолжает рассказ на немецком языке: тем временем во Францию приходит чума, Черная Смерть, и люди мрут один за другим. Инструментальная интерлюдия звучит жестко, а затем еще раз повторяется фрагмент на немецком языке под ту же музыку, только Асис уже поет один. Вновь появляется металлическая ритм-секция. Она внезапно затихает, но возвращается под фортепьяно. Периодически звучат струнные. Звучит последний куплет: Нострадамус пытается спасти заболевших, но среди них оказываются самые близкие ему люди. Он кричит также, как и тогда, когда понял, что умер король: «Моя жена… сыновья… Нет!!!!!»
7) «Lost (Robin’s Song)». Сразу же вступает жесткая ритм-секция, однако затем остается акустическая гитара, сопровождаемая виолончелью, скрипкой и гобоем. Асис поет более или менее нормальным голосом, т.е. не ревет и не кричит. Мишель ничего не смог поделать, чтобы спасти самых близких ему людей. Голос Асиса в припеве красиво сменяется сопрано. А бедный Нострадамус, видя мертвые тела, начинает обвинять во всем Бога, и внутрь него заползает тьма. Присоединяются ударные, однако музыка становится тяжелее через некоторое время, а Асис поет уже с хором. Мишель упал на землю и плачет, надеясь, что никто не услышит, как падают его слезы.
8) «A Midnight Gathering». Композиция, очень отличающаяся от других. Мы слышим какой-то племенной ритм, отбиваемый ударными. К ним присоединяется красивая флейта, а потом появляется хор. Мы покидаем Мишеля и оказываемся в лесу среди каких-то существ, которые приглашают нас присесть у костра. Огонь пылает все ярче, просыпаются души героев, и все заполняет атмосфера старинных историй. Затем те, кто нас пригласил, прощаются с нами, поскольку они должны исчезнуть с рассветом. Заканчивается композиция так, что становится понятно: музыканты далеко не все сказали.
Что же, действительно уникальная музыка, которую просто надо слышать. Ребята неплохо сочетают совершенно разные вещи, но так, что получается единое целое. Разнообразие вокалов также радует. Гроулинга сравнительно мало, но и тот, что есть, неплохо вписывается в общую картину. Хорошая также обложка – гравюра Дюрера под названием «Меланхолия I». На ней изображена погруженная в раздумья крылатая Меланхолия, а вокруг нее в беспорядке нагромождены разные символические вещи. Картина трактуется обычно как олицетворение творческого духа человека, поскольку в эпоху Возрождения меланхоликов считали людьми творчества. Что касается собственно альбома, то единственная претензия у меня к нему заключается в том, что хотелось бы побольше, а то всего 40 минут. За столько лет все-таки можно было сделать дебютник и попродолжительнее!
Featus

Яркий и самобытный коллектив Negura Bunget обрушил на андерграунд свой очередной концептуальный релиз под названием «Человек». Если я правильно понял мудрёные пояснения музыкантов касательно концепции альбома, то получается, что он посвящен тематике личностного и духовного развития человека в контексте метафизических аспектов цифры «5». Такая вот навороченная петрушка. Как хотите, так и понимайте...
Конечно же, было бы глупо ждать от этих одарённых румын чего-то ординарного и посредственного. Negura Bunget не обманули чаяний и ожиданий своих многочисленных и благодарных слушателей. По мере личностного роста самих музыкантов достигает новых невиданных сияющих вершин и их творчество. Релиз зачаровывает и околдовывает, тянет к себе снова и снова. И каждый раз таит в загашнике новый, ранее незамеченный сюрприз для ошеломлённого слушателя.
Как уже повелось в творчестве Negura Bunget, альбом создает архаичную и какую-то «противосовременную» ауру. Атмосфера нагнетается и плетётся мастерски, с использованием целого сонма духовых инструментов. При первом прослушивании сразу становится заметно более размеренное и неторопливое построение музыкальных фраз, музыканты практически отказались от бластбита и скоростных, агрессивных проходов в угоду общей созерцательной и нездешней атмосфере. При этом за основу взят конечно же традиционный для Negura Bunget задумчивый и отстранённый чёрный метал, на который умело и уместно нанизываются многообразные синтезаторные находки, по-древнему звучащие духовые, колокольчики и даже ксилофон. Структура композиций, как обычно, радует разнообразием и неожиданными (впрочем, вполне уместными и логичными) скачками творческой мысли. Порой композиции состоят из абсолютно различных фраз, которые, тем не менее, очень удачно и как-то «бесшовно» спаяны воедино общим увлекательным лейтмотивом. Любопытно, что при общей хмурой эзотерике некоторые фрагменты звучат как-то возвышенно-благородно, с этакой светлой меланхолией. Яркая и увлекательная инструментальная часть сопровождается хриплым гроулом и хорошо поставленным, безрадостным тенором, который уже стал одной из отличительных черт Negura Bunget на предыдущих работах. Присутствуют и полностью амбиентные зарисовки на глубинную этно тематику, и какие-то чуть ли не фолк роковые проходы. Как всегда, все эти компоненты уместны и лишь придают дополнительную цельность и сплочённость музыкальному полотну.
Что сказать в заключение? Negura Bunget конечно же самобытен и ни на кого не похож. Можно сказать – уникален. Релиз «Om» - актуальный пример самобытного творческого роста и личностной эволюции. Очень красивый, мощный и выверенный материал. На подступах к шедевру на все времена...
Kurgan
Вроде бы видел я где-то ярлык «вампирик блэк метал», прилепленный к этому альбому. Тут бы возрадоваться поклонникам комичного Дэни Филта, но Negură Bunget играют блэк совсем другой формации. Это истеричная, и в то же время расслабленная музыка с воздушными гитарными партиями, недаром в буклете нарисованы соломенные фигурки, которыми хочет полакомиться ветер. Но и более плотная субстанция здесь присутствует, - в мясных, напитанных кровью риффах, рвущих плоть слушателя колючей проволокой. Рану снова ласкает ветер высоких гитар, к которым иногда присоединяются лучащиеся светом симфонические облака. В такие моменты не веришь, что эта музыка создана людьми, и не понимаешь, как могла она полгода лежать без употребления. Ха! Так восстают из тысячелетнего заключения киношные чудища, - их пробуждает какой-нибудь незадачливый искатель приключений. Вот и я выпустил этого румынского монстра себе на погибель… Придется мне проследовать за ним в аморфные музыкальные ландшафты Negură Bunget, напитанные ужасом и сияющие неземной красотой. Сгину я там или нет, после 67 минут блужданий, в которых мне повстречаются как рычащие звери, так и чистоголосые создания? Много ловушек спрятано здесь: волшебные мелодии чистых гитар, сыгранные в унисон на одной струне (“Conoaș Terea Tăcută”), и хитрые ударные партии, исполненные словно на костях прежних путников (ксилофон и деревянные ударные; там же), и парящие вздохи труб (“Inarborat”), переходящие в тревожно-заржавленное блэковое крошилово, и предательски легкомысленные трели флейты (“Hora Soarelui”), и вкрадчиво удушающий бас (везде). Хотя от недостатка воздуха на этой пластинке вряд ли можно погибнуть, - тут грозит скорее гипервентиляция мозга из-за избытка атмосферности. Но этого не нужно бояться, - это прекрасная смерть. Ведь что может быть лучше смерти от красивейшей музыки?
Richter

Возьмите сырую массу эмоций, произвольно заполнившую первый альбом Estatic Fear. Смените его рыхлую структуру более чинным построением композиций. Разделите весь материал на регулярное количество примерно равных трэков. Вот он – «A Sombre Dance». Несмотря на то, что в пару к гроулу все еще звучит скрим, дэт-металическая составляющая окончательно оформилась и стерла легкий блэковый налет, что был на первом альбоме. Пространные, длинные гитарные соло с сырым холодным звуком уступили место более виртуозным и не столь тяжеловесным партиям. Инструментальное многоголосье, переплетение классических для команды инструментов пришло на смену завораживающе печальным монологам. Estatic Fear обновили подачу материала, сделались собранней, но это ни в коем случае не задело ни средства выражения, ни атмосферу их творчества. Каким-то образом им по-прежнему удается подать романтику 19 века нежеманной и неделанной. «A Sombre Dance» - стандартный пример взросления нестандартной команды, не отступающейся от своих принципов…
Австрийцы сохранили суть: неоклассический дум, где металическая составляющая совершенно затерялась среди флейты, органа, акустики, клавишных – как атмосферных, так и ведущих. Сэмплы дождя и раскаты грома придают музыке еще больше естественности и живого очарования. Кроме того, мне послышался и низкий шершавый голос виолончели… Вот эти-то инструменты и есть истинные рассказчики в материале Estatic Fear. Что невероятно приятно: каждый из них точно знает, когда оборвать свою линию, чтобы не стать лишним и запомниться. Даже весьма простые ударные смотрятся очень эффектно, когда на время прекращают сопровождать мелодии. Эти паузы дают музыке больше, чем непрерывное нагнетание темпа и смены ритма… Все-таки, несмотря на уже вышесказанное, Estatic Fear одна из немногих команд, что видят главным инструментом не гитару, не барабаны, и даже не драйв или громкость, а… тишину.
На этом следовало бы закончить, но я не удержусь: из двух ныне выпущенных альбомов я все же отдаю предпочтение первой части, которая покорила меня своей атмосферой необустроенности и тревоги, но этот диск - ни в коем случае не хуже.
Glop

Part the Second - 85%
Written by termitejr on June 23rd, 2009
Maudlin of the Well had a loyal fan base dedicated to their dreamy, avant-garde metal, and when listening to Bath and Leaving Your Body Map, it's not hard to see why. However, when they broke up and formed into Kayo Dot, many were disappointed as the band began to move away not only from heavy metal, but from any identifiable genre by throwing out all sense of structure and accessible melody. While their first effort Choir of the Eyes was an excellent and cohesive album, later albums pushed too far; often too difficult, unlistenable, and ultimately pretentious although commendable for the sheer talent on display. So when hearing that Toby Driver was to release a new maudlin of the Well album based on songs written before the formation of Kayo Dot, fans were both excited and dubious.
Fortunately, Part the Second continues the legacy of maudlin of the Well without too many of the elements which has made Kayo Dot unpopular with fans. The band mixes beautiful guitar tones, keyboards, strings, and other instruments, and has the ability to turn from dreamy landscapes to noisy, screaming nightmares to jazzy breaks without sounding forced. Fans of maudlin of the Well will not be disappointed; the first track is instantly recognizable as maudlin of the Well with trademark ethereal guitars and lightly picked harmonics slowly building up into a cacophony of shrieking guitars, and it should be as the song is actually a reworking of the first track off Bath.
The second song also follows in a similar style, beginning with a beautiful mix of keys and strings before becoming a whirlwind of guitars reminiscent of tracks like Bizarre Flower or Birth Pains of Astral Projection. A welcome return to the band is the guitar of Greg Massi, who's instantly identifiable solos were sorely missed from Kayo Dot, such as the jazzy funk of Clover Garland Island or the moody wailing on Laboratories of the Invisible World.
This is not a metal album however- while previous efforts were arguably metal, sounding like an even more spaced out version of Tiamat's Wildhoney and occasionally My Dying Bride, Part the Second rids itself entirely of the genre. There is a lot more space and mood in the music, such as Rose Quartz Turning to Glass which recalls Kayo Dot with Mia Matsumiya's violin winding us along oriental landscapes until the band kicks in with a Pink Floyd-esque trip into outer space.
That's not to say the band has lost it's heaviness. The final track is noisy and loud with guitars, trumpets, keys and shrieking vocals playing off each other over a strong rhythm section reminiscent of some of maudlin of the Well's loudest moments or the winding guitar work of Ephel Duath.
Part the Second is a beautiful and dynamic album, however because it's made of unrecorded and forgotten tracks from Bath and Leaving Your Body Map, it doesn't have the same cohesive flow as these two almost perfectly formed records. Occasionally it falls into a similar trap of Kayo Dot and disengages the listener as the space and mood widens too far, but the band will quickly return with a memorable melody which pulls the listener right back in.
Metalheads may be turned off by its lack of heavy riffing, but maudlin of the Well was never about this in the first place. Part the Second is a journey through various soundscapes and is an excellent listen for people who want to hear something unique.
A Masterpiece Among Masterpieces - 100%
Written by elfo19 on June 14th, 2009
Maudlin of the Well is one of those bands that I always heard about and was really intrigued to listen to but could never get a hold of because all their stuff is out of print. When I heard that this new album was available free for download on their website I jumped to the occasion.
The album is stunning to say the least. The best way to describe it is as a musical orgasm. It's passionate, but intense, and always excellent. Venturing beyond the avant-garde metal they are known for releasing in the past, "Part the Second" is much more. It maintains a steady level of "experimentation" to fulfill the avant-garde but ventures into numerous other territories. It includes a wide array of instrumentation, weaving in and out of itself to create a spectacular soundscape.
There isn't a weak spot on the disc, and the fact that the band released it free for download is incredible. The fact that is FREE also gives you a reason to go download it and listen, even if you don't think you'll like it. A metalhead might from someone's description of an album with little metal, which is filled classical setting instrumentation in an avant-garde setting, disregard the album. I can't blame them! Why buy something you don't think you'll like? You don't have to! No one can turn down free music, and the fact that it's incredible is just an added bonus.
Maudlin of the Well's newest release may not be accesible for everyone musically, but it is a magnificent masterpiece of an album. The music escapes from the common labelings and classifications of modern music and instead rests nicely in the category of the indescribable. Recommended for anyone.
maudlin of the Well - Part the Second - 100%
Written by Hjemland on May 22nd, 2009
A victory for the people who donated, a victory for music production, and a victory for the music listener. This is one hell of a journey, this is an album that will consume you, it will break your heart every time only to force you to fall in love again. First I’ll have to say, this doesn’t sound like anything maudlin of the Well had done previously, almost all of the metal is gone. I recently criticised Kayo Dot for the same thing, but this has done something different, it’s done it so well that you can’t help but forgive it.
The first cheerful 30 seconds of this is so incredibly uplifting, it’s insanely happy, especially if you know that it’s going to be followed by what is quite possibly the most awesome album of all time. A beautiful string arrangement comes in and really sets the mood for what this album is all about. The guitars resonate throughout and just add a lush flavour that you can almost taste, the layering is absolutely stunning. The vocal are perfect for the mood, out goes the harsh and in comes a completely clean vocal performance and it works amazingly well.
The slow build up is accompanied by sheer beauty and suddenly you’re thinking where the time has gone the whole thing just suddenly escalates out of nowhere. It will make you feel like you’re floating on top of the world. And before you know it, the first song is over. Another Excerpt feels like the start of a beautiful awakening, and the start of it is more classical in nature than anything. The build-up, the production and the atmosphere have all been created to perfection.
And there’s no disappointments, no anti-climaxes, just utter perfection, and buried deep in the mix is some incredible guitar solos that are just waiting to burst to the forefront, but never quite get there. Everything just seems to end so quickly, it never feels like you get a whole song, 10 minutes becomes one and everything feels lost, it can drive you mad just wanting more. Every now and then you’re just going to drift out of it and then when you snap back you notice you’re already halfway through the whole thing.
I’d like to take this time just to explain the sheer beauty of this album. There’s something to admire at every step of the way. Every note seems to be put there purely for your enjoyment. It’s like it knows exactly what you want and just delivers. The strings, the drums, the keyboards and the guitars; everything just works so perfectly, parts of this are pure silent perfection. And then other times it just overwhelms you with a beautiful wave of sound.
The closing track is quite possibly the only thing that can be tied down to make this overly familiar with motW fans, it’s the heaviest track, but that doesn’t explicitly say there’s any real metal on it, it just sounds more powerful. Yet it still retains that control, direction and beauty.
There’s not much I can say about this album that hasn’t been said other than that I’m absolutely stunned. My faith in new music has been restored, and I really hope that in 20 years 2009 will be remembered as the year that maudlin of the Well shocked the world with this total classic. And let’s not forget it’s available for free on their website.
http://www.maudlinofthewell.net/downloads.html
I have also posted this review on: Musicbanter, RYM and Progarchives.

ZONARIA — это мизантропическая смесь брутальных риффов, мелодических гармоний, маниакальных барабанов и зловещих синтезаторных линий. Группа была хорошо принята в металл-сообществе и с успехом сформировала своё собственное, уникальное звучание. Со своим вторым альбомом, который сейчас находится в работе, и подтвердив своё участие в поддержку юбилейного тура VADER по Северной Европе в октябре — ноябре 2008-го года, ZONARIA вполне готовы стать новой шведской экстрим-металлической сенсацией!
(c) darkside

Точно не скажу, в каком состоянии я впервые слушал новый альбом германских вампиров Agathodaimon, возможно был уставшим после тяжелого трудового дня, возможно, был с похмелья после удачных выходных, но сперва диск показался мне провальным для столь уважаемой команды. Провальным даже более, чем их предыдущее творение 2004 года – четвертый альбом –"Serpent's Embrace", на котором музыканты основательно обновили звучание группы, упростив композиции, добавив синтетики и динамики, что в конечном итоге практически убило все "фишки" команды, наработанные за десять лет существования. Тем не менее я нашел в себе силы еще раз переслушать "Phoenix" в более адекватном состоянии ума, и о чудо, композиции с альбома уже не казались мне развитием тем с "Serpent's Embrace", а наоборот – возвращением к корням проекта. Нет, конечно, с диском "Phoenix" Agathodaimon не восстал как Феникс из пепла, да и вряд ли следовало требовать от музыкантов (часть из которых в том числе и новый лидер-вокалист Ashtrael являются новичками в команде) повторения ранних своих творений, но то, что на новом альбоме Сатонису и товарищам удалось удачно совместить свежесть новых музыкальных идей и ценнейший опыт прошлых работ факт неоспоримый.
Даже традиционно синие цвета буклета с картинкой в духе "Лабиринта Фавна" Гильермо Дель Торо, настраивают слушателя на нужный лад, и это не говоря уже о текстах, которые всегда отличались у Agathodaimon в лучшую сторону от всего идиотично-меланхоличного бреда готик-металических формаций. Загонам про мертвых возлюбленных и увядшей листве, немцы противопоставляют мрачную романтику с изрядной долей философии. Чего только стоят строки из прекрасной композиции "To Our Ashes":
All things come to the those who wait
I say these words to make me glad
But something answers, soft and sad
They come but often come too late
С музыкальной точки зрения, как я уже говорил, у Agathodaimon заметна явная тенденция к возвращению к корням, но на новый лад. Мелодии в песнях стали более вменяемыми и очевидными. Разумеется, никакого пресловутого вампирического-блэка у Agathodaimon нет, исполняют они среднетемповый dark-gothic-metal с явной лидирующей ролью гитар (клавиши и разные звуковые эффекты, когда они есть, то убраны в глубокий бэкграунд). В целом композиции стали более прямолинейными, но использование до трех разнообразных вокалов в одной песне, расширяет их границы, предавая требуемый драматизм и страсть. В целом, если сопоставлять этот альбом, со всем предыдущим творчеством группы, то "Phoenix" мне нравиться даже больше чем "Godspeed On The Devils Thunder" у Cradle of Filth, опять же в сравнении с творческим багажом последних.
P.S. Фанаты могут поискать limited edition версию альбома, содержащую композицию "Alone In The Dark" в двух вариантах: новом, с Ashtrael и Sathonys на вокале, и оригинальном с вокалом Ruth "Ophelia" Knepel, которая исполняла песню "Solitude" на «
предыдущем альбоме коллектива, "Serpent's Embrace".«

Несмотря на то, что эта израильская в прошлом команда создает весьма спорные с музыкальной и идеологической точек зрения творения (не зря же их вынудили покинуть родную страну?) их последняя, на сегодняшний день, работа "Emissaries" не может не вызывать к себе интереса у ценителей такого стиля как black metal и не только. Посему давайте, и мы обратим на диск свое внимание.
Прежде всего, хочется отметить великолепное оформление буклета, чего ранее за Melechesh не наблюдалось. Строгое, аскетическое и в тоже время величественное. Печать золотой краской по черным страницам буклета – просто и со вкусом. Лишь тексты песен и небольшие картинки из различных древних манускриптов по религии и прикладной магии, насколько я могу судить.
Что касается музыкальной составляющей, то кажется ребята из Melechesh наконец выковали и отточили до остроты дамасской стали свой уникальный стиль. Ориентальный black metal в их исполнении звучит плотно, мощно, чисто и имеет все шансы быть воспринятым с интересом не только закоренелыми фанатами стиля, но и остальными ценителями тяжелой музыки, что является скорее исключением, чем правилом. Как и на ранних творениях группы, особую пикантность и остроту музыке Melechesh на новом альбоме придает использование ближневосточной мелодики и народных инструментов, характерных для того региона. В этом плане группа конечно схожа с более именитыми представителями Земли Обетованной – Orphaned Land – но на том сходство и заканчивается, обе команды играют свою уникальную музыку, и Melechesh тут не в чем не копирует Коби Фархи и товарищей. Что касается вокальных партий Ashmedi, то слава богам, это не скрим, а скорее театральное декламирование, с чувством, с толком, с расстановкой, а вкрапления чего-то вроде мужского хора, которые часто перемежаются с основными партиями, вообще вызывают один лишь восторг. Это касается и нехарактерных для стиля текстов на восточную мифологическую тематику, и никакого вам сатанизма и антихристианства.
Таким образом, четвертый альбом Melechesh "Emissaries" весьма качественная, интересная и востребованная, на мой взгляд, работа. Определенно лучшая из того, что группа «
создала на сегодняшний день.«
(с) Metallibrary

Специально для Трусова А. А.

Пустота… мрак… депрессия… летаргический сон… полет в неизвестность… коллапс сознания… нечеловеческий холод и страх вползают под кожу… страх вечного одиночества… и боль! Боль! БО-О-ОЛЬ! Боль бессилия что-либо изменить… боль отчаяния, боль потери…
Вот такие эмоции и переживания охватывают слушателя с первых секунд этого античеловечного шедевра современности. Именно шедевра, и никак иначе!
Выдержка из пресс-релиза:
«From the ashes of dark ambient pioneers Hlidolf comes Norway’s HJARNIDAUDI. The debut release “Pain:Noise:March”. Forty two minutes of thundering drone reverberations, propelled into endless voids by warm layers of suffocating astral funeral doom. Colossal, epic, mind-altering power. {Points of reference : Klaus Schulze, suffocating funeral doom, Jesu, Esoteric.}» Ключевая фраза здесь “Colossal, epic, mind-altering power“. Колоссальная по глубине воздействия на психику и эпическая по своему размаху музыка, вызывающая переключение сознания в какое-то альтернативное состояние, из которого не так-то просто выбраться.
Норвежский one-man-band Hjarnidaudi выдал на своем дебютнике материал, уделывающий многих братьев по цеху и немного выходящий за рамки ярлыка “funeral doom”. Автор этого чуда некто Vidar “Voidar” Ermeso из Осло, засветившийся ранее в одном малоизвестном коллективе под названием Hlidolf, играющем dark ambient. Видимо, у парня кончились способы самовыражения в рамках dark ambient и он решил сменить палитру красок. И, надо вам сказать, не зря!
Звучание гитар очень близко в нетленке “Filosofem” от Burzum. Сходство с этим релизом усиливается еще благодаря минималистичному построению композиций и ограниченности средств самовыражения. Кроме гитар, разреженной ритм-секции и эмбиентной подложки, на сабже вы ничего не найдете. Мастер Voidar отсек все лишнее и представил на суд слушателей 3 пространных, монолитных трека, способных унести слушателя далеко в холодный космос самопознания, отчаяния и боли.
«Смерть мозга» — именно так переводится с норвежского название группы Hjarnidaudi. И, действительно, прослушав сабж хотя бы раз до конца, гарантирую, вы поймете, о чем я!

WHERE DREAMS COME TO DIE - это дебютный альбом RED DESCENDING. Он основывается на жанре мелодик дэз и включает симфонические арранжировки, электронные элементы и, частично, женский вокал. Результат - мощный звук, темный и мрачный.
Мастеринг альбом был сделан гитаристом группы Ианом Бинетом. Так же в мастеринге принял участие Петер Ин де Бету, который работал с Dark Tranquillity и Dimmu Borgir.

Все-таки существуют высшие силы, вкладывающие в умы людей истинно творческих и не требующих славы и почестей идеи, опережающие естественное развитие человеческой мысли и сверхчеловеческие же способности. Чешская группа (отрадно за братьев-славян!!!) испытала-таки, видимо, на себе действие манны небесной и сотворила этот не укладывающийся ни в какие рамки альбом. «Elvenefris» представляет собой сложное, нерасчленимое целое, в котором заложены как начала эстетики, так и начала ее антагониста – антиэстетики. Борьба противоположностей не умолкает ни на минуту. В ней принимает участие весь экипаж этой боевой машины. Начну с самого необычного, с того, что с первых секунд зарекомендовывает себя как изюминка альбома и моментально ударяет в мозговые центры. Это изысканные и, конечно же, красочные мелодии с неожиданным восточным колоритом, которые группа с достоинством демонстрирует тогда, когда это необходимо, но ни в коем случае не делает их назойливыми. Здесь же по соседству и искуснейшие эмбиентные пейзажи, наполняющие музыку экстатическим блаженством и позволяющие слушателю быть опьяненным ими. Для описания красоты и необыкновенной чистоты и прозрачности этих колоритных этно-вставок и всего воздушного наполнения еще можно подобрать слова, но для того, чтобы охарактеризовать кипучую деятельность гитар и ударных, боюсь, их будет недостаточно.
Гитары – квинтэссенция тяжести и техники, музыканты повсеместно поддерживают это соотношение, усиленно взрывая все их смерчеообразным звучанием, прежде чем сменить гнев на милость, технику на атмосферу и раствориться в медитативности акустических партий. Самое удивительное в «Elvenefris» – отсутствие соло, какими мы привыкли их видеть (слышать), что придает произведению еще больше оригинальности и неповторимости. На самом деле, все просто – зачем альбому, который снизу доверху
(органично) пронизан мелодикой, как-то формально выделять ее? Вокалом Lykathea Aflame решили подчеркнуть главным образом дэт-грайндовую природу своего творчества: Петр Томанек рычит свои партии утробным, не скупящимся на брутальность гроулингом, но, поскольку эта группа свое творчество в какие-то рамки укладывать не собирается, то не выглядит каким-то кощунством и особой неожиданностью и использование чистого-пречистого вокала, преимущественно в релаксирующих после дэтового боя фрагментах. …За что этот альбом можно боготворить, так это за ритм-секцию, энергетики которой, кажется, хватило бы не на один десяток альбомов других, менее талантливых дэт-единиц. Бас умудрились все же загнать настолько, что он обычно теряется в ритм-гитарах, зато в спокойных фрагментах он исключительно значим для непосредственного воссоздания романтической грусти и внесения других дополнительных штрихов в музыку. А вот ударные спрятать не смогли, да и не получилось бы… Барабанщик этой группы Томаш Корн – это, сразу скажу, достойный соперник Flo Mounier. Арсенал его состоит из плотных и нечеловечески насыщенных бластбитов, ультратехничных брэйков (за этим далеко ходить не надо – оцените это зверское художество на 4-ой мин. открывающего трэка) и звенящих тарелок, которыми он управляет, пожалуй, силой мысли. В общем, охарактеризовать его харизму и творческую индивидуальность можно только путем сравнения: представьте себе разгневанного Зевса, восседающего на троне и метающего громы и молнии… испугаетесь? содрогнетесь пред его величием? Наверное, все и сразу…
В своих монументальных композициях (в среднем – 6 минут) эти чехи ведут работу по совмещению 2-х планов – небесной глади (атмосферы, создающейся одухотворенными прикосновениями к клавишам, или заполняющей собой все игрой акустики) и земной тверди (грайндующей, сверлящей, кропотливо выбивающей дроби ритм-секции). Нужно сказать, что та концентрированная медитативность, которая встречается на всем протяжении альбома, находит глубокое оправдание и в лирике, инспирированной чем-то, что безраздельно владеет умами участников коллектива и чем они будут рады поделиться со слушателями. Тематика песен – космос, поиски идеальных миров, приобщение ко всеобщей гармонии, поэтому и альбом называется «Elvenefris» (своеобразный духовный мир, куда мы стремимся попасть).
Первая песня под магическим названием “Land Where Sympathy Is Air”, начинающаяся ориентальной мелодией, которую затем бросает из стороны в сторону под действием безжалостной ритм-секции, уже окунает нас, с одной стороны, в атмосферную бездонность, с другой – в буйство стихий: сокрушительные гитары, безумные партии ударника и нечеловеческий рев. Финал композиции – выражение страстного стремления к той гармонии, которая позволяет сердцу говорить на языке деревьев…
Басовый проигрыш знаменует начало второй вещи “To Become Shelter and Salvation”, миссия которой – закрепить достижения первой и еще раз соединить материю и дух в звуке. Очередное появление чистого вокала почему-то ведет за собой болезненный авангардный сдвиг... Странно… так страдает тело, омывающееся волнами очистительной энергии?
“Bringer of Elvenefris Flame” открывается мечтательными гитарами, соединяющимися с мощной живописью эмбиента, зачарованным басом и задумчивой чистой декламацией, однако вскоре, подобно смерчу, музыка начинает вертеться вокруг не растерявших мелодизм ни в скорости, ни в виртуозности исполнения риффов и сверхдинамичных, необычайно легких по звучанию ударных. Вся композиция окрашена в теплые тона и созидательна даже в откровенном бластинге – несущий пламя Элвенефриса очищает и дарит любовь…
“Flowering Entities” имеет вообще одно из самых лаконичных и ярких, эффектных вступлений, которое только можно найти в дэт-метале, а затем всю кратковременную лирику перебивает профессиональное крошение мозга слушателя. Но ярчайший момент песни – это когда музыка принимает вид плавно движущегося массива техно-дэта, а позже полный и бесповоротный уход в метафизику знаменует появление чистого вокала, в котором в этот раз как-то особенно чувствуется братский славянский колорит. А уж призыв стать спасительной силой, какой является Солнце для Земли (стать островами мира и гармонии в огромном океане беспокойства), и вовсе выбивает слезу…
С самых первых секунд звучания “To Give” создается впечатление, что песня отдана на откуп технике, и это отчасти верно: состязания между гитаристами и ударником в отточенности игры будут иметь место и сопровождаться как использованием сложного синкопирования, так и широкой импровизации (умопомрачительная работа ударника на малом барабане и «железе»), но… эти возносящиеся к небу, словно райские птички, мелодии! Технически-атмосферный посыл этой вещи поистине велик! После этой, малой, доли альбома далее не остается ничего, кроме как не закрывать рот от восторга и продолжать впитывать в себя этот в высшей степени оригинальный альбом в стиле, который я определяю как technical atmospheric deathgrind.
Нет, дальше арт-напряжение нисколько не спадает… Но если не исследовать этот альбом до конца, можно не услышать, какая щедрая восточная мелодика проходит через всю “On the Way Home”, как диаметрально расходится мелодическое наполнение “Sadness and Strength” в начале и конце (от универсального хаоса опять же к восточной безмятежности), что Lykathea Aflame отдали-таки дань техно-дэту начала 90-х, сотворив ориентированную на саунд «Spheres» и «Focus» “A Step Closer”, естественно, оставив ощутимым и собственный почерк. Не послушав второй части этого альбома, вы также не сможете понять, что такая короткая и кажущаяся несодержательной в контексте альбома композиция, как “Shine of Consolation”, бьет иные лучшие у более именитых команд, а посредством самой длинной металической композиции диска “An Old Man and a Child” чешская группа демонстрирует, как мастерски держать баланс между тяжестью и общемузыкальным очарованием на протяжении целых 9 минут.
11-минутный эмбиентный финал свидетельствует-таки о безоговорочной победе гармонии не только в текстах (тексты уже сдались), но и в музыке. “Walking in the Garden of Ma'at” дает 100% эффект соприсутствия (звуковую, визуальную и прочие картины) и является, пожалуй, даже образцовым инструменталом такого толка.
Кстати говоря, альбом был записан всего за 24 дня, что, принимая во внимание качество, оригинальность и нечеловеческую насыщенность материала, попросту не укладывается в голове.
Заключение. Пожалуй, лучшее сочетание брутальности, техники и атмосферности в истории дэт-метала, давшее в итоге поразительный в своих крайностях и безмерно эстетически богатый мир под названием «Elvenefris». Строжайше рекомендуется ценителям эстетического экстрима и экстремальной эстетики, а также тем, кто устал от техно-брутального мэйнстрима вроде Nile. Надо двигаться вперед! Скорее бы уже вышел новый альбом этих кудесников, которые теперь величают себя просто Lykathe...
Blackknot
Чешская группа Lykathea Aflame раньше называлась Appalling Spawn и выпустила она в 1997 году одну демку. Затем след чехов в истории металлического авангарда теряется, чтобы потом вновь появится в 2000 году с полнометражным альбомом. Единственное событие, о котором я смог найти информацию, - это смена ударника. Некто Габриэль был заменён на некоего Петра Томанека. И должен сказать, что это событие определило музыкальное лицо данного коллектива, потому что Томанек отыграл на рецензируемом альбоме просто великолепно.
Хотя группа эта практически никому неизвестна, качество материала меня лично потрясло. Стиль можно определить настолько чётко, насколько чётко его вообще можно определить для таких групп. Мой диагноз - technical brutal death metal. Брутала здесь, в отличие от Necrophagist'a, побольше.
Итак, альбом "Elvenefris" был выпущен на чешском лейбле Obscene Productions. В самом начале звучит многообещающее акустическое интро в ненавязчиво восточном стиле - так начинается отличная "Land Where Sympathy Is Air". И это хорошо, ибо сулит музыку разнообразную и умную. Несмотря на то, что представленный материал укладывается в вышеозначенные рамки, требуется гибкость кругозора, чтобы оценить этот, вне всякого сомнения, шедевр в своём жанре. Первые четыре композиции - это пример подконтрольного музыкантам хаоса, где жёсткость и бескомпромиссность соседствуют с разнообразием. Затем уже более спокойные, но не менее захватывающие вещи идут чередой, выводя нас к финальному клавишному outro. Во время прослушивания на ум приходят сравнения с Cryptopsy и их приджазованным саундом, с Nile благодаря введению всяких псевдовосточных элементов (что автоматически отсылает слушателя к Morbid Angel, потому что технически обозреваемый альбом через "египтян" от дэта как раз к Morbid Angel и приходит). Можно вспомнить группу Fear Factory, потому что на "Elvenefris" есть вкрапления "чистого" вокала. Можно даже нарисовать у себя в воображении Hate Eternal с их инспирированными классикой гармониями. Но зачем? Lykathea Aflame обладает аутентичным саундом, который сам по себе не похож ни на один из слышанных мною коллективов.
О наполнении, собственно. Утробный, жирный и очень низкий брутальный вокал. Гипнотически запутанные и исполненные на бешеной околограйндовой скорости партии ударных (всё-таки живой ударник это живой ударник). Сюрреалистичные клавиши. Гитарная работа тоже на высочайшем уровне. Потрясающе разнообразная риффовка скачет от размазанных тяжеленных конструкций к филигранным хирургическим нарезкам не забывая и об эпичных вставках. Когда ухо устаёт от этого торжества экстремального металла, на помощь ему приходят замысловатые и удивительно красивые акустические гармонии. Воистину, игра на контрастах - самый верный способ сделать свою музыку запоминающейся. Причём напор и тонкость здесь не соревнуются друг с другом, а живут в полном симбиозе. Струкутра песен редко когда может быть названа "обычной" для техно-дэта. Предсказать, в какой именно цех устремится вся эта сталилитейная братия, сложновато. Как нетрудно догадаться, реализация такого материала должна быть выше среднего как минимум. И чешские издатели не подвели, записав диск более чем достойно. Во всяком случае, все инструменты чётко отделены друг от друга и отлично слышны.
В новом веке этот альбом, на мой взгляд, лучшее, что было выпущено в техно-дэте (да и в дэте вообще) наряду с работами уже упомянутых Necrophagist. Lykathea Aflame доказывает, что зачастую менее известные банды оказываются гораздо лучше раскрученных. Именно на них, а не только на реюнионах легенд, держится сейчас это направление в дэт-металле. "Elvenefris" - это работа, внушающая ужас и приводящая в восторг одновременно, равной которой я среди альбомов последних лет 9 найти не могу. Красота и брутальность - вот что характеризует это талантливое во всех отношениях произведение.
Vinter
Вот это чехи задали жару! Брутальность и романтизм, техника и мистика переплелись на этом альбоме. И действительно, как только почти не известная команда смогла записать в таком приличном качестве свой материал? Техника игры отличная, но особо усердствует барабанщик. Таких сбитых ритмов мало где можно найти, когда райд идёт, к примеру, на 9/8, а бочка и рабочий на 4/4, а то и ещё круче бывает (знающие люди поймут)! Постоянные смены ритмов и рисунков (особо в этом плане "Shine of Consolation" выделяется), коих в минуту можеты быть до десяти, а возможно и больше, раз! Клавишные появляются очень кстати, да и вообще очень красиво у них получается из безмерного брутального хаоса переходить в размышления о чём-то не близком. Как факт - на альбоме много восточных мотивов в соло гитарных партиях. Вокал, к сожалению, ничем порадовать не смог. Но если не отвлекаться на невнятный вокал, то составителям учебников по tech-death металлу на заметку брать обязательно! Весьма самобытная работа, отдельные треки отмечать очень сложно, ибо иногда мотивы одной встречаются в другой и в каждой из них ещё по десятку моментов, заслужывающих внимания!
blin

Прослушав этот альбом, я просто не поверил своим ушам! Канадцы, в принципе, представляют нам типичный МДМ явно шведской школы, причем настолько явно, что иногда кажется: блин, да это шведы! Благо и страны находятся почти на одной широте. Вроде бы ничего нового в их музыке нет, прослеживается влияние самых ярких представителей этой самой школы (Amon Amarth, например). Но, материал настолько мощный, техничный, мелодичный и заводной, что просто диву даешься! Настолько все искренне сделано, что душа радуется! Много слушаю подобной музыки, но чтобы ТАК зацепило, давно не было… Во время прослушивания очень трудно усидеть/устоять на месте, «башкотряс» что надо! Половина песен быстрые, некоторые из них просто ураган! Остальные сыграны, казалось бы, в среднем темпе, но на угаре это никак не отражается. Тем более, что во всех них своеобразная чеканная ритмика сочетается с интересными сменами ритма и гитарными пассажами. Проходных вещей на альбоме категорически нет, в каждой присутствует свой целый фунт изюма. Главные хиты, пожалуй, первые три песни после вступления и, конечно, потрясающая "Broken Arrow", которую, на мой взгляд, вообще можно смело записывать в классические гимны МДМ! Звук для «самиздата» офигенный, мясистый, все инструменты отлично слышно. Вокал, хоть и несколько суров для этого стиля, но тут очень даже в тему, рычит дядька зачетно. Отдельных лестных слов заслуживает гитарная работа. Тут и жесткие риффовые атаки, и классические мдм'овские переливы, и душещипательные соло, чаще всего какие-то грустные, создающие меланхоличную атмосферу… Красотища!
Короче, писать об этом произведении я могу долго и только в превосходных тонах! Не верите – послушайте сами! Жаль только, диск найти будет сложно, поскольку Obtenebris до сих пор не подписал ни один лэйбл... Ну да ладно, группа еще молодая, успеется, благо все предпосылки для этого есть. Канадские суровые парни выдали на гора чрезвычайно качественный продукт. Даже интересно, смогут ли они еще лучше?! Настоятельно рекомендуется к прослушиванию всем любителям МДМ, а новичкам прекрасно подойдет для знакомства со стилем.
Sharpik (c) Darkside.ru

Cilice is a new Dutch band which is knocking on the door of the new hype in metalland, namely mathmetal and all of its spin offs. Cilice had already impressed me with an excellent performance earlier this year, so when I got the opportunity to get my hands on their debut album I couldn’t resist.
As new as the name Cilice may sound, the musicians aren’t that wet behind the ears. They have already proven themselves in bands like Orphanage, Neuk and Smogus. None of those bands, though, can be seen as an influence to the sound of Cilice.
As mentioned their music can be put in the math metal basket. Their influences range from Meshuggah to Mike Patton, although I have to admit that I can’t really find much Patton influences except for the way Daniël uses his voice.
When mentioning his voice, we have found one of the biggest selling points of Cilice. He already showed us in Smogus that he had a versatile voice, but because of the restrictions of the nu-metal genre, his voice couldn’t blossom with that band. Now that he has the room to challenge his capabilities, the listener has the chance to really enjoy his voice. Melodic parts, growling parts, spastic parts, nothing seems to be too difficult for Daniël to manage. Excellent performance! The same can be said of Philipp Moser who shows some nice skills on this disc, though his drum rhythms can use a bit more variation.
Deranged Headtrip is just an excellent album of an already excellent Dutch export product. I hope that they can keep up this level of performance and everything will work out fine for them!
(с) Metalrage.com

по версии metal-archives.com - 2 рецензии 50% 'уж очень хочется не согласиться с этими рецензиями, так как каверы действительно заслуживают того, чтобы их послушали.

по версии metal-archives.com - 3 рецензии 87%

Может и так быть, что сабжевый релиз какому-то другому Депрессору принадлежит, не хорватскому.
Теперь по поводу релиза. Я вообще настороженно отношусь к альбомам, где средняя продолжительность треков превышает десять минут, ибо это зачастую обозначает заунывную тягомотину, свидетельствующую только об упоении авторов собственным композиторским и исполнительским величием. Поэтому с подозрением начал слушать это.
И опасения подтвердились уже на первом треке! Но не те, а другие. Видите ли... Здесь нет блэка. Здесь блэка нет. Вообще. Да что там, в первом треке вообще ничего металлического нет (чутка риффовки на последние полминуты, вместе с хоралом, сделано, кстати, просто супер), исключительно эмбиент/симфоника с изредка проскакивающей акустикой. И знаете, что? Оно просто охрененно. Описывать все почти что полчаса A Silent Trade вообще бесполезно, иначе и читать придется все эти самые 26 минут. Во время прослушивания множество раз проскальзывали мысли о том, что вот этот самый трек можно без каких бы то ни было изменений перенести саундтреком в какую-нибудь RTS с космически/готическими мотивами (Warhammer 40000 подойдет). Эпическая вещь, ее можно было бы отдельным альбомом выпускать.
Трек номер два сразу же оборачивает дело на другую сторону, начинаясь с тремоло поверх тарелочной партии и шикарного двойного соляка. Примерно через минуту с лишним снова являются клавишные, но уже немного другого плана, и затем до самого конца чередуются с гитарной работой, которая, опять же, совершенно не блэковая, ну разве что melodic black (и то совершенно не факт, зато факт в том, что соляки здесь категорически гениальные). Из блэка разве что очерченная ритм-секция. Вкупе с клавишными (синтетика — есть, но и обычной симфоники хватает) катастрофа на эмоциональной электростанции воспринимается как эдакий Darkspace-лайт (извините за каламбур), только очень хорошо записанный (вот это меня, кстати, очень удивило, и даже не в ужасающем битрейте дело) и облегченный на порядок, и в дальнейшем впечатление только усиливаться будет.
Второй трек в общем отличается от первого только появившимися гитарами, а так-то все равно доминируют клавиши, плюс слегка изменилась тональность атмосферы: вместо космоготики явственный пост-апокалипсис, ну это и правильно.
И поэтому композиция Forgotten представляет собой качественный комбо-брэйкер. Она очень короткая (четыре минуты! Подумаешь, фигня какая). Это первое, что бросается в глаза, по сравнению с двумя предыдущими. И уже подспудно чувствуешь подвох и он тут есть. Здесь есть вокал (не то чтобы такой уж плохой, но после инструментальной идиллии первой части альбома, как-то это не того). Здесь нет клавишных (не влезли в продолжительность?). По музыке это чистой воды атмосферный блэк, и не совсем понятно, в чем смысл наличия этого трека здесь. I Will Destroy You в целом ничем не отличается от Forgotten и рассматривать их можно вместе: тоже вокал, тоже нет клавишных, правда, в плане композиционной сложности чуть менее простенько, но от этих суммарных девяти минут двух песен можно было бы с легкой душой отказаться (правда, в таком случае релиз почти наверняка отправился бы в гости к Нахтрайху. Или даже нет, битрейт-то маловат. Хитрый план детектед).
Ну и, наконец, Chernobyl NPP Disaster Part II. Истерзанная демонами сомнений после третьего унд четвертого треков, душа отдыхает в полюбившемся симфо-эмбиенте (по-моему это называется неоклассика. Поправьте, если ошибаюсь). Красота. Здесь тоже есть чуть-чуть мелодической приблэкованности, но мастерской и зачетной, и вообще. Даже солячки, которым впору оказаться в каком-нибудь прогопауэре или прогохэви, на удивление целостно вписаны и не вызывают свирепой матросской ярости (с разрывом тельняшки на груди), мол, такую песню испоганили, ироды. Атмосферика цветет махрово, и, если вы меня спросите, больше всего лично у меня вызывает мнемических отсылок к саундтрекам к Final Fantasy работы Нобуо Уематцу, особенно тем частям, что после шестой включительно (где преобладает стим-панк). А это высокая похвала.
Резюме? Вы знаете, есть у меня мыслишка, что альбом — фейк. Разница между первым, вторым, пятым треками с одной стороны и третьим и четвертым с другой, настолько бросается во все наличествующие органы восприятия, что не заметит это только овощ. Плюс законспирированность исполнителя по полной программе (ну не верю я, что некие гении (или один гений) в подвале наваяли такую потрясающую вещь). Все это странно, но в конечном итоге не особо интересно. Альбом офигительный. Категорически советую попробовать.
4,9/5 (за что минус одна десятая? За девять отстойных блэковых минут. И вокал).Defunct ©

Has to be Heard - 100%
Written by EmptyReality on April 14th, 2009
First I have to say that I cannot thank the reviewer below enough. If it wasn't for him/her I would have never discovered this band.
This album is not a metal album but it is distributed by underground German distributors that support mostly black metal bands that focus on art and music while ignoring money. This is a dark ambient classical band with stirring melodies. Guitars are used scarcely in the music and mainly serve to develop the atmosphere and increase the intensity of certain moments. At times the atmosphere has a Castlevania feel to it. The viola is what drives the melodies in this music the most and is perfect for doing so. All of the musical instruments used work together harmoniously in an irrefutably perfect manner.
This tape has excellent pacing throughout. The first song is an epic introduction that sets up the mood and the atmosphere. It also uses guitars more than any other song on the album. The second song breaks deeply into the classical realm leaving the guitar almost completely behind. After the large and epic beginning this song breaks into the quiet, personal, and melodious nature of the album. Songs 3 and 4 continue along much in this manner, but build up for the climax and explosion of the album which is song 5. Song 6 is the downward spiral and sums up the album nicely.
Variety is another strong point in this album. Rarely is a single segment of music repeated successively. The quieter parts of the album do not drag but do not feel rushed either. They are captivating and keep you in a trance until the next eruption of melody occurs. As amazing as the intense moments of each song are they are difficult to remember once the music stops. I can only attribute this to the length and variety of the album.
Like the reviewer below mentioned, it is a shame that this band is not better known. I feel really lucky that I stumbled upon it and urge everyone to check out their material.
Breathtaking... - 100%
Written by Tiriel on April 5th, 2009
Very few albums in my collection are deserving of a perfect score, but this is one of them. I cannot stop listening to this amazing release, and it truly pains me to think of how obscure and unknown these consummate master musicians are. I can't remember the last time I listened to an album as tight and professional as Nachtreich's Sturmgang.
There is not much traditional black metal in this at all, if that label is taken to refer to distorted guitars and high-pitched screaming. It is entirely instrumental, and the rock instrumentation - bass, guitar and drums - take the backseat to the extraordinary strings that drive the album. Overall the release is more classical than anything, but that doesn't stop it from capturing the same melancholy air that surrounds more traditional black metal albums. It is beautiful and mournful and moving all at once.
It is hard to compare this band to other artists. I feel that the music of Nachtreich is not entirely dissimilar to the more sorrowful pieces composed by Nobuo Uematsu (of Final Fantasy fame), but others may disagree. I can only advise anyone with the slightest love for either (or both) black metal and classical to check out Nachtreich for themselves and experience first-hand the wonderful music that I've come to care so deeply about.

по версии metal-archives.com - 5 рецензий 82% ,
по версии rate your music - 23 рецензии ср. балл 4/5

1) Считаю не лишним выразить чуть-чуть сострадания этой группе в связи с их происхождением. В то время как какие-нибудь не самые оригинальные, предположим, европейцы удостаиваются ценных трофеев в виде посягательств на места в музыкальных чартах, растущей армии поклонников и т.д., перуанскому коллективу требуется куда больше усилий для того, чтобы быть услышанными. Перу, конечно, не Монголия какая, где с метал-индустрией знакомы, наверное, всего пару десятков человек и то понаслышке, но все же факт остается фактом. Тем не менее, уверен, что поклонники у группы уже успели появиться: при таком-то качестве материала это процесс естественный. Ну а раз мы заговорили о происхождении, то необходимо сделать оговорку: не будь CH’ASKA родом из Перу, не услышали бы мы такого альбома. Дело в том, что процентов тридцать здешней музыки основано на этническом наследии южноамериканского региона (или конкретно перуанского, не знаю). А начало ведь ничего такого не предвещало. Первые секунд тридцать открывающей «Bicolour Cannibalism» оказались вполне жестким сплавом дэта и трэша (причем неясно, чего здесь больше), пока во все это дело не вмешались народные духовые инструменты, наверняка имеющие какое-то свое специфическое название. Появление этих дудочек является переломным моментом, после чего следует еще шестьдесят шесть минут звучания, где будет чему удивляться, уж поверьте. Невероятно наполненный музыкальный рисунок то и дело преподносит приятные сюрпризы. В типичный металический забой регулярно ныряют редкой красоты фольковые мотивы, иногда вытесняя все гитары, переходя в продолжительные балладно-лирические фрагменты, но в последствии могут вновь уступить место экспрессивным и техничным солякам, тяжелой риффовой агрессии или брутальному гроулу. Вокал, кстати, представлен не только гроулом – его тут видов пять наберется, и все звучат в равной степени убедительно и, не побоюсь этого слова, профессионально. Выходит, что стиль альбома характеризуется в первую очередь как death/thrash/folk, но при этом – сейчас будет интересно – и приставка progressive выглядит совсем не чужеродной: о стандартных простых песенных структурах музыканты будто и не знают, а заглавный трек (на испанском языке, кстати) состоит из семи частей и длится почти пятнадцать минут. Лирика ничем необычным не блистает, но написана грамотно и качественно, что уже хорошо. Назвать какую-нибудь из песен лучшей я не в состоянии: «Pururauca» воспринимается, словно одна цельная, ровная композиция, сюита, если хотите, но поделенная на главы исключительно удобства ради. Ни от кого больше, признаюсь, я не слышал такой музыки, которая сочетает огромную кучу всего самого разнообразного, но в настолько правильных пропорциях, что создается баланс, близкий к идеальному. Так и хочется сказать в адрес перуанцев какой-нибудь эпитет вроде «уникальные», что я и делаю – молодцы, заслужили! Единственное, к чему могу придраться – недостаточное количество запоминающихся моментов: таких, как, например, во второй песне в отрезке 4:10 – 4:37. Будь их побольше – CH’ASKA цены бы не было. Но и без этого обстановка складывается отличная: свои нескромные задатки перуанские ребята уже в полной мере проявили и, чтобы вдарить чем-нибудь совсем уж сотрясающим, им нужно проделать даже не работу над ошибками, а лишь небольшое сглаживание шероховатостей. Ну а пока вы думаете, где бы найти этот альбом, я оформлю ему путевку в список лучших релизов 2009-го года..
8/10Tular2) Этот альбом — шедевр. С небольшими оговорками, о которых чуть ниже.
По сути это... Это... Трудности тут с формулировкой жанра, работа многоплановая во всех отношениях, но больше всего мне хочется обозвать это чем-нибудь вроде progressive (?) folk death\thrash metal. Прогрессив спорен, разумеется, но тем не менее. Технически все тоже довольно разнообразно. Чисто трэшевые риффы разбавляются акустическими вставками (как правило вступлениями), редкими, незаметными при прослушивании фоном, но тем не менее создающими атмосферу клавишными и, самое главное, постоянно перекрываются флейтой, коя и ответственна за фолковую часть. Временами бывают, кстати, соляки (а еще бывают переборы на электрухе, стилизованные под фолк-мелодии), которые, несмотря на то, что напоминают какой-нибудь хэви, весьма органично смотрятся, в смысле слышатся. С этой частью музыки не понравилось два момента, на которые вполне можно не обращать внимание: странно глухой, гулкий бас (который раскатисто отдается в башке. Иногда это достоинство, но при моем нынешнем состоянии — наоборот) и задвинутые назад ударные, кои, впрочем, все равно ничем не примечательны. Есть и все. Ударник у группы, кстати, живой и по перуанским меркам заслуженный, но его с чистым сердцем могли на драм-машинку поменять, я бы не заметил разницы. С вокалом тоже любопытно. Их два типа: прихаршеванный гроул (очень хорош) и чистый (не очень. На любителя на самом деле. Время от времени нравится, но вообще-то можно бы и лучше). Первого больше и он мне почему-то показался ближе к народным перуанским напевам. Хотя я их не слышал. Просто показалось так. Еще одна деталь по части техстороны: несмотря на внушительную продолжительность (вот откуда в первую очередь мысли о прогрессиве), альбом кажется коротким. Сжатым, компактным. Это отличный результат, в общем-то, редкий даже для европейских групп.
Далее лирика (в широком смысле). Мелодии тут, ясное дело, есть. Цепляющие. Внимание захватывающие. В общем, с т.з. мелодики мне покатило. Каждый трек не имеет т.н. «стержневой» или центральной мелодии, чередуя ритмику и различные «переливы», причем очень даже удачно. С таким подходом можно было каждую песню нарезать на две-три отдельных с тем же разультатом. Про текстовую часть говорить сложно, потому что разобрать слова довольно проблематично, а тексты у меня не наличествуют. Правда, я услышал что-то вроде «ancient sorrows» и еще что-то, что не удалось идентифицировать словесно, но смысл вроде бы уловить удалось. Кстати, встречаются и вставки испанского языка, а одна из песен целиком на нем исполняется, что только добавляет плюсов работе.
Ну и все в таком духе. Можно было бы еще написать, но я только на два раза альбом послушал, поэтому еще не до конца просмаковал эту шикарную вещь, да и вообще: разве уже написанное кто-то будет читать?
Резюмируя скажу, что серьезных недостатков ни с технической, ни с творческой частями у работы нет, небольшие придирки имеют сугубо субъективный характер а потому могут в расчет не браться. В высшей степени замечательный релиз, настоятельно рекомендуемый всем любителям этнического метала (да и всем остальным, в общем-то).
4,9/5.
Огромное спасибо релизеру. И за качество и за саму возможность познакомиться с такой отличной группой.
P.S.: очень рад, что группа уделила должное внимание обложке. К сожалению очень часто многообещающие дебютники выходят с совершенно невразумительным кавер-артом. Конечно, содержание важнее, но.
Upd.: ооо, какой это альбом! Потрясающе, фантастика! Поначалу, то есть первый раз, когда я его прогнал, я сказал себе: да, это очень хороший альбом. После второго — это отличный альбом, он мне по-настоящему нравится! А вот после третьего я понял, что для меня теперь в фолк-метале больше нет ничего (кроме очень далекого в данный момент от меня нового Orphaned Land, до которого еще надо дожить, а эти перуанцы — вот они, у меня в колонках!). Черт побери, до меня дошло, что именно это я мечтал услышать всю жизнь! «Ааааа!!!» (копирайт). Здесь есть все. Прекрасные акустические рулады в Katari, мощная боевка в A Flower Brought Me Down, умопомрачительные запилы в Nightcalls, завораживающие и чарующие мелодии в Pictures, волшебно-обволакивающий этнический колорит в Nymph of the Lake. Не говоря уже о монументальном треке Pururauca, целиком исполненном на родном языке музыкантов. Это гениально. Это божественно. Это шедевр навсегда. Очень жаль, что группа не получит такой степени известности, какой заслуживает, и многие потенциальные поклонники пройдут мимо или уже прошли. Жаль. Но для меня этот коллектив уже один из любимых, благодаря этой невероятной работе. И это я говорю уже сейчас, хотя по идее должно пройти время, чтобы можно было оценить по достоинству данную, как и любую другую, работу. Но я уже сейчас уверен в том, что не разочаруюсь.
Теперь я ставлю 5/5. Оценки необъективны, конечно. Почти все, чему я ставил пять баллов доселе, проигрывает перуанскому бриллианту. Но больше поставить не дает шкала. Да-с.Defunct